Las Simples Cosas
Cia. La Cebra Danza Gay
¨Por Tespis
Ni duda cabe que la Cebra es un grupo profesional de danza que ha encontrado su propio lenguaje a través de lo que podríamos llamar, con todas las reservas del caso, creación a partir de una orientación sexual. Han funcionado ya varios años y han llevado sus espectáculos a muy diversos foros. En esta ocasión su coreografo y director Jose Rivera formado en la danza moderna es un creativo acucioso y original.
El actual espectáculo “Las Simples Cosas” ofrece varias propuestas a través de una “historia” muy simple, un coreografo que interpreta el mismo Rivera, se enfrenta a diferentes bailarines y compañeros para al final reunir recuerdos y pasado, intentos y experiencias para quemar las naves y buscar rutas nuevas.
Lo que a simple vista sugiere un intento serio de renovar el propio lenguaje creativo. En este espectáculo se mezcla el dialogo, que es sabroso y picante. Un poco dentro del ya agotado “bitchy-talk” o sea charla entre perras, o sea platica jotita, que el mal teatro con temática gay se ha encargado de saturar, pero aun así sigue siendo efectivo en ocasiones. Es una corriente ya aceptada el no mantener un espectáculo dentro de los cánones de costumbre, ahora la danza se hace un poco teatro, el teatro un poco danza. Ya no hay rigidez en las fronteras.
De este modo en el pequeño foro “A Poco no” detrás del Teatro de la ciudad y frente a uno delos grandes crímenes del sexenio en materia cultural, la intentada desaparición del teatro Lírico el mas antiguo de nuestra ciudad, esta este foro intimo y un poco sobre las rodillas.
Pensado como un espectáculo para cabaret, Las Simples cosas esta fundado sobre canciones interpretadas por Chavela Vargas.
La ejecución es pulcra en todos los integrantes. El primer solo es bueno sobre variaciones diseñadas sobre una sola diagonal aunque no pasa de ser un buen ejercicio de solo contemporáneo. Lo siguiente que son una serie de duetos diagnósticos con rebozos semejando cabelleras son mas divertidos y originales. Pareciera que Rivera busco en este espectáculo hacer un poco el recuento de lo llevado a escena por su compañía. Una especie de revisión emocional de lo vivido a través de los años vuelto a expresar en arte. Pone así en su propia picota dancistica su gusto por Frida por ejemplo y su urgencia por dar un viso dancistico gay a elementos irónicos de la cultura nacional, por ejemplo su “versión” de la danza del venado.
Todo integra un espectáculo entretenido de poco mas de una hora de duración y que se puede ver con facilidad y agrado.
El espectáculo aunque abierto al publico adulto en general si esta un poco sectorizado. No es un espectáculo gay para gays, tampoco uno para publico en general, digamos que es adecuado para un publico con apertura mental gay o no.
Si usted quiere conocer un espacio alternativo y ver un show entretenido, vistoso y bien realizado acuda a verlo. Es una opción interesante.
domingo, 30 de mayo de 2010
HAIRSPRAY 100 Funciones
Hairspray
Un musical no es fácil
Por Tespis
Después de chismes, desinformación y otras cosas, por fin pudimos ver en su función de 100 el Musical “Hairspray” en el siempre cómodo y bello teatro Manolo Fabregas.
Este musical triunfador en Broadway y sin duda uno de los mas exitosos de este nuevo siglo está inscrito dentro de la corriente del musical divertido y sin ninguna intención de trascendencia o profundidad. La historia de la gordita Tracy, que busca ser la estrella de su natal Baltimore, a través de un programa local de Tv. Donde conocerá al amor en Link y luchara por la integración racial en tele, todo esto salpicado con canciones estilo sesentas.
El éxito del musical en diferentes países ha sido definitivo. Hay buenas razones para ello.
Lo primero de un musical es el libreto y el de Hairspray recibió su Tony de Mejor libreto pues ademas de ser una historia divertida con un humor desbordante, se permite hablar de la integración racial y hace una critica directa al racismo, por lo que sorpresivamente hasta resulta actual. Utiliza la estructura clásica del musical, escena y después canción sobre el tema de la escena y números fuertes de presentación de cada personaje. Su escore es uno de los mas notables pues retoma el rock de los sesentas y lo reactiva con una serie de canciones que dicen mas en las letras de lo que uno mismo pueda suponer a la primera. También fue premiado en Broadway. Los personajes son entrañables, una gordita y su madre aun mas gorda, en un ambiente exótico ya por el tiempo pasado pero, aun entrañable y con mucho de memoria colectiva adentro. En fin, un producto que ciertamente es visible en cualquier país.
Ahora bien, una cosa es querer montar un éxito y otra lograrlo. Hay que decir que en términos de producción la versión de Hairspary México es prácticamente igual a la de Broadway, con algunas diferencias, cierto, pero eso ha ocurrido aquí con TODOS los montajes de reproducción que se hacen. Desde “Víctor, Victoria” a “Los Miserables”. La escenografía reproducida aquí por Salvador Nuñez hace un buen trabajo. Lo mismo puede decirse del vestuario realizado en México por Angelica García. Basado en el también premiado creado en Broadway por William Ivey Long. Algunas variaciones de menor importancia pero cumple en todos sentidos con efectividad. En ese mismo rubro se puede incluir el excelente trabajo de Jose Posada en el remontaje coreográfico, cuidadoso y efectivo lo que le da al musical el soporte vistoso que requiere. También se debe señalar la dirección musical de David Tort, precisa en su trabajo y sin error, lo que se extiende a su divertida direccion orquestal.
O sea que “Hairspray” pasa el examen de producción Aquí las pelucas son mas pequeñas y discretas que las enormes y explosivas del montaje original. Salvo esto cualquiera que quiera irla a ver y temía ver una producción distinta, pues no debe preocuparse, cuenta incluso con la pantalla de leds que ilumina el fondo del teatro.
Sin embargo la historia escénica reciente nos ha enseñado que una maquila por perfecta que esta sea, resulta una versión región 4 si no cuenta con una dirección eficiente. Aunque se intente la reproducción fiel esta resulta muerta si no hay dirección Ya paso con “Los Miserables”, con “El Fantasma de la Opera”, en “Hairspray” por desgracia la falta de dirección es mas que notable, llega incluso a lo ridículo. Para poder pasar a lo destacado paso a detallar lo que resulta el elemento mas disonante de la puesta, su propio creador y responsable. Miguel Angel Valles no peca solo de inconsciencia sino de absoluto descaro al asumir roles que no fue capaz de cubrir con solvencia o mínimo profesionalismo. La traducción y adaptación son terribles, capaces de transformar un texto divertido y libertario, en confuso, insípido, con localismos chilangos que contrastan con un intento de respetar la ubicación en Baltimore, (ciudad gringa donde comen “Puerco en Adobo” y otras botanas chilangas, de acuerdo a la adaptación) donde un espiritual cantado que habla de los recuerdos de una mujer que ha sufrido la discriminación racial se muda en una canción religiosa dirigida a Dios. (Por el mismo Dios Santísimo, no se vale tratar de hacer feliz a una actriz con determinadas creencias religiosas traicionando el sentido total de una obra) Con chistes contra gordas dichos por una gorda, Edna diciéndole a su propia hija “Mija...mona”. Chiste que no existe ni insinuado en el libreto en ingles. Resumen traducción y adaptación tache. Como ha sido también un problema endémico pues tampoco hay que azotarse contra la pared.
En dirección el resultado no es catastrófico por el espíritu del elenco y la estructura misma de la obra que se defienden de un trabajo inexistente y donde resulta obvia y desagradable la obsesiva compulsión del señor Valles por tratar de hacerse notar el mismo. Los actores fueron dejados al garete y cada uno trata de la mejor manera posible de salir adelante de acuerdo a sus capacidades y formación. Algunos lo logran, otros no. La disparidad en tonos dramáticos, donde solo dos están en el correcto, farsa, es total a lo largo y ancho de la puesta. Esta ausencia de dirección se nota en la ridícula intención de jugar al Ocesita manejando mas de un elenco lo que no asegura de ninguna manera, ni en OCESA ni aquí, la calidad de lo que va a ver el publico y los lamentables errores de casting.
