INCENDIOS
Ver nacer un clásico
Por TESPIS
Terminando de disfrutar “Incendios” y platicando con las esplendidas actrices Arcelia Ramírez y Carmen Beato, lance una pregunta al aire. ¿Que se hace después de hacer un clásico?. Los que hemos disfrutado de este trabajo fuera de lo común, sabemos ahora lo que se sintió asistir al estreno de “Romeo y Julieta”, o “La Vida es sueño”, “Casa de Muñecas”. Es rarisimo tener la posibilidad de ver un clásico nacer, esto es “Incendios”, y mas aun ver aparecer sobre la escena un papel llamado a estar entre los inmortales, Nawal, es sin ninguna duda una de las grandes heroínas del teatro. Nacida a finales de los noventas pero que se puede considerar mas bien como una criatura teatral del siglo XXI ya tiene un lugar con Rosaura, Julieta, Roxana, Medea, Electra.
Segunda parte de la Tetralogía “La Sangre de las Promesas”, puede ser la obra maestra del teatrista Wajdi Mouawad.
Si en Litoral el tema central es la figura del padre, en Incendios la figura que domina la obra en temática, acciones y atmósfera es la Madre, Nawal. Si Madre Coraje es la figura femenina de la mujer en un entorno de guerra tradicional, Nawal es la mujer en medio de una guerra que no entiende, donde los acontecimientos envuelven y destruyen a los civiles sin que se sepa bien por que o de parte de quien son los ataques. Nawal es la figura femenina del holocausto de las guerras de medio oriente. El holocausto civil árabe. Aunque, como todo crimen contra la humanidad, su circunstancia no se queda en la península arábiga y anexas sino que abarca a la humanidad entera.
Mouawad es un dramaturgo canadiense que, al regresar la poesía al teatro contemporáneo, inaugura una veta de dramaturgia de la vida real con enorme sentido poético y potencia dramática.
Mouawad supera con creces el realismo o el documentalismo tan en boga, lo mismo que a los experimentos abstrusos e incomprensibles. Hijo del teatro de fin de siglo XX crea junto a su compañía, primero con Litoral, una manera renovada de ver el hecho teatral.
Si en Litoral estaban las semillas y los frutos de algo realmente renovado, en Incendios, con mayor confianza dramatúrgica llega a niveles difícilmente igualables.
Incendios cuenta la historia de Nawal, mujer de origen árabe, que al morir solicita en su testamento a sus dos hijos gemelos, mujer y hombre, que la entierren de manera muy particular, y que hasta entregar a su padre y hermano, respectivamente, una carta, podrán poner sobre su tumba una piedra con su nombre grabado. Esta solicitud molesta a los hermanos, sobre todo al varón, un boxeador amateur mediocre y un poco menos a la hija una estudiante de doctorado en matemáticas. No sabían que su padre vive y que su hermano existía. A partir de aquí se desarrollaran las dos historias paralelas, la de la sufrida vida de Nawal, joven árabe que padece todos los horrores de la guerra y la investigación y búsqueda de los hermanos para localizar a su padre y hermano. Las dos historias corren lado a lado sin relacionarse hasta que inevitablemente convergerán en una peripecia trágica imposible de suponer y que hará que la vida de todos los personajes cambie. La Mujer que Canta, sobrenombre con el que se conocerá a Nawal durante la guerra, se convertirá después de la sorpresa trágica en un elemento de amor maternal increíble, sobre todo, por su capacidad de amar por encima de la razón.
Con una factura técnica irreprochable, Mouawad le da una nueva configuración a la tragedia. Eso es Incendios, en términos de genero, una tragedia y de sublimación, explicando, la tragedia de sublimación es aquella en la que la sorpresa trágica o peripecia, aunque afecta de manera terminal a una o un grupo de personas cuya vida no volverá a ser igual, pese a esto el final se transforma en una energía positiva como la de un incendio en el bosque precisamente, que aunque quema todo, fertiliza el suelo y hace germinar nuevas semillas. Una tragedia con un guiño a la esperanza o, en este caso, al perdón.
En términos de puesta en escena el trabajo de Hugo Arrevillaga es también una marca en el teatro mexicano. Se le puede clasificar como una puesta sobria, muy elegante, con publico en dos frentes. Lado a lado de una pasarela creada con elementos elaborados en madera burda, dos sillas cercanas una a cada extremo y algunas sillas entre la primera linea de espectadores donde están los actores todo el tiempo.
La puesta no tiene intermedio pero esta es una de esas muy raras obras en las que se aguanta las 2 horas y media que dura como agua. Ni se siente la longitud.
Una iluminación muy sobria y adecuada, que merced a efectos físicos puede crear ambientes distintos.
La escenografía obra de Auda Caraza y Atenea Chavez esta bien realizada y ofrece esa posibilidad de espacio concreto que mudara a diversas locaciones. Con una acertada selección de texturas y colores.
El vestuario sencillo pero muy adecuado de Mario Marín. En tonos tierra básicamente. Acompaña, evoca y subraya a cada personaje.
