Por favor, no mande riñones por correspondencia
Por
Tespis
En el Foro Sor Juana Inés de la Cruz allá en CU, se presenta de jueves a domingos este espectáculo sorprendente, físico y divertido de Richard Viqueira, José Alberto Gallardo y Antonio Zúñiga.
El titulo nos dice muy poco, el saber que trata sobre los textos reales de 3 asesinos seriales, Jack el destripador, El caníbal de la Guerrero, y el asesino de Virginia Tech el joven coreano que mato a 32 personas en su universidad para quien no se acuerde, aunque nos despierta un morbo natural, no nos prepara para lo que vamos a encontrar.
Cuando uno ve una obra de vanguardia de verdad, como esta, es parte del trabajo del crítico buscar una clasificación, al menos proponerla para que quede en la memoria escrita un análisis del trabajo realizado.
Hoy podemos decir que si existen de forma separada 2 corrientes en dramaturgia. La que podemos denominar como dramaturgia de historia, que es la común, la que puede tener variaciones en su forma y genero pero que finalmente cuentan un cuento de cualquier manera. Y, por otro lado, la dramaturgia que me atrevo a denominar como Dramaturgia de acciones escénicas que englobaría a las dramaturgias de vanguardia. La denomino así porque son obras que no relatan una historia, pueden comentarla a través de sus acciones, pero no usan una estructura discernible, encadenan de manera novedosa una serie de hechos escénicos que buscan provocar una reacción emotiva, intelectual o de asombro en el espectador respecto al tema sobre el cual verse la obra.
Suena atractivo para aquellos que no son capaces de escribir una historia coherente, pero, lograr un espectáculo interesante inventando un corpus dramático especifico para una propuesta no es nada fácil y muchos, por no decir casi todos, fracasan en el intento.
En este caso si estamos ante una dramaturgia de acciones, pero, que resultado tan interesante, entretenido y divertido hasta niveles que no podía anticipar. Cuando se abre, antes de la entrada al foro, la puerta de actores y asistimos al divertido e irreverente dialogo entre dos policías vestidos de putas que buscan atrapar a Jack el destripador, me dije, esto pinta para ponerse muy bien.
Acto seguido entramos al metamórfico espacio del Sor Juana para encontrarlo lleno de bruma y con maniquíes blancos colgados a diferentes alturas y con distintas posiciones, así como escaleras de mano que hacen practicable el foro hasta su tercer piso. Por ahí pende una silla de barbero antigua, de madera. Y en las paredes recargados, los tres autores actores, vestidos un poco a la usanza inglesa de la época de nuestro Jack The Ripper.
Y a partir de ahí, una divertida y a veces acida progresión de acciones, muchas veces violentas e intensas, para hablar en teatro sobre la violencia que nos ahoga el día de hoy. Pasa de todo, grafiti, colgar a una espectadora como piñata en la silla de barbero, un salto real desde el tercer piso hacia un colchón, golpizas de verdad y otras sorpresas que no comento para que se atreva a ir a disfrutarlas o a asustarse con ellas como si paso en la función en la que estuve.
Para lograr esto hace falta una dirección muy cuidadosa que la lleva de forma magistral el siempre original Richard Viqueira. Lo mismo que un elenco de actores que se conozca y se lleve muy bien entre si, como este caso en el que son amigos de años, de otro modo resultaría imposible trabajar algo como esto.
Actuaciones comprometidas y brillantes con un desgaste físico al borde del infarto, no hay un momento de descanso para los actores. Suben y bajan escaleras, corren, se cuelgan, gritan, bailan rap, se rasuran. No es un trabajo para tibios. O posees una técnica actoral solida o puedes lastimarte físicamente de manera grave.
Para dar una aproximación del sabor estético de esta obra, quizá lo más próximo seria la estética “grunge” tan actual hoy con sus manchones y trazos en apariencia accidentales. Si, podría decir que es una obra “grunge”.
Así que está dedicada mas para un público joven y atrevido aunque haya visto poco teatro, que a un público adulto convencional que seguro tratara de salir corriendo con el primer susto o se refugiara en su butaca rezando porque se acabe pronto. Pero si usted es atrevido, vaya, lo va a pasar muy bien porque además toda la obra tiene un gran sentido del humor, que va desde la escatología a la sonrisa intelectual más lograda.
Bravísimo a sus creadores interpretes aparte de Richard, José Alberto Gallardo y Toño Zúñiga por ofrecernos un concepto, novedoso, actual y divertido. Hasta para reflexionar sobre la violencia hace falta humor y ellos lo tienen y aquí nos lo comparten. Corra a verla.
domingo, 20 de septiembre de 2009
sábado, 19 de septiembre de 2009
La Lengua de los Muertos
La Lengua de los muertos.