Resumen, en dirección.. bueno, en eso que hizo ahí, tache absoluto e insalvable.
En el elenco como en todo, luces y sombras, en toda obra al menos una obra de estructura tradicional y ¡Oh cielos! Esta lo es, hay siempre un o una protagonista como es el caso. En esta obra la protagonista es Tracy, caramba hasta es la imagen del póster original, por eso solo sale parte de su rostro para disfrazar un poco pero evidenciar quien es la estrella del show. En este caso particular un personaje se resalta y es la interpretación por parte de un hombre del papel de la mama Edna pero, ya llegare a ello. Seguimos con Tracy, sin embargo aquí es tratado como un secundario que gira en torno a la mama y las otras estrellas, siendo que se trata al revés, la estelar es Tracy y al gravitar en torno al personaje correcto el resto se destaca, no como aquí que resulta en un batidillo confuso. Me toco ver a Denisha, chaparrita y simpática, con una gran voz y muchas ganas, pero muchas ganas no suplen técnica y preparación, aunque canta muy bien de verdad y baila con gracia, esto no basta. Denisha se esfuerza mucho y logra algo regular, careció de soporte para un papel tan fuerte e importante. El rol de Link, el galán del cuento me toco verlo con Hugo Serrano que de acuerdo al programa alterna funciones con Jose Joel en este caso esta correcto pues son actores con el mismo rango de edad y tipo pero, existen personajes que requieren de características especificas y en este caso Link necesita de un físico muy atractivo y un angelote para resultar agradables como la estrella Zach Efron que marca este rol a futuro, aunque Hugo Serrano canta bien y baila bien, su actuación también descuidada y el no estar en el rol por edad, ya es mayor para el papel, y tipo físico, no tiene ni mucho menos la galanura de un Zach Efron ni su carisma, pues le toca hacerla de galán con un resultado que no se cree nadie suponemos que el si. De nuevo tocamos el Tema Miguel Ángel Valles, si, en México tuvimos a alguien capaz de traducir, dirigir y actuar y se llamo Manolo Fabregas, pero el señor Valles no lo es ni estando en drogas. Lamentable resultado por la misma razón, primero no estar en cast, el rol de Edna lo han hecho actores de comedia no solo destacados sino muy conocidos para que funcione, Harvey Fierstein quien lo estreno es uno de los consentidos de Broadway donde incluso se da el lujo de presumir su orientación sexual, es gay, lo hizo Michael Ball en Londres el comparativo en México seria un, por la fama, un Mijares, lo vimos con Travolta. Todos al menos tienen 50 años. Valles esta lejos de esa edad y se nota, no tiene ni la carrera y calidad actoral de un Fierstein o la capacidad en canto de un Ball o la gracia bailando de un Travolta. Entonces... de nuevo el fantasma de una egomania que lo hace terminar de naufragar en lo que pudo ser y no fue el papel de su vida. Mas que lamentable. Patricio Castillo se ha caracterizado por la solidez y simpatía en sus trabajos y no es la excepción el esta en casting, simpático, apoyador. Su colmillo lo salva y se agradece su participación. En la villana Velma me toco ver a la experimentada y guapa Garda Santini, arrebata en sus números cantados, aunque esta seria y fuera de tono, un poco desigual pero cumple y bien, su presencia sin dudarlo se destaca. María del Sol como siempre una extraordinaria cantante aunque su actuación es mas que perezosa, por ahí uno o dos gestitos pero en cuanto habla se acabo la estrella, lastima tener que decir que esta gris. Jose Joel esta muy en cast y soporta el papel con solvencia, parejo, pues discute con Velma igual a como felicita a Tracy, pero estar en casting lo ayuda mucho. Un par de sorpresas; Hiromi, en una excelente Penny se robo por las buenas la función junto con Seaweed interpretado por un descollante Dante Hernandez. Ambos hicieron suyo el papel pese a no estar en cast, Hiromi no es gringa y Dante no es negro, pero aquí ambos entendieron, no se si por instinto, por suerte o el duende del teatro dijo estos dos si le van a atinar y los bendijo. Ambos están ideales, se les cree todo, se ven muy bien, sus chistes pegan, en resumen, por ellos basta pagar el boleto. Bravo, bravo, bravo. En la malvada zorrita Amber me toco ver a Carolina Laris, guapa, canta bien, pero no actúa ni en defensa propia, hace todo lo que se le indica pero es mecánica, fría y se ve solamente como una empeñosa estudiante de actuación que pese a todo no alcanza a aprobar, su personaje simplemente desaparece. Destacan por su estupenda voz y presencia el trió de las Dinamitas hecho por Ana Regina Cuaron, Marysol y Maria Chacon, aquí si no hay pero que valga, esplendidas. Gris, gris, gris, gris la participación de Alberto Isaac en dos papelitos chicos pero importantes que están ahí sin existir. Nelly Martinez en la Mama de Hiromi parecía su hermana, fuera de cast ni modo.
Como tache especial la iluminación que es particularmente pobre y fea. El audio muy bien en términos de orquesta pero el elenco no se entiende, de la mitad hacia arriba del teatro podrían decir la obra en zuahili o en kurdo que se entendería igual, la mezcla de audio esta empastelada, revuelta, no se distingue a los personajes.
Cada vez que se critica un musical hecho por alguien fuera del monopolio trato de ser benévolo pues no todo mundo cuenta con presupuestos casi ilimitados para poner lo que se quiera. Aquí también se intento pero no podemos tampoco mentir. Hairspary es una producción muy buena en el sentido de diseño, realización física y musical, reproducción de números Bien se puede decir que pasa con creces el examen a un análisis superficial. Sin duda otro hubiera sido el cuento si un Víctor Trujillo en su Beba Galvan Hace la mama de Tracy, o bien hasta un Coque Muñiz, con eso y un par de semanas de reensayo un trabajo que resulta aceptable, esto significa que lo puede pasar bien, se convertiría en un trallazo. Véalo pero con reservas.
Un musical no es fácil
Por Tespis
Después de chismes, desinformación y otras cosas, por fin pudimos ver en su función de 100 el Musical “Hairspray” en el siempre cómodo y bello teatro Manolo Fabregas.
Este musical triunfador en Broadway y sin duda uno de los mas exitosos de este nuevo siglo está inscrito dentro de la corriente del musical divertido y sin ninguna intención de trascendencia o profundidad. La historia de la gordita Tracy, que busca ser la estrella de su natal Baltimore, a través de un programa local de Tv. Donde conocerá al amor en Link y luchara por la integración racial en tele, todo esto salpicado con canciones estilo sesentas.
El éxito del musical en diferentes países ha sido definitivo. Hay buenas razones para ello.
Lo primero de un musical es el libreto y el de Hairspray recibió su Tony de Mejor libreto pues ademas de ser una historia divertida con un humor desbordante, se permite hablar de la integración racial y hace una critica directa al racismo, por lo que sorpresivamente hasta resulta actual. Utiliza la estructura clásica del musical, escena y después canción sobre el tema de la escena y números fuertes de presentación de cada personaje. Su escore es uno de los mas notables pues retoma el rock de los sesentas y lo reactiva con una serie de canciones que dicen mas en las letras de lo que uno mismo pueda suponer a la primera. También fue premiado en Broadway. Los personajes son entrañables, una gordita y su madre aun mas gorda, en un ambiente exótico ya por el tiempo pasado pero, aun entrañable y con mucho de memoria colectiva adentro. En fin, un producto que ciertamente es visible en cualquier país.