Es difícil lograr un éxito. Mas difícil encontrar un papel legendario que ademas de dar el casting ofrezca un reto enorme. Karina Gidi es Nawal y ha logrado al menos hasta el día de hoy su Personaje Maestro. Muy pocas veces se ve un trabajo actoral así. La caracterización no tiene otro calificativo mas que Perfecta. Es una obra actoral para ejemplo, para clase, para la memoria, para el disfrute, para todo. De una patada con este trabajo Karina Gidi entra al reducido circulo de las primeras actrices. Solo por ver su trabajo vale la pena ver Incendios. Una actuación memorable. El momento del monologo donde Nawal da el testimonio frente a su torturador es realmente de leyenda. Sin excesos melodramáticos, contenido, con una carga emotiva de bomba atómica. Ella recargada casi en una pared de madera, ligeramente inclinada, las manos a los lados. Las lagrimas escurren por su rostro, su voz es desoladora, conmovedora, profunda. Uno de esos momentos que contaremos en años a nuestros hijos.
Todo el elenco esta muy bien, aclaro, Concepción Márquez en una abuela mágica, Pedro Mira en un encantador abogado, Rebeca Trejo en una frágil hija, Javier Olivan muy bien como el bravo hijo Simón, Alejandra Cacho en su Sauda tierna, Guillermo Villegas en un francotirador cínico y sicótico, Jorge León en su amante. Todos destacadísimos y con un gran nivel actoral.
Incendios es una obra sin desperdicio. Sigo quejándome de lo reducido del aforo. La Tetralogía ha tenido bastante éxito, por lo que sugiero se les diera un espacio alterno que pudiera inaugurarse como foro para tener en temporada estos trabajos maravillosos. Para el año siguiente se anuncia el estreno de la cuarta parte “Cielo”, ¿que vendrá?. De momento disfrutar sin falta este monumento al buen hacer teatro y que nos indica para donde esta el caminito. Un verdadero triunfo, una maravilla, es obligatorio verla.
martes, 15 de noviembre de 2011
LA ORESTIADA
LA ORESTIADA
Esquilo Narco
Por TESPIS
Las re lecturas de los clásicos son por lo general enriquecedoras. Sobre todo si el clásico si “pasa” a través de las modificaciones y cambios propuestos.
Unir a Esquilo con el “Art Narcó” y hacerlo en el bello espacio de la Casa del Lago de manera itinerante, pues francamente suena muy apetitoso y lo es.
Para asistir a este montaje váyase abrigado y con zapatos cómodos, ir de tacones es suicidio señoras. Esta puesta que vimos en la muestra se queda hasta diciembre así que no se pierda la oportunidad viernes y sábados las 8 pm.
El ultimo montaje integral de la Orestiada estuvo bajo la batuta de José Sole que hizo una puesta histórica a la griega, con mascaras y todo durando 6 horas. Esta Orestiada dura apenas unos 100 minutos y se viene hasta el siglo XXI apoyando su diseño visual y conceptual en el “Art Narcó”, una de las subdivisiones del “Art Nacó”.
Primero hablemos de esto. Ni duda cabe de que las expresiones estéticas de muy dudoso gusto, como las patéticas fiestas de 15 años, o el llevar a los niños vestidos de inditos a la Villa, o a los perritos y mascotas vestidos para bendecirlos en la iglesia, son expresiones, la mayoría desafortunadas, del gusto o mas bien mal gusto mexicano, exaltado y ensoberbecido de ello. Ese seria el concepto de lo naco. Por cierto evolución del cursi de los 50's y demás. Que lo era, lo ostentaba, pero al menos guardaba cierta humildad reconociendo internamente que algo no estaba bien. No, lo naco es exultante y hasta agresivo en la justificación de su horridez. El “Art Narcó” viene de esto. La mayor parte de los mexicanos reconocemos a simple vista lo que es moda y usos narcos. Emanuel Morales el creador y director de esta puesta usa todo lo visible y lo no visible del “Art Narcó” para conceptuar este montaje de Esquilo.
El terreno de la casa del lago es utilizado en integridad (Nota: Demos gracias a que ya desalojaron a los invasores del foro externo que tenían este bello lugar hecho una desgracia) se usan los alrededores nunca pasamos al interior. Y ahí se emplearan todos los recursos en vestimenta, adornos, comportamiento del “Art Narcó”. Esta “estética” brutal y desagradable, por eso entrecomille la palabra, resulta ideal por las imágenes sangrientas que nos evocan sus usuarios y las costumbres de los mismos.
Todo empieza en la cola donde se forma el respetable. La acción se inicia cuando vemos erizarse el jardín de sicarios enmascarados vestidos como militares. Al lado de la fila, pasa en procesión la Santa Muerte vestida de rojo y dorado. Detrás vienen las putas del narco, coqueteando con el publico. Vemos un noticiero proyectado anunciando la derrota del Cártel de los Troyanos a manos de Agamenón jefe del cártel de los argivos. A partir de ahí caminamos a un reventon narco, con el coro transfigurado en banda norteña, hasta cantan los narco corridos de la Orestiada, que por cierto es muy chistoso escuchar a ese ritmo aquello de los argivos, Apolo y Atenea, Zeus, eridnias y demás.
El trabajo de adaptación y puesta es bastante adecuado, aunque se debe señalar que es mejor el inicio que el final, pese al detallazo de la escultura que se devela al final y que no describo para no matar el suspenso. La parte correspondiente a la tragedia Agamenon es la mejor lograda en el ambiente de la fiesta de narcos y la balaustrada del palacio de los argivos, todo esta redondo y bien planteado. Se reconoce Esquilo pero pasa muy bien al ambiente degradado de las mafias del narco. Mas aun, es tan fácilmente reconocible que cualquiera diría que estamos hablando de cualquier día.