Por:
Tespis.
En el pequeño teatro El Milagro, David Olguin, estrena esta pieza muy ad-hoc con nuestros centenarios en horarios normales de jueves a domingo.
El teatro sobre temas históricos nacionales había estado huérfano de textos mucho tiempo hasta las dos piezas de Flavio Gonzalez Mello; “Lascurain” y “1822”, curiosamente ambas de gran éxito el cual deseamos se haga extensivo a esta nueva propuesta que abre de nuevo la visión dramatúrgica sobre nuestra historia.
La Lengua de los muertos, versa sobre la noche en que fue asesinado brutalmente Belisario Dominguez, es el enfrentamiento entre el ex - secretario de gobernación de Victoriano Huerta, el original “medico asesino” Dr. Aureliano Urrutia y el icono de la retorica política. De la leyenda oficialista de la mutilación de lengua que, se dijo durante años, sufrió Belisario Dominguez a manos de el mejor medico cirujano de su tiempo. Con la participación entusiasta y siniestra de un policía de la “reservada” de Huerta, lease un judicial de hoy. Es la revisión del mito que llego al exceso de plantear que a Dominguez le cortaron una mano y fue capaz de arrojársela a la cara al perverso galeno, o de que le cortaron un índice con el que había señalado a Huerta con su celebre “Yo acuso”.
Pero esta obra es mucho mas que una crónica histórica, es una reflexión sobre la corrupción que nace del poder total y de la imposibilidad de ser ético siendo político. Pero no asustarse, la obra es muy divertida, muy entretenida y emocionante. Claro que el tema y la situación son duros y son expuestos de manera dura pero Olguin logra una obra casi thriller por su capacidad de seducción escénica.
La dirección del mismo dramaturgo es sobria y efectiva, logra dar el tono exacto a su tragedia manteniendo a los actores en un diapasón emotivo alto e intenso con logrados rompimientos que sirven de estimulos para no dejarnos escapar de la tensión. Todo esto en un espacio escénico muy minimalista pero profundamente estético de Gabriel Pascal que además hace una de sus acostumbradas iluminaciones esplendidas, subrayadas por una muy buena proyección de video y un diseño de audio destacados obra de Rodrigo Espinoza.
Bravo para un gran elenco. Rodolfo Guerrero crea un Dr. Urrutia esplendido, poderoso y desaforado, un gran villano escénico como se ven muy pocos y menos aun como , protagonistas. Un trabajo digno de premio. Lo mismo puede decirse del logradísimo Belisario Dominguez de Humberto Solorzano que sobrepasa las dificultades que trae siempre el representar a un personaje histórico en otro trabajo también digno de premio. Entre ambos logran un duelo actoral de esos que da gusto contemplar.
Al lado de ellos el intencionalmente farsico “Matarratas” de Gerardo Taracena, cuya farsa solo exalta lo perverso del personaje, en un trabajo que desespera por lo que nos recuerda de nuestras policías actuales. Felicidades.
Es impactante la actualidad de esta obra que nos hace pensar en política por medio de un muy buen texto perfectamente estructurado. Recibimos una gran cantidad de información histórica, de reflexión ética, de pensamiento político sin sufrir nunca de didactismo. Pienso que la mejor virtud de La Lengua de los muertos como obra teatral es que toma muy en cuenta el aspecto de diversión que debe tener el teatro. Si, una tragedia, aun tocando un tema morboso como la tortura, además de divertir debe capturar la atención del publico y aquí se logran ambas cosas, incluso sin intermedio , el tiempo se pasa volando.
La lengua de los muertos es un espectáculo que debe verse, no solo por su evidente actualidad conmemorativa, sino porque es acudir a gozar de una puesta muy bien lograda en todos los aspectos y de unas actuaciones intensas como ya se disfrutan pocas.
No se quede con las ganas de acudir, vaya a verla a este amable espacio escénico. Vale mucho la pena y tendrá usted mas de un buen tema para discutir. No falte.
Por:
Tespis.
En el pequeño teatro El Milagro, David Olguin, estrena esta pieza muy ad-hoc con nuestros centenarios en horarios normales de jueves a domingo.
El teatro sobre temas históricos nacionales había estado huérfano de textos mucho tiempo hasta las dos piezas de Flavio Gonzalez Mello; “Lascurain” y “1822”, curiosamente ambas de gran éxito el cual deseamos se haga extensivo a esta nueva propuesta que abre de nuevo la visión dramatúrgica sobre nuestra historia.