Ahora bien, una cosa es querer montar un éxito y otra lograrlo. Hay que decir que en términos de producción la versión de Hairspary México es prácticamente igual a la de Broadway, con algunas diferencias, cierto, pero eso ha ocurrido aquí con TODOS los montajes de reproducción que se hacen. Desde “Víctor, Victoria” a “Los Miserables”. La escenografía reproducida aquí por Salvador Nuñez hace un buen trabajo. Lo mismo puede decirse del vestuario realizado en México por Angelica García. Basado en el también premiado creado en Broadway por William Ivey Long. Algunas variaciones de menor importancia pero cumple en todos sentidos con efectividad. En ese mismo rubro se puede incluir el excelente trabajo de Jose Posada en el remontaje coreográfico, cuidadoso y efectivo lo que le da al musical el soporte vistoso que requiere. También se debe señalar la dirección musical de David Tort, precisa en su trabajo y sin error, lo que se extiende a su divertida direccion orquestal.
O sea que “Hairspray” pasa el examen de producción Aquí las pelucas son mas pequeñas y discretas que las enormes y explosivas del montaje original. Salvo esto cualquiera que quiera irla a ver y temía ver una producción distinta, pues no debe preocuparse, cuenta incluso con la pantalla de leds que ilumina el fondo del teatro.
Sin embargo la historia escénica reciente nos ha enseñado que una maquila por perfecta que esta sea, resulta una versión región 4 si no cuenta con una dirección eficiente. Aunque se intente la reproducción fiel esta resulta muerta si no hay dirección Ya paso con “Los Miserables”, con “El Fantasma de la Opera”, en “Hairspray” por desgracia la falta de dirección es mas que notable, llega incluso a lo ridículo. Para poder pasar a lo destacado paso a detallar lo que resulta el elemento mas disonante de la puesta, su propio creador y responsable. Miguel Angel Valles no peca solo de inconsciencia sino de absoluto descaro al asumir roles que no fue capaz de cubrir con solvencia o mínimo profesionalismo. La traducción y adaptación son terribles, capaces de transformar un texto divertido y libertario, en confuso, insípido, con localismos chilangos que contrastan con un intento de respetar la ubicación en Baltimore, (ciudad gringa donde comen “Puerco en Adobo” y otras botanas chilangas, de acuerdo a la adaptación) donde un espiritual cantado que habla de los recuerdos de una mujer que ha sufrido la discriminación racial se muda en una canción religiosa dirigida a Dios. (Por el mismo Dios Santísimo, no se vale tratar de hacer feliz a una actriz con determinadas creencias religiosas traicionando el sentido total de una obra) Con chistes contra gordas dichos por una gorda, Edna diciéndole a su propia hija “Mija...mona”. Chiste que no existe ni insinuado en el libreto en ingles. Resumen traducción y adaptación tache. Como ha sido también un problema endémico pues tampoco hay que azotarse contra la pared.
En dirección el resultado no es catastrófico por el espíritu del elenco y la estructura misma de la obra que se defienden de un trabajo inexistente y donde resulta obvia y desagradable la obsesiva compulsión del señor Valles por tratar de hacerse notar el mismo. Los actores fueron dejados al garete y cada uno trata de la mejor manera posible de salir adelante de acuerdo a sus capacidades y formación. Algunos lo logran, otros no. La disparidad en tonos dramáticos, donde solo dos están en el correcto, farsa, es total a lo largo y ancho de la puesta. Esta ausencia de dirección se nota en la ridícula intención de jugar al Ocesita manejando mas de un elenco lo que no asegura de ninguna manera, ni en OCESA ni aquí, la calidad de lo que va a ver el publico y los lamentables errores de casting.
Resumen, en dirección.. bueno, en eso que hizo ahí, tache absoluto e insalvable.
En el elenco como en todo, luces y sombras, en toda obra al menos una obra de estructura tradicional y ¡Oh cielos! Esta lo es, hay siempre un o una protagonista como es el caso. En esta obra la protagonista es Tracy, caramba hasta es la imagen del póster original, por eso solo sale parte de su rostro para disfrazar un poco pero evidenciar quien es la estrella del show. En este caso particular un personaje se resalta y es la interpretación por parte de un hombre del papel de la mama Edna pero, ya llegare a ello. Seguimos con Tracy, sin embargo aquí es tratado como un secundario que gira en torno a la mama y las otras estrellas, siendo que se trata al revés, la estelar es Tracy y al gravitar en torno al personaje correcto el resto se destaca, no como aquí que resulta en un batidillo confuso. Me toco ver a Denisha, chaparrita y simpática, con una gran voz y muchas ganas, pero muchas ganas no suplen técnica y preparación, aunque canta muy bien de verdad y baila con gracia, esto no basta. Denisha se esfuerza mucho y logra algo regular, careció de soporte para un papel tan fuerte e importante. El rol de Link, el galán del cuento me toco verlo con Hugo Serrano que de acuerdo al programa alterna funciones con Jose Joel en este caso esta correcto pues son actores con el mismo rango de edad y tipo pero, existen personajes que requieren de características especificas y en este caso Link necesita de un físico muy atractivo y un angelote para resultar agradables como la estrella Zach Efron que marca este rol a futuro, aunque Hugo Serrano canta bien y baila bien, su actuación también descuidada y el no estar en el rol por edad, ya es mayor para el papel, y tipo físico, no tiene ni mucho menos la galanura de un Zach Efron ni su carisma, pues le toca hacerla de galán con un resultado que no se cree nadie suponemos que el si. De nuevo tocamos el Tema Miguel Ángel Valles, si, en México tuvimos a alguien capaz de traducir, dirigir y actuar y se llamo Manolo Fabregas, pero el señor Valles no lo es ni estando en drogas. Lamentable resultado por la misma razón, primero no estar en cast, el rol de Edna lo han hecho actores de comedia no solo destacados sino muy conocidos para que funcione, Harvey Fierstein quien lo estreno es uno de los consentidos de Broadway donde incluso se da el lujo de presumir su orientación sexual, es gay, lo hizo Michael Ball en Londres el comparativo en México seria un, por la fama, un Mijares, lo vimos con Travolta. Todos al menos tienen 50 años. Valles esta lejos de esa edad y se nota, no tiene ni la carrera y calidad actoral de un Fierstein o la capacidad en canto de un Ball o la gracia bailando de un Travolta. Entonces... de nuevo el fantasma de una egomania que lo hace terminar de naufragar en lo que pudo ser y no fue el papel de su vida. Mas que lamentable. Patricio Castillo se ha caracterizado por la solidez y simpatía en sus trabajos y no es la excepción el esta en casting, simpático, apoyador. Su colmillo lo salva y se agradece su participación. En la villana Velma me toco ver a la experimentada y guapa Garda Santini, arrebata en sus números cantados, aunque esta seria y fuera de tono, un poco desigual pero cumple y bien, su presencia sin dudarlo se destaca. María del Sol como siempre una extraordinaria cantante aunque su actuación es mas que perezosa, por ahí uno o dos gestitos pero en cuanto habla se acabo la estrella, lastima tener que decir que esta gris. Jose Joel esta muy en cast y soporta el papel con solvencia, parejo, pues discute con Velma igual a como felicita a Tracy, pero estar en casting lo ayuda mucho. Un par de sorpresas; Hiromi, en una excelente Penny se robo por las buenas la función junto con Seaweed interpretado por un descollante Dante Hernandez. Ambos hicieron suyo el papel pese a no estar en cast, Hiromi no es gringa y Dante no es negro, pero aquí ambos entendieron, no se si por instinto, por suerte o el duende del teatro dijo estos dos si le van a atinar y los bendijo. Ambos están ideales, se les cree todo, se ven muy bien, sus chistes pegan, en resumen, por ellos basta pagar el boleto. Bravo, bravo, bravo. En la malvada zorrita Amber me toco ver a Carolina Laris, guapa, canta bien, pero no actúa ni en defensa propia, hace todo lo que se le indica pero es mecánica, fría y se ve solamente como una empeñosa estudiante de actuación que pese a todo no alcanza a aprobar, su personaje simplemente desaparece. Destacan por su estupenda voz y presencia el trió de las Dinamitas hecho por Ana Regina Cuaron, Marysol y Maria Chacon, aquí si no hay pero que valga, esplendidas. Gris, gris, gris, gris la participación de Alberto Isaac en dos papelitos chicos pero importantes que están ahí sin existir. Nelly Martinez en la Mama de Hiromi parecía su hermana, fuera de cast ni modo.