Sin embargo la adaptación fue sucumbiendo a la grandeza de los versos de Esquilo y va siendo menos atrevida sobre todo en la tercera parte “Eumenides” donde pese a seguir el clima de la puesta, pierde el atrevimiento y el desparpajo de la primera parte.
Es en Coeforas, la parte segunda donde Orestes mata a su madre, que el texto comienza extraviar un poco lo atrevido de la primera parte y se va hacia lo griego. Para en Eumenides prácticamente hacer la obra de Esquilo con cambio de vestuario.
Pese a esto, no queremos decir que este ni lejanamente mal, pero si pudo haber estado un poco mejor.
Y dentro del mismo orden de ideas esta el problema del tono y el estilo. Es verdad que ya no tenemos costumbre de ver griegos y esto hace que el tono nos resulte ajeno a propios y extraños, lo mismo que el estilo. En términos de estilística actoral casi es desconocida la manera de hacer teatro greco latino. La actriz que estaba mas en tono era Arianne Pellicer en una convincente Clitemnestra y en varones el Orestes de Diego Cornejo, ambos los únicos con una voz lo suficientemente poderosa para hacer griegos, que no cualquiera puede.
Incluso en términos de comparación ambos mismos actores llevaban su cuerpo de manera correcta. Apuesto a su correcta intuición, los demás actores algunos dan muy bien el estilo pero no podemos abundar mas en su trabajo por lo breve de su intervención como al Agamenon de Mario de Jesús, con irreprochable presencia y fuerza escénica o la Casandra, que ignoro a quien vi con esta manía de tener dobletes, pero bravo a la actriz que vi fuera María del Carmen Félix o Grecia Rodríguez. El Egisto de Tenoch Huerta da muy bien el tono de líder narco usurpador aunque no me pareció suficientemente grande para la imagen griega. La Nodriza de Janet Ruiz y su Atenea, están correctas, débiles en voz ambos caracteres por momentos y es que sostener la discusión a la griega no es nada fácil. La Electra de Kristian Clausen esta bien por momentos aunque el tono se escapa al final de Coeforas. La idea del coro como grupo cantante es sencillamente genial y al corifeo cantante de Hernan Romo, bueno, mas que bravo.
No se vale dejar de apuntar todo esto pero insisto en que es una aventura interesante y muy divertida acudir a este montaje itinerante de La Orestiada. Recuerdo, lleve zapatos cómodos y a partir de la segunda parte uno debe cargar su sillita y llevarla al siguiente escenario, en total 4 áreas o sea son tres caminatas y cargadas de silla, nada difícil.
Con todo resulta vivificante volver a ver griegos en la escena mexicana. Bien por este esfuerzo y bravo a las instituciones participantes. De entrada resulta muy interesante y entretenido. Así que abríguese y venga a comprobar que Esquilo se lleva muy bien con el “Art Narcó”.
Esquilo Narco
Por TESPIS
Las re lecturas de los clásicos son por lo general enriquecedoras. Sobre todo si el clásico si “pasa” a través de las modificaciones y cambios propuestos.
Unir a Esquilo con el “Art Narcó” y hacerlo en el bello espacio de la Casa del Lago de manera itinerante, pues francamente suena muy apetitoso y lo es.
Para asistir a este montaje váyase abrigado y con zapatos cómodos, ir de tacones es suicidio señoras. Esta puesta que vimos en la muestra se queda hasta diciembre así que no se pierda la oportunidad viernes y sábados las 8 pm.
El ultimo montaje integral de la Orestiada estuvo bajo la batuta de José Sole que hizo una puesta histórica a la griega, con mascaras y todo durando 6 horas. Esta Orestiada dura apenas unos 100 minutos y se viene hasta el siglo XXI apoyando su diseño visual y conceptual en el “Art Narcó”, una de las subdivisiones del “Art Nacó”.
Primero hablemos de esto. Ni duda cabe de que las expresiones estéticas de muy dudoso gusto, como las patéticas fiestas de 15 años, o el llevar a los niños vestidos de inditos a la Villa, o a los perritos y mascotas vestidos para bendecirlos en la iglesia, son expresiones, la mayoría desafortunadas, del gusto o mas bien mal gusto mexicano, exaltado y ensoberbecido de ello. Ese seria el concepto de lo naco. Por cierto evolución del cursi de los 50's y demás. Que lo era, lo ostentaba, pero al menos guardaba cierta humildad reconociendo internamente que algo no estaba bien. No, lo naco es exultante y hasta agresivo en la justificación de su horridez. El “Art Narcó” viene de esto. La mayor parte de los mexicanos reconocemos a simple vista lo que es moda y usos narcos. Emanuel Morales el creador y director de esta puesta usa todo lo visible y lo no visible del “Art Narcó” para conceptuar este montaje de Esquilo.
El terreno de la casa del lago es utilizado en integridad (Nota: Demos gracias a que ya desalojaron a los invasores del foro externo que tenían este bello lugar hecho una desgracia) se usan los alrededores nunca pasamos al interior. Y ahí se emplearan todos los recursos en vestimenta, adornos, comportamiento del “Art Narcó”. Esta “estética” brutal y desagradable, por eso entrecomille la palabra, resulta ideal por las imágenes sangrientas que nos evocan sus usuarios y las costumbres de los mismos.