La Lengua de los muertos, versa sobre la noche en que fue asesinado brutalmente Belisario Dominguez, es el enfrentamiento entre el ex - secretario de gobernación de Victoriano Huerta, el original “medico asesino” Dr. Aureliano Urrutia y el icono de la retorica política. De la leyenda oficialista de la mutilación de lengua que, se dijo durante años, sufrió Belisario Dominguez a manos de el mejor medico cirujano de su tiempo. Con la participación entusiasta y siniestra de un policía de la “reservada” de Huerta, lease un judicial de hoy. Es la revisión del mito que llego al exceso de plantear que a Dominguez le cortaron una mano y fue capaz de arrojársela a la cara al perverso galeno, o de que le cortaron un índice con el que había señalado a Huerta con su celebre “Yo acuso”.
Pero esta obra es mucho mas que una crónica histórica, es una reflexión sobre la corrupción que nace del poder total y de la imposibilidad de ser ético siendo político. Pero no asustarse, la obra es muy divertida, muy entretenida y emocionante. Claro que el tema y la situación son duros y son expuestos de manera dura pero Olguin logra una obra casi thriller por su capacidad de seducción escénica.
La dirección del mismo dramaturgo es sobria y efectiva, logra dar el tono exacto a su tragedia manteniendo a los actores en un diapasón emotivo alto e intenso con logrados rompimientos que sirven de estimulos para no dejarnos escapar de la tensión. Todo esto en un espacio escénico muy minimalista pero profundamente estético de Gabriel Pascal que además hace una de sus acostumbradas iluminaciones esplendidas, subrayadas por una muy buena proyección de video y un diseño de audio destacados obra de Rodrigo Espinoza.
Bravo para un gran elenco. Rodolfo Guerrero crea un Dr. Urrutia esplendido, poderoso y desaforado, un gran villano escénico como se ven muy pocos y menos aun como , protagonistas. Un trabajo digno de premio. Lo mismo puede decirse del logradísimo Belisario Dominguez de Humberto Solorzano que sobrepasa las dificultades que trae siempre el representar a un personaje histórico en otro trabajo también digno de premio. Entre ambos logran un duelo actoral de esos que da gusto contemplar.
Al lado de ellos el intencionalmente farsico “Matarratas” de Gerardo Taracena, cuya farsa solo exalta lo perverso del personaje, en un trabajo que desespera por lo que nos recuerda de nuestras policías actuales. Felicidades.
Es impactante la actualidad de esta obra que nos hace pensar en política por medio de un muy buen texto perfectamente estructurado. Recibimos una gran cantidad de información histórica, de reflexión ética, de pensamiento político sin sufrir nunca de didactismo. Pienso que la mejor virtud de La Lengua de los muertos como obra teatral es que toma muy en cuenta el aspecto de diversión que debe tener el teatro. Si, una tragedia, aun tocando un tema morboso como la tortura, además de divertir debe capturar la atención del publico y aquí se logran ambas cosas, incluso sin intermedio , el tiempo se pasa volando.
La lengua de los muertos es un espectáculo que debe verse, no solo por su evidente actualidad conmemorativa, sino porque es acudir a gozar de una puesta muy bien lograda en todos los aspectos y de unas actuaciones intensas como ya se disfrutan pocas.
No se quede con las ganas de acudir, vaya a verla a este amable espacio escénico. Vale mucho la pena y tendrá usted mas de un buen tema para discutir. No falte.
martes, 15 de septiembre de 2009
Jugar a Morir.
Jugar a morir
Palabras en imagen
Por
Tespis
Dentro del programa Teatro para todos 2009, una de las mejores y más atrevidas iniciativas del IMSS en muchos años, se presenta en el Teatro Julio Prieto (Xola) la obra “Jugar a morir, Pizarnik en el país de las maravillas” todos los Lunes y Martes a partir de hoy y hasta Noviembre.
Confieso que llegue al teatro sin ninguna actitud, ni buena, ni mala. Y al iniciarse la obra que abre con el personaje de Ostrov sentado en un sillón mientras entra el público, al abrirse el telón, ¡Oh, sorpresa! Se ha iniciado el espectáculo de multimedia escénica y espacios manejados a través de imágenes lanzadas por tres video proyectores, más impresionante y perfecto en ejecución y desarrollo que se ha visto por acá en mucho tiempo. Vamos por partes.
Alejandra Pizarnik como nos informa correctamente el programa (indispensable leerlo por cierto para poder entender) fue una poetisa argentina de los 50’s suicida a los treinta y varios. Con una obra dolorosa y potente, centrada en sí misma y su angustia existencial. Suena denso, lo es, pero, que gran poetisa a la que confieso no conocía en absoluto y que merced a esta obra ahora he comenzado a leer con gran placer.