Como tache especial la iluminación que es particularmente pobre y fea. El audio muy bien en términos de orquesta pero el elenco no se entiende, de la mitad hacia arriba del teatro podrían decir la obra en zuahili o en kurdo que se entendería igual, la mezcla de audio esta empastelada, revuelta, no se distingue a los personajes.
Cada vez que se critica un musical hecho por alguien fuera del monopolio trato de ser benévolo pues no todo mundo cuenta con presupuestos casi ilimitados para poner lo que se quiera. Aquí también se intento pero no podemos tampoco mentir. Hairspary es una producción muy buena en el sentido de diseño, realización física y musical, reproducción de números Bien se puede decir que pasa con creces el examen a un análisis superficial. Sin duda otro hubiera sido el cuento si un Víctor Trujillo en su Beba Galvan Hace la mama de Tracy, o bien hasta un Coque Muñiz, con eso y un par de semanas de reensayo un trabajo que resulta aceptable, esto significa que lo puede pasar bien, se convertiría en un trallazo. Véalo pero con reservas.
domingo, 20 de septiembre de 2009
Por favor, no mande riñones por correspondencia
Por favor, no mande riñones por correspondencia
Por
Tespis
En el Foro Sor Juana Inés de la Cruz allá en CU, se presenta de jueves a domingos este espectáculo sorprendente, físico y divertido de Richard Viqueira, José Alberto Gallardo y Antonio Zúñiga.
El titulo nos dice muy poco, el saber que trata sobre los textos reales de 3 asesinos seriales, Jack el destripador, El caníbal de la Guerrero, y el asesino de Virginia Tech el joven coreano que mato a 32 personas en su universidad para quien no se acuerde, aunque nos despierta un morbo natural, no nos prepara para lo que vamos a encontrar.
Cuando uno ve una obra de vanguardia de verdad, como esta, es parte del trabajo del crítico buscar una clasificación, al menos proponerla para que quede en la memoria escrita un análisis del trabajo realizado.
Hoy podemos decir que si existen de forma separada 2 corrientes en dramaturgia. La que podemos denominar como dramaturgia de historia, que es la común, la que puede tener variaciones en su forma y genero pero que finalmente cuentan un cuento de cualquier manera. Y, por otro lado, la dramaturgia que me atrevo a denominar como Dramaturgia de acciones escénicas que englobaría a las dramaturgias de vanguardia. La denomino así porque son obras que no relatan una historia, pueden comentarla a través de sus acciones, pero no usan una estructura discernible, encadenan de manera novedosa una serie de hechos escénicos que buscan provocar una reacción emotiva, intelectual o de asombro en el espectador respecto al tema sobre el cual verse la obra.
Suena atractivo para aquellos que no son capaces de escribir una historia coherente, pero, lograr un espectáculo interesante inventando un corpus dramático especifico para una propuesta no es nada fácil y muchos, por no decir casi todos, fracasan en el intento.
En este caso si estamos ante una dramaturgia de acciones, pero, que resultado tan interesante, entretenido y divertido hasta niveles que no podía anticipar. Cuando se abre, antes de la entrada al foro, la puerta de actores y asistimos al divertido e irreverente dialogo entre dos policías vestidos de putas que buscan atrapar a Jack el destripador, me dije, esto pinta para ponerse muy bien.
Acto seguido entramos al metamórfico espacio del Sor Juana para encontrarlo lleno de bruma y con maniquíes blancos colgados a diferentes alturas y con distintas posiciones, así como escaleras de mano que hacen practicable el foro hasta su tercer piso. Por ahí pende una silla de barbero antigua, de madera. Y en las paredes recargados, los tres autores actores, vestidos un poco a la usanza inglesa de la época de nuestro Jack The Ripper.
Y a partir de ahí, una divertida y a veces acida progresión de acciones, muchas veces violentas e intensas, para hablar en teatro sobre la violencia que nos ahoga el día de hoy. Pasa de todo, grafiti, colgar a una espectadora como piñata en la silla de barbero, un salto real desde el tercer piso hacia un colchón, golpizas de verdad y otras sorpresas que no comento para que se atreva a ir a disfrutarlas o a asustarse con ellas como si paso en la función en la que estuve.
Para lograr esto hace falta una dirección muy cuidadosa que la lleva de forma magistral el siempre original Richard Viqueira. Lo mismo que un elenco de actores que se conozca y se lleve muy bien entre si, como este caso en el que son amigos de años, de otro modo resultaría imposible trabajar algo como esto.
Actuaciones comprometidas y brillantes con un desgaste físico al borde del infarto, no hay un momento de descanso para los actores. Suben y bajan escaleras, corren, se cuelgan, gritan, bailan rap, se rasuran. No es un trabajo para tibios. O posees una técnica actoral solida o puedes lastimarte físicamente de manera grave.
Para dar una aproximación del sabor estético de esta obra, quizá lo más próximo seria la estética “grunge” tan actual hoy con sus manchones y trazos en apariencia accidentales. Si, podría decir que es una obra “grunge”.
Así que está dedicada mas para un público joven y atrevido aunque haya visto poco teatro, que a un público adulto convencional que seguro tratara de salir corriendo con el primer susto o se refugiara en su butaca rezando porque se acabe pronto. Pero si usted es atrevido, vaya, lo va a pasar muy bien porque además toda la obra tiene un gran sentido del humor, que va desde la escatología a la sonrisa intelectual más lograda.
Bravísimo a sus creadores interpretes aparte de Richard, José Alberto Gallardo y Toño Zúñiga por ofrecernos un concepto, novedoso, actual y divertido. Hasta para reflexionar sobre la violencia hace falta humor y ellos lo tienen y aquí nos lo comparten. Corra a verla.
Por
Tespis
En el Foro Sor Juana Inés de la Cruz allá en CU, se presenta de jueves a domingos este espectáculo sorprendente, físico y divertido de Richard Viqueira, José Alberto Gallardo y Antonio Zúñiga.
El titulo nos dice muy poco, el saber que trata sobre los textos reales de 3 asesinos seriales, Jack el destripador, El caníbal de la Guerrero, y el asesino de Virginia Tech el joven coreano que mato a 32 personas en su universidad para quien no se acuerde, aunque nos despierta un morbo natural, no nos prepara para lo que vamos a encontrar.
Cuando uno ve una obra de vanguardia de verdad, como esta, es parte del trabajo del crítico buscar una clasificación, al menos proponerla para que quede en la memoria escrita un análisis del trabajo realizado.
Hoy podemos decir que si existen de forma separada 2 corrientes en dramaturgia. La que podemos denominar como dramaturgia de historia, que es la común, la que puede tener variaciones en su forma y genero pero que finalmente cuentan un cuento de cualquier manera. Y, por otro lado, la dramaturgia que me atrevo a denominar como Dramaturgia de acciones escénicas que englobaría a las dramaturgias de vanguardia. La denomino así porque son obras que no relatan una historia, pueden comentarla a través de sus acciones, pero no usan una estructura discernible, encadenan de manera novedosa una serie de hechos escénicos que buscan provocar una reacción emotiva, intelectual o de asombro en el espectador respecto al tema sobre el cual verse la obra.
Suena atractivo para aquellos que no son capaces de escribir una historia coherente, pero, lograr un espectáculo interesante inventando un corpus dramático especifico para una propuesta no es nada fácil y muchos, por no decir casi todos, fracasan en el intento.