Todo empieza en la cola donde se forma el respetable. La acción se inicia cuando vemos erizarse el jardín de sicarios enmascarados vestidos como militares. Al lado de la fila, pasa en procesión la Santa Muerte vestida de rojo y dorado. Detrás vienen las putas del narco, coqueteando con el publico. Vemos un noticiero proyectado anunciando la derrota del Cártel de los Troyanos a manos de Agamenón jefe del cártel de los argivos. A partir de ahí caminamos a un reventon narco, con el coro transfigurado en banda norteña, hasta cantan los narco corridos de la Orestiada, que por cierto es muy chistoso escuchar a ese ritmo aquello de los argivos, Apolo y Atenea, Zeus, eridnias y demás.
El trabajo de adaptación y puesta es bastante adecuado, aunque se debe señalar que es mejor el inicio que el final, pese al detallazo de la escultura que se devela al final y que no describo para no matar el suspenso. La parte correspondiente a la tragedia Agamenon es la mejor lograda en el ambiente de la fiesta de narcos y la balaustrada del palacio de los argivos, todo esta redondo y bien planteado. Se reconoce Esquilo pero pasa muy bien al ambiente degradado de las mafias del narco. Mas aun, es tan fácilmente reconocible que cualquiera diría que estamos hablando de cualquier día.
Sin embargo la adaptación fue sucumbiendo a la grandeza de los versos de Esquilo y va siendo menos atrevida sobre todo en la tercera parte “Eumenides” donde pese a seguir el clima de la puesta, pierde el atrevimiento y el desparpajo de la primera parte.
Es en Coeforas, la parte segunda donde Orestes mata a su madre, que el texto comienza extraviar un poco lo atrevido de la primera parte y se va hacia lo griego. Para en Eumenides prácticamente hacer la obra de Esquilo con cambio de vestuario.
Pese a esto, no queremos decir que este ni lejanamente mal, pero si pudo haber estado un poco mejor.
Y dentro del mismo orden de ideas esta el problema del tono y el estilo. Es verdad que ya no tenemos costumbre de ver griegos y esto hace que el tono nos resulte ajeno a propios y extraños, lo mismo que el estilo. En términos de estilística actoral casi es desconocida la manera de hacer teatro greco latino. La actriz que estaba mas en tono era Arianne Pellicer en una convincente Clitemnestra y en varones el Orestes de Diego Cornejo, ambos los únicos con una voz lo suficientemente poderosa para hacer griegos, que no cualquiera puede.
Incluso en términos de comparación ambos mismos actores llevaban su cuerpo de manera correcta. Apuesto a su correcta intuición, los demás actores algunos dan muy bien el estilo pero no podemos abundar mas en su trabajo por lo breve de su intervención como al Agamenon de Mario de Jesús, con irreprochable presencia y fuerza escénica o la Casandra, que ignoro a quien vi con esta manía de tener dobletes, pero bravo a la actriz que vi fuera María del Carmen Félix o Grecia Rodríguez. El Egisto de Tenoch Huerta da muy bien el tono de líder narco usurpador aunque no me pareció suficientemente grande para la imagen griega. La Nodriza de Janet Ruiz y su Atenea, están correctas, débiles en voz ambos caracteres por momentos y es que sostener la discusión a la griega no es nada fácil. La Electra de Kristian Clausen esta bien por momentos aunque el tono se escapa al final de Coeforas. La idea del coro como grupo cantante es sencillamente genial y al corifeo cantante de Hernan Romo, bueno, mas que bravo.
No se vale dejar de apuntar todo esto pero insisto en que es una aventura interesante y muy divertida acudir a este montaje itinerante de La Orestiada. Recuerdo, lleve zapatos cómodos y a partir de la segunda parte uno debe cargar su sillita y llevarla al siguiente escenario, en total 4 áreas o sea son tres caminatas y cargadas de silla, nada difícil.
Con todo resulta vivificante volver a ver griegos en la escena mexicana. Bien por este esfuerzo y bravo a las instituciones participantes. De entrada resulta muy interesante y entretenido. Así que abríguese y venga a comprobar que Esquilo se lleva muy bien con el “Art Narcó”.
LITORAL
LITORAL
Hacia el re encuentro con la imagen paterna
Por TESPIS
Llega al fin a México, la primera parte de la Tetralogía “La Sangre de las Promesas” obra de, quizá, la voz dramatúrgica mas novedosa de lo que va del siglo XXI Wajdi Mouawad, dramaturgo quebequense a quien solo me atrevo a unir por tiempo de producción de sus trabajos, con Yazmina Reza la otra voz dramatúrgica mundial.
Leyendo el catalogo de la 6a Muestra donde se estrena en el Teatro Vizcainas, espacio que solo necesita dinero para convertirse en un foro útil, leo que en genero dice Teatro Contemporáneo, lo que no nos dice nada. Creo que debería seguirse un criterio uniforme para definir géneros, existen dos escuelas, la diderotiana que es base de la metodología gringa e inglesa y la mexicana, obra de Luisa Josefina Hernández. La primera habla al publico y en genero se podría poner algo que le indique mas al respetable de que va la obra y, por otro lado, la de Luisa Josefina es una taxonomía dramática para los profesionales , por ejemplo, no hay que saber demasiado para ver que LITORAL es una Tragicomedia perfectamente estructurada dentro de lo novedoso de su tratamiento y, de acuerdo a lo que se ha comentado, un texto fundamental para la dramaturgia del siglo XXI traducido y adaptado de manera realmente esplendida por Boris Schoeman y Cesar Jaime Rodríguez. Esta traducción y adaptación demuestra que tropicalizar no es destruir, solo ayuda a entender. Así, aunque se percibe que estamos en otro país y yendo a un país aun mas lejano, el correcto cambio en el uso del idioma nos permite estar cerca emocionalmente de los personajes y de la voz del autor que se mete entre los textos de sus caracteres para dar pinceladas de poesía que quedan para la memoria colectiva. Bravisimo traducción.