La obra, original de Zaria Abreu, maneja; a través de diálogos entre la Pizarnik y su sicoanalista Ostrov y consigo misma y sus angustiosas personalidades; el proceso de destrucción mental y emocional que viviera la poetisa, encuadrándolo simbólicamente en el cuento de Alicia en el país de las maravillas. Desde el principio sabemos que estamos navegando en la locura lucida de esta escritora y que finalmente morirá, pero con una dramaturgia novedosa, plena de momentos llenos de teatralidad pura Zaria Abreu nos lleva a conocer y claro, admirar y entender un poco a esta artista, que se une a poetisas dolientes como lo fuera, en otra medida y sentido, Enriqueta Ochoa que no se suicido pero también escribió poesía personalísima a partir de sí misma.
Debo destacar que Zaria es becaria FONCA y por este trabajo más que merecidamente. Pocas veces se ven en escena textos de autentica vanguardia escénica y este es uno de esos.
La puesta en escena, esplendida y reitero de autentica vanguardia, de Gabriel Figueroa Pacheco, nos introduce con un director imaginativo y acucioso, obviamente obsesionado con el detalle. La Puesta y producción física manejan una complejidad y una riqueza visual apabullantes. El escenario estalla visual y emotivamente. Que agradable sorpresa conocer el trabajo de Gabriel.
Aquí su labor como generador y coordinador del gran grupo de colaboradores rinde fruto por el excelente resultado. Disfrutamos un autentico show multimedia con espacios creados a partir de proyecciones fijas o en movimiento. Escuche que se llevaron 4 meses para lograr esa perfección visual. No exagero, la obra en términos de producción no tiene nada que pedir y si mucho que mostrar a OCESA y CNT e incluso a muchos teatristas extranjeros. Por establecer un nexo respecto a la novedad escénica que se ve aquí solo podría comparar con algunas propuestas de Fura del Baus o Els Comediens. El producto final es impecable. De hecho leemos parte de los versos de Pizarnik en las muy bellas imágenes en cambio constante desde el inicio hasta el final de la obra. Destaco los trabajos para lograrlo de Alain Kerriou en escenografía y videoarte, las iluminación de Hugo Heredia, La coreografía de Ramón Solano, el diseño sonoro de Ricardo Cortes, que al lado de sus equipos logran una puesta de avanzada que justifica becas y apoyos.
El elenco es muy bueno, ¡Bravo! Micaela Gramajo en su “Alejandra”, intensa y profunda. Con el compromiso de las buenas actrices, a su lado Tony Marcin en la “Sasha” con una fuerza escénica que no es común. Arnoldo Picazzo en el Ostrov lucha y vence en un rol difícil como interlocutor masculino en un universo mental femenino. Frida Islas y Florencia Sandoval también logran con creces sus respectivos roles con esa frescura que da la experiencia actoral de jóvenes preparadas.
Ahora bien, también los espectadores de teatro tienen edad, me refiero a que existen espectadores adultos con gran experiencia en ver teatro, así como adolescentes e infantes, según la cantidad y calidad de las puestas que hayan visto. Explico esto porque esta es una obra definitivamente hecha y concebida para espectadores adultos o… adolescentes atrevidos, teatralmente hablando por supuesto. Es una obra que si lo modifica a uno como espectador pero que no es fácil ni fácil de digerir. Está en un acto y al final si resulta a mi percepción 20 minutos larga. Por lo mismo y por lo denso del tema y tono puede resultar un poco pesada para algunos. Si, debo decirlo, no es una obra digestiva para ver y olvidar, es un espectáculo que requiere de un público atrevido e inteligente.
En resumen, Jugar a morir, es una esplendida opción para hacer y ver algo interesante los lunes y martes, además a un precio risible de $50.00 pesos solamente y aplican descuentos, francamente no hay pretexto para no acudir. Eso si, repito, es intensa, es densa, un poco larga, maravillosa visualmente y nos permite acercarnos al interior del alma de una intensa y bastante loca artista, pero no es fácil. Así que ya lo sabe, aviéntese una vuelta por el Teatro Julio Prieto para darse el placer de crecer como espectador teatral.
Palabras en imagen
Por
Tespis
Dentro del programa Teatro para todos 2009, una de las mejores y más atrevidas iniciativas del IMSS en muchos años, se presenta en el Teatro Julio Prieto (Xola) la obra “Jugar a morir, Pizarnik en el país de las maravillas” todos los Lunes y Martes a partir de hoy y hasta Noviembre.