En este caso si estamos ante una dramaturgia de acciones, pero, que resultado tan interesante, entretenido y divertido hasta niveles que no podía anticipar. Cuando se abre, antes de la entrada al foro, la puerta de actores y asistimos al divertido e irreverente dialogo entre dos policías vestidos de putas que buscan atrapar a Jack el destripador, me dije, esto pinta para ponerse muy bien.
Acto seguido entramos al metamórfico espacio del Sor Juana para encontrarlo lleno de bruma y con maniquíes blancos colgados a diferentes alturas y con distintas posiciones, así como escaleras de mano que hacen practicable el foro hasta su tercer piso. Por ahí pende una silla de barbero antigua, de madera. Y en las paredes recargados, los tres autores actores, vestidos un poco a la usanza inglesa de la época de nuestro Jack The Ripper.
Y a partir de ahí, una divertida y a veces acida progresión de acciones, muchas veces violentas e intensas, para hablar en teatro sobre la violencia que nos ahoga el día de hoy. Pasa de todo, grafiti, colgar a una espectadora como piñata en la silla de barbero, un salto real desde el tercer piso hacia un colchón, golpizas de verdad y otras sorpresas que no comento para que se atreva a ir a disfrutarlas o a asustarse con ellas como si paso en la función en la que estuve.
Para lograr esto hace falta una dirección muy cuidadosa que la lleva de forma magistral el siempre original Richard Viqueira. Lo mismo que un elenco de actores que se conozca y se lleve muy bien entre si, como este caso en el que son amigos de años, de otro modo resultaría imposible trabajar algo como esto.
Actuaciones comprometidas y brillantes con un desgaste físico al borde del infarto, no hay un momento de descanso para los actores. Suben y bajan escaleras, corren, se cuelgan, gritan, bailan rap, se rasuran. No es un trabajo para tibios. O posees una técnica actoral solida o puedes lastimarte físicamente de manera grave.
Para dar una aproximación del sabor estético de esta obra, quizá lo más próximo seria la estética “grunge” tan actual hoy con sus manchones y trazos en apariencia accidentales. Si, podría decir que es una obra “grunge”.
Así que está dedicada mas para un público joven y atrevido aunque haya visto poco teatro, que a un público adulto convencional que seguro tratara de salir corriendo con el primer susto o se refugiara en su butaca rezando porque se acabe pronto. Pero si usted es atrevido, vaya, lo va a pasar muy bien porque además toda la obra tiene un gran sentido del humor, que va desde la escatología a la sonrisa intelectual más lograda.
Bravísimo a sus creadores interpretes aparte de Richard, José Alberto Gallardo y Toño Zúñiga por ofrecernos un concepto, novedoso, actual y divertido. Hasta para reflexionar sobre la violencia hace falta humor y ellos lo tienen y aquí nos lo comparten. Corra a verla.
sábado, 19 de septiembre de 2009
La Lengua de los Muertos
La Lengua de los muertos.
Por:
Tespis.
En el pequeño teatro El Milagro, David Olguin, estrena esta pieza muy ad-hoc con nuestros centenarios en horarios normales de jueves a domingo.
El teatro sobre temas históricos nacionales había estado huérfano de textos mucho tiempo hasta las dos piezas de Flavio Gonzalez Mello; “Lascurain” y “1822”, curiosamente ambas de gran éxito el cual deseamos se haga extensivo a esta nueva propuesta que abre de nuevo la visión dramatúrgica sobre nuestra historia.
La Lengua de los muertos, versa sobre la noche en que fue asesinado brutalmente Belisario Dominguez, es el enfrentamiento entre el ex - secretario de gobernación de Victoriano Huerta, el original “medico asesino” Dr. Aureliano Urrutia y el icono de la retorica política. De la leyenda oficialista de la mutilación de lengua que, se dijo durante años, sufrió Belisario Dominguez a manos de el mejor medico cirujano de su tiempo. Con la participación entusiasta y siniestra de un policía de la “reservada” de Huerta, lease un judicial de hoy. Es la revisión del mito que llego al exceso de plantear que a Dominguez le cortaron una mano y fue capaz de arrojársela a la cara al perverso galeno, o de que le cortaron un índice con el que había señalado a Huerta con su celebre “Yo acuso”.
Pero esta obra es mucho mas que una crónica histórica, es una reflexión sobre la corrupción que nace del poder total y de la imposibilidad de ser ético siendo político. Pero no asustarse, la obra es muy divertida, muy entretenida y emocionante. Claro que el tema y la situación son duros y son expuestos de manera dura pero Olguin logra una obra casi thriller por su capacidad de seducción escénica.
La dirección del mismo dramaturgo es sobria y efectiva, logra dar el tono exacto a su tragedia manteniendo a los actores en un diapasón emotivo alto e intenso con logrados rompimientos que sirven de estimulos para no dejarnos escapar de la tensión. Todo esto en un espacio escénico muy minimalista pero profundamente estético de Gabriel Pascal que además hace una de sus acostumbradas iluminaciones esplendidas, subrayadas por una muy buena proyección de video y un diseño de audio destacados obra de Rodrigo Espinoza.
Bravo para un gran elenco. Rodolfo Guerrero crea un Dr. Urrutia esplendido, poderoso y desaforado, un gran villano escénico como se ven muy pocos y menos aun como , protagonistas. Un trabajo digno de premio. Lo mismo puede decirse del logradísimo Belisario Dominguez de Humberto Solorzano que sobrepasa las dificultades que trae siempre el representar a un personaje histórico en otro trabajo también digno de premio. Entre ambos logran un duelo actoral de esos que da gusto contemplar.
Al lado de ellos el intencionalmente farsico “Matarratas” de Gerardo Taracena, cuya farsa solo exalta lo perverso del personaje, en un trabajo que desespera por lo que nos recuerda de nuestras policías actuales. Felicidades.
Es impactante la actualidad de esta obra que nos hace pensar en política por medio de un muy buen texto perfectamente estructurado. Recibimos una gran cantidad de información histórica, de reflexión ética, de pensamiento político sin sufrir nunca de didactismo. Pienso que la mejor virtud de La Lengua de los muertos como obra teatral es que toma muy en cuenta el aspecto de diversión que debe tener el teatro. Si, una tragedia, aun tocando un tema morboso como la tortura, además de divertir debe capturar la atención del publico y aquí se logran ambas cosas, incluso sin intermedio , el tiempo se pasa volando.
La lengua de los muertos es un espectáculo que debe verse, no solo por su evidente actualidad conmemorativa, sino porque es acudir a gozar de una puesta muy bien lograda en todos los aspectos y de unas actuaciones intensas como ya se disfrutan pocas.
No se quede con las ganas de acudir, vaya a verla a este amable espacio escénico. Vale mucho la pena y tendrá usted mas de un buen tema para discutir. No falte.
Por:
Tespis.
En el pequeño teatro El Milagro, David Olguin, estrena esta pieza muy ad-hoc con nuestros centenarios en horarios normales de jueves a domingo.
El teatro sobre temas históricos nacionales había estado huérfano de textos mucho tiempo hasta las dos piezas de Flavio Gonzalez Mello; “Lascurain” y “1822”, curiosamente ambas de gran éxito el cual deseamos se haga extensivo a esta nueva propuesta que abre de nuevo la visión dramatúrgica sobre nuestra historia.
La Lengua de los muertos, versa sobre la noche en que fue asesinado brutalmente Belisario Dominguez, es el enfrentamiento entre el ex - secretario de gobernación de Victoriano Huerta, el original “medico asesino” Dr. Aureliano Urrutia y el icono de la retorica política. De la leyenda oficialista de la mutilación de lengua que, se dijo durante años, sufrió Belisario Dominguez a manos de el mejor medico cirujano de su tiempo. Con la participación entusiasta y siniestra de un policía de la “reservada” de Huerta, lease un judicial de hoy. Es la revisión del mito que llego al exceso de plantear que a Dominguez le cortaron una mano y fue capaz de arrojársela a la cara al perverso galeno, o de que le cortaron un índice con el que había señalado a Huerta con su celebre “Yo acuso”.