Es muy extraño eso de las modas teatrales, pero no es extraño que se haya puesto de moda el dramaturgo Wajdi Mouawad, se le ha montado en diversos países con gran éxito y es fácil ver por que. Litoral es la obra que inaugura una tetralogia que explora la gran temática de nuestro propio origen, nuestras raíces, y como estas nos definen como personas. Nosotros somos de alguna manera nuestro pasado y somos el resultado de lo que fueron nuestros padres. De sangre libanesa pero criado en Francia y Canadá, Wajdi Mouawad es un dramaturgo que realmente esta proponiendo una modificación de las formas y géneros teatrales. Busca una versión actual de la tragicomedia mas inclinada a la poesía. Mouawad renuncia al realismo tradicional. Crea en escena un autentico realismo mágico. Wilfrid el protagonista de Litoral es un joven que inicia su historia haciendo una solicitud a un juez invisible, a partir de ahí hacemos un viaje a su pasado inmediato, analepsis diríamos en castellano correcto y flash back en pocho cinematográfico, yendo y viniendo al presente. A Wilfrid se le ha muerto su padre de manera repentina, la culpa lo lleva no solo a recuperar el cadáver sino a crear la intención de enterrarlo en su natal Líbano, país del que huyeran su padre y madre cuando la guerra. La madre de Wilfrid muere al nacer el, y su padre huye, Wilfrid no lo ha vuelto a ver. Sin embargo en este texto, Mouawad hace que el cadáver del padre hable constantemente con el. Lo mismo que personajes que habitan la memoria y la imaginación del inquieto Wilfrid. Aparece la madre muerta, la familia materna, un caballero Medieval que lo auxilia imaginariamente y en la segunda mitad de la historia los habitantes de ese lejano país de medio oriente que a través de la guerra como se menciona, ha asesinado a una generación entera y roto las esperanzas de la actual, que hijos de la guerra, no saben como vivir en paz.
Mouawad crea una serie de personajes casi metáforas para el reencuentro de Wilfrid y su padre con la patria lejana y desértica, Una mujer que lanza mensajes en botellas y grita al vacío “El otro esta en el cruce de los caminos”, un asesino accidental que enciende una luz al escuchar el grito y lee los mensajes, un hombre que ríe a otra persona invisible que le responde igual, con risa en la noche. Otra persona mas que trae cargando un pan y una botella de agua y al encontrarse con ellos y compartirlos entiende el sentido que tenia el traer cargando esas cosas. Una mujer que escribe en enormes directorios los nombres de los muertos de la guerra para que no se olvide. Todos se conocerán en el viaje, primero de Wilfrid y luego de todos, para enterrar el cadáver del padre, primero de Wilfrid y luego imagen paterna para todos.
Como toda tragicomedia, existen episodios ligeros y con un humor muy fresco, así como escenas que agarran el corazón como los aterradores relatos de atrocidades en la guerra que han llevado a los personajes a su momento actual.
Mouawad demuestra que no hay formas caducas en dramaturgia y abarca desde el relato personal, hasta la interrelación de pasado y presente, imaginación y realidad. Lo mas tradicional hasta lo mas moderno en una sabia trama urdida de manera emotiva. Con esto quiero decir que Litoral es muy, pero muy divertida. Tiene momentos de comedia, alternados con secuencias serias, como en toda tragicomedia, verdaderamente notables. Y, ademas, se va directo a la percepción emocional del espectador. Aunque Mouawad tiene suficiente profundidad y pericia técnica para ser analizado en términos de discurso y cuestiones densas, también es un dramaturgo que esta volcado hacia el publico con una gran capacidad para urdir historias maravillosas e interesantes. Es un poeta del drama que vuelve a regalarle al publico frases para el recuerdo y escenas con una enorme cantidad de miga actoral, aquí si hay material para trabajar rico en términos de actuación.
Creo que esta es la mayor virtud del teatrista canadiense, su vocación de escribir para el publico, no para los críticos y estudiosos. Aunque los profesionales del medio ciertamente han y hemos quedado obnubilados ante la potencia creativa de este autor.
En términos de Puesta en Escena el trabajo de Hugo Arrevillaga merece una ovación. Hugo tiene entre manos un proyecto enorme al haberse convertido en el director de Muajdi Mouawad en México Esta dupla es una bendición y un riesgo, porque cuando logras un trabajo maestro poco queda por hacer.
Litoral es un trabajo de puesta en escena totalmente redondo. No hay de mas, no hay de menos. Tiene una propuesta estética coherente al texto. El casting esta muy bien seleccionado. El lenguaje de trazo y actuación nos llevan galopando en la historia y nos conmueven sin falsos recursos. Es ademas una puesta poco fotografiable. El hecho de estar en publico siempre superara cualquier grabación en cine o video, a menos que fuera otra gran dirección. Esto es una virtud. ¿Que vas a hacer después de un trabajo maestro Hugo?. Se anuncia para mediados del 2012 la cuarta y ultima obra de la tetralogia. ¿Que pasara después?