Confieso que llegue al teatro sin ninguna actitud, ni buena, ni mala. Y al iniciarse la obra que abre con el personaje de Ostrov sentado en un sillón mientras entra el público, al abrirse el telón, ¡Oh, sorpresa! Se ha iniciado el espectáculo de multimedia escénica y espacios manejados a través de imágenes lanzadas por tres video proyectores, más impresionante y perfecto en ejecución y desarrollo que se ha visto por acá en mucho tiempo. Vamos por partes.
Alejandra Pizarnik como nos informa correctamente el programa (indispensable leerlo por cierto para poder entender) fue una poetisa argentina de los 50’s suicida a los treinta y varios. Con una obra dolorosa y potente, centrada en sí misma y su angustia existencial. Suena denso, lo es, pero, que gran poetisa a la que confieso no conocía en absoluto y que merced a esta obra ahora he comenzado a leer con gran placer.
La obra, original de Zaria Abreu, maneja; a través de diálogos entre la Pizarnik y su sicoanalista Ostrov y consigo misma y sus angustiosas personalidades; el proceso de destrucción mental y emocional que viviera la poetisa, encuadrándolo simbólicamente en el cuento de Alicia en el país de las maravillas. Desde el principio sabemos que estamos navegando en la locura lucida de esta escritora y que finalmente morirá, pero con una dramaturgia novedosa, plena de momentos llenos de teatralidad pura Zaria Abreu nos lleva a conocer y claro, admirar y entender un poco a esta artista, que se une a poetisas dolientes como lo fuera, en otra medida y sentido, Enriqueta Ochoa que no se suicido pero también escribió poesía personalísima a partir de sí misma.
Debo destacar que Zaria es becaria FONCA y por este trabajo más que merecidamente. Pocas veces se ven en escena textos de autentica vanguardia escénica y este es uno de esos.
La puesta en escena, esplendida y reitero de autentica vanguardia, de Gabriel Figueroa Pacheco, nos introduce con un director imaginativo y acucioso, obviamente obsesionado con el detalle. La Puesta y producción física manejan una complejidad y una riqueza visual apabullantes. El escenario estalla visual y emotivamente. Que agradable sorpresa conocer el trabajo de Gabriel.
Aquí su labor como generador y coordinador del gran grupo de colaboradores rinde fruto por el excelente resultado. Disfrutamos un autentico show multimedia con espacios creados a partir de proyecciones fijas o en movimiento. Escuche que se llevaron 4 meses para lograr esa perfección visual. No exagero, la obra en términos de producción no tiene nada que pedir y si mucho que mostrar a OCESA y CNT e incluso a muchos teatristas extranjeros. Por establecer un nexo respecto a la novedad escénica que se ve aquí solo podría comparar con algunas propuestas de Fura del Baus o Els Comediens. El producto final es impecable. De hecho leemos parte de los versos de Pizarnik en las muy bellas imágenes en cambio constante desde el inicio hasta el final de la obra. Destaco los trabajos para lograrlo de Alain Kerriou en escenografía y videoarte, las iluminación de Hugo Heredia, La coreografía de Ramón Solano, el diseño sonoro de Ricardo Cortes, que al lado de sus equipos logran una puesta de avanzada que justifica becas y apoyos.
El elenco es muy bueno, ¡Bravo! Micaela Gramajo en su “Alejandra”, intensa y profunda. Con el compromiso de las buenas actrices, a su lado Tony Marcin en la “Sasha” con una fuerza escénica que no es común. Arnoldo Picazzo en el Ostrov lucha y vence en un rol difícil como interlocutor masculino en un universo mental femenino. Frida Islas y Florencia Sandoval también logran con creces sus respectivos roles con esa frescura que da la experiencia actoral de jóvenes preparadas.
Ahora bien, también los espectadores de teatro tienen edad, me refiero a que existen espectadores adultos con gran experiencia en ver teatro, así como adolescentes e infantes, según la cantidad y calidad de las puestas que hayan visto. Explico esto porque esta es una obra definitivamente hecha y concebida para espectadores adultos o… adolescentes atrevidos, teatralmente hablando por supuesto. Es una obra que si lo modifica a uno como espectador pero que no es fácil ni fácil de digerir. Está en un acto y al final si resulta a mi percepción 20 minutos larga. Por lo mismo y por lo denso del tema y tono puede resultar un poco pesada para algunos. Si, debo decirlo, no es una obra digestiva para ver y olvidar, es un espectáculo que requiere de un público atrevido e inteligente.