Pero esta obra es mucho mas que una crónica histórica, es una reflexión sobre la corrupción que nace del poder total y de la imposibilidad de ser ético siendo político. Pero no asustarse, la obra es muy divertida, muy entretenida y emocionante. Claro que el tema y la situación son duros y son expuestos de manera dura pero Olguin logra una obra casi thriller por su capacidad de seducción escénica.
La dirección del mismo dramaturgo es sobria y efectiva, logra dar el tono exacto a su tragedia manteniendo a los actores en un diapasón emotivo alto e intenso con logrados rompimientos que sirven de estimulos para no dejarnos escapar de la tensión. Todo esto en un espacio escénico muy minimalista pero profundamente estético de Gabriel Pascal que además hace una de sus acostumbradas iluminaciones esplendidas, subrayadas por una muy buena proyección de video y un diseño de audio destacados obra de Rodrigo Espinoza.
Bravo para un gran elenco. Rodolfo Guerrero crea un Dr. Urrutia esplendido, poderoso y desaforado, un gran villano escénico como se ven muy pocos y menos aun como , protagonistas. Un trabajo digno de premio. Lo mismo puede decirse del logradísimo Belisario Dominguez de Humberto Solorzano que sobrepasa las dificultades que trae siempre el representar a un personaje histórico en otro trabajo también digno de premio. Entre ambos logran un duelo actoral de esos que da gusto contemplar.
Al lado de ellos el intencionalmente farsico “Matarratas” de Gerardo Taracena, cuya farsa solo exalta lo perverso del personaje, en un trabajo que desespera por lo que nos recuerda de nuestras policías actuales. Felicidades.
Es impactante la actualidad de esta obra que nos hace pensar en política por medio de un muy buen texto perfectamente estructurado. Recibimos una gran cantidad de información histórica, de reflexión ética, de pensamiento político sin sufrir nunca de didactismo. Pienso que la mejor virtud de La Lengua de los muertos como obra teatral es que toma muy en cuenta el aspecto de diversión que debe tener el teatro. Si, una tragedia, aun tocando un tema morboso como la tortura, además de divertir debe capturar la atención del publico y aquí se logran ambas cosas, incluso sin intermedio , el tiempo se pasa volando.
La lengua de los muertos es un espectáculo que debe verse, no solo por su evidente actualidad conmemorativa, sino porque es acudir a gozar de una puesta muy bien lograda en todos los aspectos y de unas actuaciones intensas como ya se disfrutan pocas.
No se quede con las ganas de acudir, vaya a verla a este amable espacio escénico. Vale mucho la pena y tendrá usted mas de un buen tema para discutir. No falte.
martes, 15 de septiembre de 2009
Jugar a Morir.
Jugar a morir
Palabras en imagen
Por
Tespis
Dentro del programa Teatro para todos 2009, una de las mejores y más atrevidas iniciativas del IMSS en muchos años, se presenta en el Teatro Julio Prieto (Xola) la obra “Jugar a morir, Pizarnik en el país de las maravillas” todos los Lunes y Martes a partir de hoy y hasta Noviembre.
Confieso que llegue al teatro sin ninguna actitud, ni buena, ni mala. Y al iniciarse la obra que abre con el personaje de Ostrov sentado en un sillón mientras entra el público, al abrirse el telón, ¡Oh, sorpresa! Se ha iniciado el espectáculo de multimedia escénica y espacios manejados a través de imágenes lanzadas por tres video proyectores, más impresionante y perfecto en ejecución y desarrollo que se ha visto por acá en mucho tiempo. Vamos por partes.
Alejandra Pizarnik como nos informa correctamente el programa (indispensable leerlo por cierto para poder entender) fue una poetisa argentina de los 50’s suicida a los treinta y varios. Con una obra dolorosa y potente, centrada en sí misma y su angustia existencial. Suena denso, lo es, pero, que gran poetisa a la que confieso no conocía en absoluto y que merced a esta obra ahora he comenzado a leer con gran placer.
La obra, original de Zaria Abreu, maneja; a través de diálogos entre la Pizarnik y su sicoanalista Ostrov y consigo misma y sus angustiosas personalidades; el proceso de destrucción mental y emocional que viviera la poetisa, encuadrándolo simbólicamente en el cuento de Alicia en el país de las maravillas. Desde el principio sabemos que estamos navegando en la locura lucida de esta escritora y que finalmente morirá, pero con una dramaturgia novedosa, plena de momentos llenos de teatralidad pura Zaria Abreu nos lleva a conocer y claro, admirar y entender un poco a esta artista, que se une a poetisas dolientes como lo fuera, en otra medida y sentido, Enriqueta Ochoa que no se suicido pero también escribió poesía personalísima a partir de sí misma.
Debo destacar que Zaria es becaria FONCA y por este trabajo más que merecidamente. Pocas veces se ven en escena textos de autentica vanguardia escénica y este es uno de esos.
La puesta en escena, esplendida y reitero de autentica vanguardia, de Gabriel Figueroa Pacheco, nos introduce con un director imaginativo y acucioso, obviamente obsesionado con el detalle. La Puesta y producción física manejan una complejidad y una riqueza visual apabullantes. El escenario estalla visual y emotivamente. Que agradable sorpresa conocer el trabajo de Gabriel.
Aquí su labor como generador y coordinador del gran grupo de colaboradores rinde fruto por el excelente resultado. Disfrutamos un autentico show multimedia con espacios creados a partir de proyecciones fijas o en movimiento. Escuche que se llevaron 4 meses para lograr esa perfección visual. No exagero, la obra en términos de producción no tiene nada que pedir y si mucho que mostrar a OCESA y CNT e incluso a muchos teatristas extranjeros. Por establecer un nexo respecto a la novedad escénica que se ve aquí solo podría comparar con algunas propuestas de Fura del Baus o Els Comediens. El producto final es impecable. De hecho leemos parte de los versos de Pizarnik en las muy bellas imágenes en cambio constante desde el inicio hasta el final de la obra. Destaco los trabajos para lograrlo de Alain Kerriou en escenografía y videoarte, las iluminación de Hugo Heredia, La coreografía de Ramón Solano, el diseño sonoro de Ricardo Cortes, que al lado de sus equipos logran una puesta de avanzada que justifica becas y apoyos.
El elenco es muy bueno, ¡Bravo! Micaela Gramajo en su “Alejandra”, intensa y profunda. Con el compromiso de las buenas actrices, a su lado Tony Marcin en la “Sasha” con una fuerza escénica que no es común. Arnoldo Picazzo en el Ostrov lucha y vence en un rol difícil como interlocutor masculino en un universo mental femenino. Frida Islas y Florencia Sandoval también logran con creces sus respectivos roles con esa frescura que da la experiencia actoral de jóvenes preparadas.
Ahora bien, también los espectadores de teatro tienen edad, me refiero a que existen espectadores adultos con gran experiencia en ver teatro, así como adolescentes e infantes, según la cantidad y calidad de las puestas que hayan visto. Explico esto porque esta es una obra definitivamente hecha y concebida para espectadores adultos o… adolescentes atrevidos, teatralmente hablando por supuesto. Es una obra que si lo modifica a uno como espectador pero que no es fácil ni fácil de digerir. Está en un acto y al final si resulta a mi percepción 20 minutos larga. Por lo mismo y por lo denso del tema y tono puede resultar un poco pesada para algunos. Si, debo decirlo, no es una obra digestiva para ver y olvidar, es un espectáculo que requiere de un público atrevido e inteligente.
En resumen, Jugar a morir, es una esplendida opción para hacer y ver algo interesante los lunes y martes, además a un precio risible de $50.00 pesos solamente y aplican descuentos, francamente no hay pretexto para no acudir. Eso si, repito, es intensa, es densa, un poco larga, maravillosa visualmente y nos permite acercarnos al interior del alma de una intensa y bastante loca artista, pero no es fácil. Así que ya lo sabe, aviéntese una vuelta por el Teatro Julio Prieto para darse el placer de crecer como espectador teatral.