La única pega que le pongo a esta puesta es la obcecación por reducir los aforos, creando instalaciones sobre los escenarios de los teatros. Por lo que cada función es de unas 50 personas o poco mas. Las puestas entiendo que buscan un carácter intimista, pero están tan bien trazadas que podría verse con igual calidad desde un aforo mas amplio. Tal vez, tener algunos espectadores arriba del escenario, si la idea es aumentar la exigencia de nivel actoral, pero por ejemplo el Teatro Granero seria una opción esplendida para largas temporadas. Disminuir aforos de 300 y pico a poco mas de 50 se me antoja eso, un antojo sin sentido que limita al publico. Yo al menos querría repetir litoral. ¿Como hacerlo si el acceso es complicado por el numero?, ¿se trata de llevar publico al teatro, o solamente hacerlo un ritual elitista?. Ante la ausencia de espacios escénicos que sufre nuestra ciudad, este tipo de montajes podrían abrir espacios alternativos e instalarse en largas temporadas si no se desea aumentar el aforo por función. Y deja libres espacios para aforos mayores. Aquí la posición si difiere del discurso de puesta de Arrevillaga, porque estos trabajos son para hacer 1000 funciones de mínimo 300 personas viendo, otro camino se me antoja egoísta y hasta snob.
Ahora explicarla. Para Poner a Mouawad en escena Hugo decide armar teatrinos sobre los escenarios creando áreas intimas para que actores y espectadores estén en una atmósfera intimista y un espacio realmente mínimo, donde con recursos muy escuetos por decisión estética , seguiremos el recorrido por los espacios requeridos por la historia. Aquí el espacio se recrea empleando tarimas de bodega estibadas unas sobre otras para crear, desplazándolas y reacomodandolas todos los ambientes.
El vestuario es sencillo pero bien diseñado. En tonos arena y hueso la mayoría, de una, aunque parezca contradicción, extracotidiana cotidianidad. Ropa de todos los días diseñada de tal manera que teatraliza.
Es muy destacado el trabajo de Tapioca Inn, la compañía que es la base de este proyecto, pues sus niveles actorales son muy buenos y parejos, lo que no es, para nada, común.
Guillermo Villegas toma el rol central de Wilfrid y se luce. Sus tonos, presencia, facilidad y honestidad son mas que destacados. Toda una revelación digna de premio.
Lo mismo se puede decir de los demás, Adrián Vázquez y su camaleonico trabajo en al menos 8 roles. Tomas Rojas creando una imagen paterna sensible y entrañable. Pedro Mira en su caballero, divertido y conmovedor cuando hace falta. Miguel Romero también variando en papeles y creando en cada uno un carácter memorable. Las chicas de igual manera son tres jóvenes y esplendidas actrices. Alejandra Chacon sobre todo maravillosa en Julia la madre de Wilfrid y en Josephine, la enloquecida escribiente de directorios. Rebeca Trejo que se luce como Simone y Sonia Franco que a mi en su Massi daban ganas de comérsela.
Todos hacen un trabajo encomiable con el que uno se reconcilia sin duda con el arte actoral.
Litoral esta llamado sin duda a ser uno de los mejores, si no es que el mejor montaje del 2012. Si usted ama el teatro, corra a verlo. Si usted esta dudoso o esta enojado después de alguno de los timos escénicos de Ocesa, Si usted ha visto alguna de esas cosas experimentales que no entiende ni la madre de los creativos, corra a verlo para reconciliarse con el arte. Litoral es uno de esos montajes que quedaran sin duda para la historia.
Hacia el re encuentro con la imagen paterna
Por TESPIS
Llega al fin a México, la primera parte de la Tetralogía “La Sangre de las Promesas” obra de, quizá, la voz dramatúrgica mas novedosa de lo que va del siglo XXI Wajdi Mouawad, dramaturgo quebequense a quien solo me atrevo a unir por tiempo de producción de sus trabajos, con Yazmina Reza la otra voz dramatúrgica mundial.
Leyendo el catalogo de la 6a Muestra donde se estrena en el Teatro Vizcainas, espacio que solo necesita dinero para convertirse en un foro útil, leo que en genero dice Teatro Contemporáneo, lo que no nos dice nada. Creo que debería seguirse un criterio uniforme para definir géneros, existen dos escuelas, la diderotiana que es base de la metodología gringa e inglesa y la mexicana, obra de Luisa Josefina Hernández. La primera habla al publico y en genero se podría poner algo que le indique mas al respetable de que va la obra y, por otro lado, la de Luisa Josefina es una taxonomía dramática para los profesionales , por ejemplo, no hay que saber demasiado para ver que LITORAL es una Tragicomedia perfectamente estructurada dentro de lo novedoso de su tratamiento y, de acuerdo a lo que se ha comentado, un texto fundamental para la dramaturgia del siglo XXI traducido y adaptado de manera realmente esplendida por Boris Schoeman y Cesar Jaime Rodríguez. Esta traducción y adaptación demuestra que tropicalizar no es destruir, solo ayuda a entender. Así, aunque se percibe que estamos en otro país y yendo a un país aun mas lejano, el correcto cambio en el uso del idioma nos permite estar cerca emocionalmente de los personajes y de la voz del autor que se mete entre los textos de sus caracteres para dar pinceladas de poesía que quedan para la memoria colectiva. Bravisimo traducción.