En resumen, Jugar a morir, es una esplendida opción para hacer y ver algo interesante los lunes y martes, además a un precio risible de $50.00 pesos solamente y aplican descuentos, francamente no hay pretexto para no acudir. Eso si, repito, es intensa, es densa, un poco larga, maravillosa visualmente y nos permite acercarnos al interior del alma de una intensa y bastante loca artista, pero no es fácil. Así que ya lo sabe, aviéntese una vuelta por el Teatro Julio Prieto para darse el placer de crecer como espectador teatral.
martes, 4 de agosto de 2009
Las Alas del Pez. Lo bonito de lo anticuado.
Por TESPIS
No cabe duda, aunque un mensaje moral cambia su valor con el tiempo, convirtiéndose inclusive en anacrónico, si esta envuelto en una forma artística, no solo es aceptable sino hasta disfrutable.
Es el caso de este montaje del INBA de la obra emblemática de Fernando Sanchez Mayans "Las Alas del Pez", montaje que estará en el bonito Teatro Villaurrutia de Jueves a Domingos hasta septiembre.
Esta obra cuenta la historia de Daniel, un joven nadador proletario que sale con su domingo siete de embarazar a su novia. Y entra el tema del aborto, la sociedad, lo que dirá la familia, hasta un final necesariamente trágico. Sanchez Mayans estructuro su obra como melodrama, el genero nacional por excelencia. Esta obra fue muy premiada en su estreno allá en 1960 y de seguro habrá levantado ámpula entre la aun mas conservadora sociedad mexicana de la época, al hablar abiertamente del aborto, claro, con eufemismos como "arreglar lo de ese hijo" o "dejar a la muchacha como antes".
Resulta mas que obvio darse cuenta de que el "mensaje" de la obra de "Castigo al pecador que se atrevió a sugerir tal barbaridad" esta mas que pasado de moda y de machismo, aunque me atrevo a suponer que la intención del autor estaba mas del lado femenino al hacer un retrato que hoy resulta risible, por lo indigno, del machismo. Machismo que aplica incluso la madre del protagonista con la terrible, por su significado, situación de "No te casaras con mi hijo pero, NO abortaras a mi nieto" que le suelta a la pobre novia embarazada con toda la seguridad de estar cumpliendo con la moral establecida.
Inteligente y muy, muy disfrutable la decisión del director Ginés Cruz de ubicar la obra en los sesenta. El delicioso aire "retro" de la puesta cuidado hasta el exceso con rebanadas de naturalismo escénico que ya no se ven, como la cena que la madre prepara de verdad, o también el planchado a la antigüita con trapito húmedo arriba de la prenda y todo que nos hace la puesta divertida y atractiva visualmente. Por supuesto Gines Cruz se fuga un poco de la imposición realista del texto aplicándolo a la escenografía, muy linda, de Luis Conde que se encuadra mas bien en un realismo estilizado en contraste con el vestuario y otilaría obra de Sergio Ruiz, donde hasta la botellita de Pepsi esta exacta. Anexando algunos trazos y acciones que nos permiten evadirnos de esa sofocante realidad, la historia se desliza suave e interesante de principio a fin.
Un solo comentario, la obra esta estructurada en tres actos, para adecuarse al gusto moderno solo hay un intermedio, pero resulta necesario un pequeño espacio entre segundo y tercero. Por lo menos para prender el aire acondicionado. Pero realmente necesario para establecer la separación de tiempos en la historia. Aparte de esto, la dirección es muy buena y limpia, fiel al estilo de la época en todo, incluso actoralmente, pues pone a su destacable elenco en tono con genero y estilo actoral.
El elenco es un encuentro agradable con actores y actrices no solo conocedores del oficio sino con labores que vale la pena destacar. Muy bien Rafael León en el estelar Daniel, sonsonete barriobajero al estilo del cine de la época de oro, manejo corporal directo, compromiso sin excesos. Bravo, Rafael. La Madre de Patricia Marrero es deliciosa, para aquellos que pensaban que ya nadie podía actuar como la Derbez o la Montejo de aquellos años Patricia Marrero hace alarde de buen desempeño al tocarle acciones naturalistas que parecen sencillas si no tienen que estar sujetas a una precisión de tiempo y parlamentos, además de alcanzar matices melodramáticos que es muy difícil ya poderlos ver, Bravisimo Patricia. Muy bien también José Carlos Rodríguez en el padre frió y desobligado, con el peso y la economía exactos. Xochitl Galindres que nos toco en suerte ese día; alterna con Monica Sanchez; también correcta en su papel de chica engañada, nos gusto mas en la segunda parte. El Ángel de Jonathan Persan es correcto y efectivo en la dramática escena final. Nos gusto menos la Soledad de Marta Papadimitrou, aunque no desentona en absoluto con los demás, quizá demasiado contenida, en momentos parecía un poco fría.