Palabras en imagen
Por
Tespis
Dentro del programa Teatro para todos 2009, una de las mejores y más atrevidas iniciativas del IMSS en muchos años, se presenta en el Teatro Julio Prieto (Xola) la obra “Jugar a morir, Pizarnik en el país de las maravillas” todos los Lunes y Martes a partir de hoy y hasta Noviembre.
Confieso que llegue al teatro sin ninguna actitud, ni buena, ni mala. Y al iniciarse la obra que abre con el personaje de Ostrov sentado en un sillón mientras entra el público, al abrirse el telón, ¡Oh, sorpresa! Se ha iniciado el espectáculo de multimedia escénica y espacios manejados a través de imágenes lanzadas por tres video proyectores, más impresionante y perfecto en ejecución y desarrollo que se ha visto por acá en mucho tiempo. Vamos por partes.
Alejandra Pizarnik como nos informa correctamente el programa (indispensable leerlo por cierto para poder entender) fue una poetisa argentina de los 50’s suicida a los treinta y varios. Con una obra dolorosa y potente, centrada en sí misma y su angustia existencial. Suena denso, lo es, pero, que gran poetisa a la que confieso no conocía en absoluto y que merced a esta obra ahora he comenzado a leer con gran placer.
La obra, original de Zaria Abreu, maneja; a través de diálogos entre la Pizarnik y su sicoanalista Ostrov y consigo misma y sus angustiosas personalidades; el proceso de destrucción mental y emocional que viviera la poetisa, encuadrándolo simbólicamente en el cuento de Alicia en el país de las maravillas. Desde el principio sabemos que estamos navegando en la locura lucida de esta escritora y que finalmente morirá, pero con una dramaturgia novedosa, plena de momentos llenos de teatralidad pura Zaria Abreu nos lleva a conocer y claro, admirar y entender un poco a esta artista, que se une a poetisas dolientes como lo fuera, en otra medida y sentido, Enriqueta Ochoa que no se suicido pero también escribió poesía personalísima a partir de sí misma.
Debo destacar que Zaria es becaria FONCA y por este trabajo más que merecidamente. Pocas veces se ven en escena textos de autentica vanguardia escénica y este es uno de esos.
La puesta en escena, esplendida y reitero de autentica vanguardia, de Gabriel Figueroa Pacheco, nos introduce con un director imaginativo y acucioso, obviamente obsesionado con el detalle. La Puesta y producción física manejan una complejidad y una riqueza visual apabullantes. El escenario estalla visual y emotivamente. Que agradable sorpresa conocer el trabajo de Gabriel.
Aquí su labor como generador y coordinador del gran grupo de colaboradores rinde fruto por el excelente resultado. Disfrutamos un autentico show multimedia con espacios creados a partir de proyecciones fijas o en movimiento. Escuche que se llevaron 4 meses para lograr esa perfección visual. No exagero, la obra en términos de producción no tiene nada que pedir y si mucho que mostrar a OCESA y CNT e incluso a muchos teatristas extranjeros. Por establecer un nexo respecto a la novedad escénica que se ve aquí solo podría comparar con algunas propuestas de Fura del Baus o Els Comediens. El producto final es impecable. De hecho leemos parte de los versos de Pizarnik en las muy bellas imágenes en cambio constante desde el inicio hasta el final de la obra. Destaco los trabajos para lograrlo de Alain Kerriou en escenografía y videoarte, las iluminación de Hugo Heredia, La coreografía de Ramón Solano, el diseño sonoro de Ricardo Cortes, que al lado de sus equipos logran una puesta de avanzada que justifica becas y apoyos.
El elenco es muy bueno, ¡Bravo! Micaela Gramajo en su “Alejandra”, intensa y profunda. Con el compromiso de las buenas actrices, a su lado Tony Marcin en la “Sasha” con una fuerza escénica que no es común. Arnoldo Picazzo en el Ostrov lucha y vence en un rol difícil como interlocutor masculino en un universo mental femenino. Frida Islas y Florencia Sandoval también logran con creces sus respectivos roles con esa frescura que da la experiencia actoral de jóvenes preparadas.
Ahora bien, también los espectadores de teatro tienen edad, me refiero a que existen espectadores adultos con gran experiencia en ver teatro, así como adolescentes e infantes, según la cantidad y calidad de las puestas que hayan visto. Explico esto porque esta es una obra definitivamente hecha y concebida para espectadores adultos o… adolescentes atrevidos, teatralmente hablando por supuesto. Es una obra que si lo modifica a uno como espectador pero que no es fácil ni fácil de digerir. Está en un acto y al final si resulta a mi percepción 20 minutos larga. Por lo mismo y por lo denso del tema y tono puede resultar un poco pesada para algunos. Si, debo decirlo, no es una obra digestiva para ver y olvidar, es un espectáculo que requiere de un público atrevido e inteligente.
En resumen, Jugar a morir, es una esplendida opción para hacer y ver algo interesante los lunes y martes, además a un precio risible de $50.00 pesos solamente y aplican descuentos, francamente no hay pretexto para no acudir. Eso si, repito, es intensa, es densa, un poco larga, maravillosa visualmente y nos permite acercarnos al interior del alma de una intensa y bastante loca artista, pero no es fácil. Así que ya lo sabe, aviéntese una vuelta por el Teatro Julio Prieto para darse el placer de crecer como espectador teatral.
martes, 4 de agosto de 2009
Las Alas del Pez. Lo bonito de lo anticuado.
Por TESPIS
No cabe duda, aunque un mensaje moral cambia su valor con el tiempo, convirtiéndose inclusive en anacrónico, si esta envuelto en una forma artística, no solo es aceptable sino hasta disfrutable.
Es el caso de este montaje del INBA de la obra emblemática de Fernando Sanchez Mayans "Las Alas del Pez", montaje que estará en el bonito Teatro Villaurrutia de Jueves a Domingos hasta septiembre.
Esta obra cuenta la historia de Daniel, un joven nadador proletario que sale con su domingo siete de embarazar a su novia. Y entra el tema del aborto, la sociedad, lo que dirá la familia, hasta un final necesariamente trágico. Sanchez Mayans estructuro su obra como melodrama, el genero nacional por excelencia. Esta obra fue muy premiada en su estreno allá en 1960 y de seguro habrá levantado ámpula entre la aun mas conservadora sociedad mexicana de la época, al hablar abiertamente del aborto, claro, con eufemismos como "arreglar lo de ese hijo" o "dejar a la muchacha como antes".
Resulta mas que obvio darse cuenta de que el "mensaje" de la obra de "Castigo al pecador que se atrevió a sugerir tal barbaridad" esta mas que pasado de moda y de machismo, aunque me atrevo a suponer que la intención del autor estaba mas del lado femenino al hacer un retrato que hoy resulta risible, por lo indigno, del machismo. Machismo que aplica incluso la madre del protagonista con la terrible, por su significado, situación de "No te casaras con mi hijo pero, NO abortaras a mi nieto" que le suelta a la pobre novia embarazada con toda la seguridad de estar cumpliendo con la moral establecida.
Inteligente y muy, muy disfrutable la decisión del director Ginés Cruz de ubicar la obra en los sesenta. El delicioso aire "retro" de la puesta cuidado hasta el exceso con rebanadas de naturalismo escénico que ya no se ven, como la cena que la madre prepara de verdad, o también el planchado a la antigüita con trapito húmedo arriba de la prenda y todo que nos hace la puesta divertida y atractiva visualmente. Por supuesto Gines Cruz se fuga un poco de la imposición realista del texto aplicándolo a la escenografía, muy linda, de Luis Conde que se encuadra mas bien en un realismo estilizado en contraste con el vestuario y otilaría obra de Sergio Ruiz, donde hasta la botellita de Pepsi esta exacta. Anexando algunos trazos y acciones que nos permiten evadirnos de esa sofocante realidad, la historia se desliza suave e interesante de principio a fin.