Es muy extraño eso de las modas teatrales, pero no es extraño que se haya puesto de moda el dramaturgo Wajdi Mouawad, se le ha montado en diversos países con gran éxito y es fácil ver por que. Litoral es la obra que inaugura una tetralogia que explora la gran temática de nuestro propio origen, nuestras raíces, y como estas nos definen como personas. Nosotros somos de alguna manera nuestro pasado y somos el resultado de lo que fueron nuestros padres. De sangre libanesa pero criado en Francia y Canadá, Wajdi Mouawad es un dramaturgo que realmente esta proponiendo una modificación de las formas y géneros teatrales. Busca una versión actual de la tragicomedia mas inclinada a la poesía. Mouawad renuncia al realismo tradicional. Crea en escena un autentico realismo mágico. Wilfrid el protagonista de Litoral es un joven que inicia su historia haciendo una solicitud a un juez invisible, a partir de ahí hacemos un viaje a su pasado inmediato, analepsis diríamos en castellano correcto y flash back en pocho cinematográfico, yendo y viniendo al presente. A Wilfrid se le ha muerto su padre de manera repentina, la culpa lo lleva no solo a recuperar el cadáver sino a crear la intención de enterrarlo en su natal Líbano, país del que huyeran su padre y madre cuando la guerra. La madre de Wilfrid muere al nacer el, y su padre huye, Wilfrid no lo ha vuelto a ver. Sin embargo en este texto, Mouawad hace que el cadáver del padre hable constantemente con el. Lo mismo que personajes que habitan la memoria y la imaginación del inquieto Wilfrid. Aparece la madre muerta, la familia materna, un caballero Medieval que lo auxilia imaginariamente y en la segunda mitad de la historia los habitantes de ese lejano país de medio oriente que a través de la guerra como se menciona, ha asesinado a una generación entera y roto las esperanzas de la actual, que hijos de la guerra, no saben como vivir en paz.
Mouawad crea una serie de personajes casi metáforas para el reencuentro de Wilfrid y su padre con la patria lejana y desértica, Una mujer que lanza mensajes en botellas y grita al vacío “El otro esta en el cruce de los caminos”, un asesino accidental que enciende una luz al escuchar el grito y lee los mensajes, un hombre que ríe a otra persona invisible que le responde igual, con risa en la noche. Otra persona mas que trae cargando un pan y una botella de agua y al encontrarse con ellos y compartirlos entiende el sentido que tenia el traer cargando esas cosas. Una mujer que escribe en enormes directorios los nombres de los muertos de la guerra para que no se olvide. Todos se conocerán en el viaje, primero de Wilfrid y luego de todos, para enterrar el cadáver del padre, primero de Wilfrid y luego imagen paterna para todos.
Como toda tragicomedia, existen episodios ligeros y con un humor muy fresco, así como escenas que agarran el corazón como los aterradores relatos de atrocidades en la guerra que han llevado a los personajes a su momento actual.
Mouawad demuestra que no hay formas caducas en dramaturgia y abarca desde el relato personal, hasta la interrelación de pasado y presente, imaginación y realidad. Lo mas tradicional hasta lo mas moderno en una sabia trama urdida de manera emotiva. Con esto quiero decir que Litoral es muy, pero muy divertida. Tiene momentos de comedia, alternados con secuencias serias, como en toda tragicomedia, verdaderamente notables. Y, ademas, se va directo a la percepción emocional del espectador. Aunque Mouawad tiene suficiente profundidad y pericia técnica para ser analizado en términos de discurso y cuestiones densas, también es un dramaturgo que esta volcado hacia el publico con una gran capacidad para urdir historias maravillosas e interesantes. Es un poeta del drama que vuelve a regalarle al publico frases para el recuerdo y escenas con una enorme cantidad de miga actoral, aquí si hay material para trabajar rico en términos de actuación.
Creo que esta es la mayor virtud del teatrista canadiense, su vocación de escribir para el publico, no para los críticos y estudiosos. Aunque los profesionales del medio ciertamente han y hemos quedado obnubilados ante la potencia creativa de este autor.
En términos de Puesta en Escena el trabajo de Hugo Arrevillaga merece una ovación. Hugo tiene entre manos un proyecto enorme al haberse convertido en el director de Muajdi Mouawad en México Esta dupla es una bendición y un riesgo, porque cuando logras un trabajo maestro poco queda por hacer.
Litoral es un trabajo de puesta en escena totalmente redondo. No hay de mas, no hay de menos. Tiene una propuesta estética coherente al texto. El casting esta muy bien seleccionado. El lenguaje de trazo y actuación nos llevan galopando en la historia y nos conmueven sin falsos recursos. Es ademas una puesta poco fotografiable. El hecho de estar en publico siempre superara cualquier grabación en cine o video, a menos que fuera otra gran dirección. Esto es una virtud. ¿Que vas a hacer después de un trabajo maestro Hugo?. Se anuncia para mediados del 2012 la cuarta y ultima obra de la tetralogia. ¿Que pasara después?
La única pega que le pongo a esta puesta es la obcecación por reducir los aforos, creando instalaciones sobre los escenarios de los teatros. Por lo que cada función es de unas 50 personas o poco mas. Las puestas entiendo que buscan un carácter intimista, pero están tan bien trazadas que podría verse con igual calidad desde un aforo mas amplio. Tal vez, tener algunos espectadores arriba del escenario, si la idea es aumentar la exigencia de nivel actoral, pero por ejemplo el Teatro Granero seria una opción esplendida para largas temporadas. Disminuir aforos de 300 y pico a poco mas de 50 se me antoja eso, un antojo sin sentido que limita al publico. Yo al menos querría repetir litoral. ¿Como hacerlo si el acceso es complicado por el numero?, ¿se trata de llevar publico al teatro, o solamente hacerlo un ritual elitista?. Ante la ausencia de espacios escénicos que sufre nuestra ciudad, este tipo de montajes podrían abrir espacios alternativos e instalarse en largas temporadas si no se desea aumentar el aforo por función. Y deja libres espacios para aforos mayores. Aquí la posición si difiere del discurso de puesta de Arrevillaga, porque estos trabajos son para hacer 1000 funciones de mínimo 300 personas viendo, otro camino se me antoja egoísta y hasta snob.