Resumiendo, "Las Alas del Pez" es una puesta que deben ver todos aquellos que gustan del buen teatro mexicano, aunque sea anticuadito jeje. Para los nuevos escritores y dramaturgos que quieran ver una obra bien estructurada y una historia bien contada. Y para todos aquellos que disfruten una actuación cuidadosa y correctisima en estilo lo que la hace un bocado delicioso. Incluso es buena para los abortistas y antiabortistas pues pone en escena muchos argumentos que pueden generar constructivas discusiones. No se la pierda.
No cabe duda, aunque un mensaje moral cambia su valor con el tiempo, convirtiéndose inclusive en anacrónico, si esta envuelto en una forma artística, no solo es aceptable sino hasta disfrutable.
Es el caso de este montaje del INBA de la obra emblemática de Fernando Sanchez Mayans "Las Alas del Pez", montaje que estará en el bonito Teatro Villaurrutia de Jueves a Domingos hasta septiembre.
Esta obra cuenta la historia de Daniel, un joven nadador proletario que sale con su domingo siete de embarazar a su novia. Y entra el tema del aborto, la sociedad, lo que dirá la familia, hasta un final necesariamente trágico. Sanchez Mayans estructuro su obra como melodrama, el genero nacional por excelencia. Esta obra fue muy premiada en su estreno allá en 1960 y de seguro habrá levantado ámpula entre la aun mas conservadora sociedad mexicana de la época, al hablar abiertamente del aborto, claro, con eufemismos como "arreglar lo de ese hijo" o "dejar a la muchacha como antes".
Resulta mas que obvio darse cuenta de que el "mensaje" de la obra de "Castigo al pecador que se atrevió a sugerir tal barbaridad" esta mas que pasado de moda y de machismo, aunque me atrevo a suponer que la intención del autor estaba mas del lado femenino al hacer un retrato que hoy resulta risible, por lo indigno, del machismo. Machismo que aplica incluso la madre del protagonista con la terrible, por su significado, situación de "No te casaras con mi hijo pero, NO abortaras a mi nieto" que le suelta a la pobre novia embarazada con toda la seguridad de estar cumpliendo con la moral establecida.
Inteligente y muy, muy disfrutable la decisión del director Ginés Cruz de ubicar la obra en los sesenta. El delicioso aire "retro" de la puesta cuidado hasta el exceso con rebanadas de naturalismo escénico que ya no se ven, como la cena que la madre prepara de verdad, o también el planchado a la antigüita con trapito húmedo arriba de la prenda y todo que nos hace la puesta divertida y atractiva visualmente. Por supuesto Gines Cruz se fuga un poco de la imposición realista del texto aplicándolo a la escenografía, muy linda, de Luis Conde que se encuadra mas bien en un realismo estilizado en contraste con el vestuario y otilaría obra de Sergio Ruiz, donde hasta la botellita de Pepsi esta exacta. Anexando algunos trazos y acciones que nos permiten evadirnos de esa sofocante realidad, la historia se desliza suave e interesante de principio a fin.
Un solo comentario, la obra esta estructurada en tres actos, para adecuarse al gusto moderno solo hay un intermedio, pero resulta necesario un pequeño espacio entre segundo y tercero. Por lo menos para prender el aire acondicionado. Pero realmente necesario para establecer la separación de tiempos en la historia. Aparte de esto, la dirección es muy buena y limpia, fiel al estilo de la época en todo, incluso actoralmente, pues pone a su destacable elenco en tono con genero y estilo actoral.
El elenco es un encuentro agradable con actores y actrices no solo conocedores del oficio sino con labores que vale la pena destacar. Muy bien Rafael León en el estelar Daniel, sonsonete barriobajero al estilo del cine de la época de oro, manejo corporal directo, compromiso sin excesos. Bravo, Rafael. La Madre de Patricia Marrero es deliciosa, para aquellos que pensaban que ya nadie podía actuar como la Derbez o la Montejo de aquellos años Patricia Marrero hace alarde de buen desempeño al tocarle acciones naturalistas que parecen sencillas si no tienen que estar sujetas a una precisión de tiempo y parlamentos, además de alcanzar matices melodramáticos que es muy difícil ya poderlos ver, Bravisimo Patricia. Muy bien también José Carlos Rodríguez en el padre frió y desobligado, con el peso y la economía exactos. Xochitl Galindres que nos toco en suerte ese día; alterna con Monica Sanchez; también correcta en su papel de chica engañada, nos gusto mas en la segunda parte. El Ángel de Jonathan Persan es correcto y efectivo en la dramática escena final. Nos gusto menos la Soledad de Marta Papadimitrou, aunque no desentona en absoluto con los demás, quizá demasiado contenida, en momentos parecía un poco fría.