Un solo comentario, la obra esta estructurada en tres actos, para adecuarse al gusto moderno solo hay un intermedio, pero resulta necesario un pequeño espacio entre segundo y tercero. Por lo menos para prender el aire acondicionado. Pero realmente necesario para establecer la separación de tiempos en la historia. Aparte de esto, la dirección es muy buena y limpia, fiel al estilo de la época en todo, incluso actoralmente, pues pone a su destacable elenco en tono con genero y estilo actoral.
El elenco es un encuentro agradable con actores y actrices no solo conocedores del oficio sino con labores que vale la pena destacar. Muy bien Rafael León en el estelar Daniel, sonsonete barriobajero al estilo del cine de la época de oro, manejo corporal directo, compromiso sin excesos. Bravo, Rafael. La Madre de Patricia Marrero es deliciosa, para aquellos que pensaban que ya nadie podía actuar como la Derbez o la Montejo de aquellos años Patricia Marrero hace alarde de buen desempeño al tocarle acciones naturalistas que parecen sencillas si no tienen que estar sujetas a una precisión de tiempo y parlamentos, además de alcanzar matices melodramáticos que es muy difícil ya poderlos ver, Bravisimo Patricia. Muy bien también José Carlos Rodríguez en el padre frió y desobligado, con el peso y la economía exactos. Xochitl Galindres que nos toco en suerte ese día; alterna con Monica Sanchez; también correcta en su papel de chica engañada, nos gusto mas en la segunda parte. El Ángel de Jonathan Persan es correcto y efectivo en la dramática escena final. Nos gusto menos la Soledad de Marta Papadimitrou, aunque no desentona en absoluto con los demás, quizá demasiado contenida, en momentos parecía un poco fría.
Resumiendo, "Las Alas del Pez" es una puesta que deben ver todos aquellos que gustan del buen teatro mexicano, aunque sea anticuadito jeje. Para los nuevos escritores y dramaturgos que quieran ver una obra bien estructurada y una historia bien contada. Y para todos aquellos que disfruten una actuación cuidadosa y correctisima en estilo lo que la hace un bocado delicioso. Incluso es buena para los abortistas y antiabortistas pues pone en escena muchos argumentos que pueden generar constructivas discusiones. No se la pierda.
No cabe duda, aunque un mensaje moral cambia su valor con el tiempo, convirtiéndose inclusive en anacrónico, si esta envuelto en una forma artística, no solo es aceptable sino hasta disfrutable.
Es el caso de este montaje del INBA de la obra emblemática de Fernando Sanchez Mayans "Las Alas del Pez", montaje que estará en el bonito Teatro Villaurrutia de Jueves a Domingos hasta septiembre.
Esta obra cuenta la historia de Daniel, un joven nadador proletario que sale con su domingo siete de embarazar a su novia. Y entra el tema del aborto, la sociedad, lo que dirá la familia, hasta un final necesariamente trágico. Sanchez Mayans estructuro su obra como melodrama, el genero nacional por excelencia. Esta obra fue muy premiada en su estreno allá en 1960 y de seguro habrá levantado ámpula entre la aun mas conservadora sociedad mexicana de la época, al hablar abiertamente del aborto, claro, con eufemismos como "arreglar lo de ese hijo" o "dejar a la muchacha como antes".
Resulta mas que obvio darse cuenta de que el "mensaje" de la obra de "Castigo al pecador que se atrevió a sugerir tal barbaridad" esta mas que pasado de moda y de machismo, aunque me atrevo a suponer que la intención del autor estaba mas del lado femenino al hacer un retrato que hoy resulta risible, por lo indigno, del machismo. Machismo que aplica incluso la madre del protagonista con la terrible, por su significado, situación de "No te casaras con mi hijo pero, NO abortaras a mi nieto" que le suelta a la pobre novia embarazada con toda la seguridad de estar cumpliendo con la moral establecida.
Inteligente y muy, muy disfrutable la decisión del director Ginés Cruz de ubicar la obra en los sesenta. El delicioso aire "retro" de la puesta cuidado hasta el exceso con rebanadas de naturalismo escénico que ya no se ven, como la cena que la madre prepara de verdad, o también el planchado a la antigüita con trapito húmedo arriba de la prenda y todo que nos hace la puesta divertida y atractiva visualmente. Por supuesto Gines Cruz se fuga un poco de la imposición realista del texto aplicándolo a la escenografía, muy linda, de Luis Conde que se encuadra mas bien en un realismo estilizado en contraste con el vestuario y otilaría obra de Sergio Ruiz, donde hasta la botellita de Pepsi esta exacta. Anexando algunos trazos y acciones que nos permiten evadirnos de esa sofocante realidad, la historia se desliza suave e interesante de principio a fin.
Un solo comentario, la obra esta estructurada en tres actos, para adecuarse al gusto moderno solo hay un intermedio, pero resulta necesario un pequeño espacio entre segundo y tercero. Por lo menos para prender el aire acondicionado. Pero realmente necesario para establecer la separación de tiempos en la historia. Aparte de esto, la dirección es muy buena y limpia, fiel al estilo de la época en todo, incluso actoralmente, pues pone a su destacable elenco en tono con genero y estilo actoral.
El elenco es un encuentro agradable con actores y actrices no solo conocedores del oficio sino con labores que vale la pena destacar. Muy bien Rafael León en el estelar Daniel, sonsonete barriobajero al estilo del cine de la época de oro, manejo corporal directo, compromiso sin excesos. Bravo, Rafael. La Madre de Patricia Marrero es deliciosa, para aquellos que pensaban que ya nadie podía actuar como la Derbez o la Montejo de aquellos años Patricia Marrero hace alarde de buen desempeño al tocarle acciones naturalistas que parecen sencillas si no tienen que estar sujetas a una precisión de tiempo y parlamentos, además de alcanzar matices melodramáticos que es muy difícil ya poderlos ver, Bravisimo Patricia. Muy bien también José Carlos Rodríguez en el padre frió y desobligado, con el peso y la economía exactos. Xochitl Galindres que nos toco en suerte ese día; alterna con Monica Sanchez; también correcta en su papel de chica engañada, nos gusto mas en la segunda parte. El Ángel de Jonathan Persan es correcto y efectivo en la dramática escena final. Nos gusto menos la Soledad de Marta Papadimitrou, aunque no desentona en absoluto con los demás, quizá demasiado contenida, en momentos parecía un poco fría.
Resumiendo, "Las Alas del Pez" es una puesta que deben ver todos aquellos que gustan del buen teatro mexicano, aunque sea anticuadito jeje. Para los nuevos escritores y dramaturgos que quieran ver una obra bien estructurada y una historia bien contada. Y para todos aquellos que disfruten una actuación cuidadosa y correctisima en estilo lo que la hace un bocado delicioso. Incluso es buena para los abortistas y antiabortistas pues pone en escena muchos argumentos que pueden generar constructivas discusiones. No se la pierda.
sábado, 11 de julio de 2009
REGLAS
Como todo ejercicio cultural, lo mejor sera establecer unas sencillas reglas que seran comunes y estrictas para todos los miembros:
- Solo publicaran criticas los integrantes de la ACPT registrados. El objetivo es establecer un dialogo entre la critica,los teatristas y el publico. Este no es un lugar de critica libre enese sentdo.
- No se aceptan insultos directos a nadie. Los comentarios ofensivos dirigidos a un artista escenico, miembros del medio, integrantes de la ACPT, no seran admitidos o seran retirados.
- Cualquier opinion es aceptada. No existe limite a la critica a comentario solo requerimos que estos se justifiquen.
- El objetivo del blog es tambien promover por lo que se aceptan invitaciones a cualquier espectaculo PROFESIONAL, las invitaciones a espectaculos amateur o estudiantiles deben ser especificadas en los comentarios como espectaculo estudiantil o amateur.
Pensamos que son reglas muy sencillas. Un saludo a todos
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