Resumiendo, "Las Alas del Pez" es una puesta que deben ver todos aquellos que gustan del buen teatro mexicano, aunque sea anticuadito jeje. Para los nuevos escritores y dramaturgos que quieran ver una obra bien estructurada y una historia bien contada. Y para todos aquellos que disfruten una actuación cuidadosa y correctisima en estilo lo que la hace un bocado delicioso. Incluso es buena para los abortistas y antiabortistas pues pone en escena muchos argumentos que pueden generar constructivas discusiones. No se la pierda.
sábado, 11 de julio de 2009
REGLAS
Como todo ejercicio cultural, lo mejor sera establecer unas sencillas reglas que seran comunes y estrictas para todos los miembros:
- Solo publicaran criticas los integrantes de la ACPT registrados. El objetivo es establecer un dialogo entre la critica,los teatristas y el publico. Este no es un lugar de critica libre enese sentdo.
- No se aceptan insultos directos a nadie. Los comentarios ofensivos dirigidos a un artista escenico, miembros del medio, integrantes de la ACPT, no seran admitidos o seran retirados.
- Cualquier opinion es aceptada. No existe limite a la critica a comentario solo requerimos que estos se justifiquen.
- El objetivo del blog es tambien promover por lo que se aceptan invitaciones a cualquier espectaculo PROFESIONAL, las invitaciones a espectaculos amateur o estudiantiles deben ser especificadas en los comentarios como espectaculo estudiantil o amateur.
Pensamos que son reglas muy sencillas. Un saludo a todos
OBJETIVOS
Nuestra meta es ayudar y apoyar el desarrollo de las Artes Escénicas en nuestro país por medio de la difusión y el comentario critico fundamentado.
La principal función del critico es:
- LA DEFENSA DEL BOLSILLO DEL ESPECTADOR.
Esta es la herramienta con la que intentamos, en la medida de nuestras posibilidades, de defender las artes escénicas.
Los espectáculos en vivo como el teatro, la danza, la opera, son en general mas costosos que el cine o a tv, por lo mismo, la calidad de los trabajos que se presentan cobrando un boleto deben justificar con su calidad escénica el costo. Por esta razón en este blog no existirá censura ni compromisos.
Un espectador que asiste a un espectáculo decepcionante o que percibe como caro solo lograra que el publico se aleje de las taquillas.
La otra función importante del trabajo de un critico es:
- LA DEFENSA DEL PROFESIONALISMO EN LAS ARTES ESCÉNICAS
En estos tiempos, merced a la velocidad e inmediatez de los medios masivos de comunicación, el acceder a las artes espectaculares se ha degradado y llenado de aficionados que adquieren rápidamente calidad de estrellas, o bien, apoyados en un aparato estrictamente económico se realizan montajes maquilados que no solo no apoyan las artes escénicas nacionales, sino que laboran en pos de su aniquilación.
Señalar aquellos espectáculos que no realizan correctamente su trabajo es nuestra tarea.
- EL DESARROLLO DEL ARTE ESCÉNICO
Señalar y en su caso, comentar las rutas novedosas de nuestros creadores. Alentar las caras nuevas o que se están consolidando es también nuestra obligación.
Contrario a lo que se cree, un critico NO debe ser un adulador de actores o actrices canosos, sino un impulsor del futuro escénico que nunca olvida, por supuesto, a los grandes de nuestro pasado y presente, esto nos lleva a mencionar nuestro ultimo objetivo en este blog:
- PRESERVAR LA MEMORIA DE LO ESCÉNICO
Las artes escénicas tienen en desventaja que hasta hoy al menos, su verdad era efímera. Hoy solo tenemos pocas fuentes a las que acudir para tomar ejemplo de nuestro pasado común. En este Blog también publicaremos no solo criticas y crónicas antiguas sino que hablaremos sobre tal o cual artista que haya dejado su huella en nuestros escenarios.
BIENVENIDOS
Hola, gente de teatro, público y amigos.
La Agrupación de Críticos y Periodistas Teatrales A.C., abre su blog sobre el Teatro Profesional en la Ciudad de México, como un camino para establecer un dialogo entre nuestra Agrupación y los integrantes de la familia teatral así como el publico.
La principal ventaja de un blog es que nos permitirá responder y sustentar nuestras opiniones ante ustedes y , claro, recibir sus opiniones.
Nuestra Agrupación esta comprometida con las artes escénicas y por lo mismo este esfuerzo en donde varios de nuestros colaboradores abrirán sus opiniones ante ustedes.
A continuacón el proposito de este blog y las reglas del mismo.
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