Ahora explicarla. Para Poner a Mouawad en escena Hugo decide armar teatrinos sobre los escenarios creando áreas intimas para que actores y espectadores estén en una atmósfera intimista y un espacio realmente mínimo, donde con recursos muy escuetos por decisión estética , seguiremos el recorrido por los espacios requeridos por la historia. Aquí el espacio se recrea empleando tarimas de bodega estibadas unas sobre otras para crear, desplazándolas y reacomodandolas todos los ambientes.
El vestuario es sencillo pero bien diseñado. En tonos arena y hueso la mayoría, de una, aunque parezca contradicción, extracotidiana cotidianidad. Ropa de todos los días diseñada de tal manera que teatraliza.
Es muy destacado el trabajo de Tapioca Inn, la compañía que es la base de este proyecto, pues sus niveles actorales son muy buenos y parejos, lo que no es, para nada, común.
Guillermo Villegas toma el rol central de Wilfrid y se luce. Sus tonos, presencia, facilidad y honestidad son mas que destacados. Toda una revelación digna de premio.
Lo mismo se puede decir de los demás, Adrián Vázquez y su camaleonico trabajo en al menos 8 roles. Tomas Rojas creando una imagen paterna sensible y entrañable. Pedro Mira en su caballero, divertido y conmovedor cuando hace falta. Miguel Romero también variando en papeles y creando en cada uno un carácter memorable. Las chicas de igual manera son tres jóvenes y esplendidas actrices. Alejandra Chacon sobre todo maravillosa en Julia la madre de Wilfrid y en Josephine, la enloquecida escribiente de directorios. Rebeca Trejo que se luce como Simone y Sonia Franco que a mi en su Massi daban ganas de comérsela.
Todos hacen un trabajo encomiable con el que uno se reconcilia sin duda con el arte actoral.
Litoral esta llamado sin duda a ser uno de los mejores, si no es que el mejor montaje del 2012. Si usted ama el teatro, corra a verlo. Si usted esta dudoso o esta enojado después de alguno de los timos escénicos de Ocesa, Si usted ha visto alguna de esas cosas experimentales que no entiende ni la madre de los creativos, corra a verlo para reconciliarse con el arte. Litoral es uno de esos montajes que quedaran sin duda para la historia.
El que Dijo si, El que dijo no
El Que Dijo Si, El Que Dijo No.
De nuevo Brecht es tan actual.
Por TESPIS
En el Teatro de la Ciudad se estreno en la 6a muestra de artes escenicas, esta nueva produccion de una de las clasicas de Berthold Brecht, fruto de una coproduccion entre el sistema de teatros del DF, la camara de la industria alemana y la compañia Teatro Sin Paredes.
Berthold Brecht es uno de los dramaturgos clasicos qe nos regalo el siglo XX, ademas de ser el creador de una teoria escenica y ademas conformar un genero teatral, el genero Didactico creado desde su teatro epico.
Aunque artista unido ideologicamente a la izquierda socialista, Brecht supo ser mas artista que politico y por eso su trabajo sigue siendo valido y no uno de esos eructos que surgieron de los artistas socialistas oficiales.
Su desarrollo como poeta y dramaturgo, su indudable sensibilidad para crear ficciones teatrales que conmovieran mas alla de su frontera y su tiempo lo ha hecho un clasico. Su arte escenico y dramaturgico representa no solo un tiempo historico social dejando constancia de el, sino que sus formas novedosas y contenidos, estan llamados a ser vigentes mucho mas alla de su epoca.
En Mexico, Brecht no es muy representado, su tecnico escenica y actoral se conoce y estudia poco. Solamente se exponen sus principios de el teatro como medio de educacion y concientizacion de las masas populares para elaborar verdaderos abortos escenicos con “mensaje” u obrillas con moralejas ridiculas. Brecht no es eso.
Brecht es Teatro Didactico, si, pero a traves de un didactica dramatica activa en escena, o sea, enseñar a traves de la presentacion de un conflicto vivo en escena, manejando una tautologia, tesis, antitesis y sintesis. Y Brecht lo invento y lo puso en practica, por eso es genio y clasico.
Ahora el genero didactico funciona para plantear grandes preguntas, las moralejas faciles se quedan para la tele.
Que agradable y que gusto ver esta nueva lectura de Brecht obra de David Psalmon y su gran equipo de actores.
Acorde a la anecdota ubicada en un oriente mitico, la produccion esta diseñada de manera minimalista con un estilo visual basado en la pureza de linea y color del arte pictorico asiatico. Una pantalla como fondo, nos ofrece un back colorido que va mutando de acuerdo a horas y lugares. Mas detalles sobrios que nos ofrecen los dos ambientes basicos, una casa y la cumbre de una cadena montañosa. Con un area luminosa para determinar el area del coro. Este adecuado y bello ambito escenico es obra de Aura Gomez.
Lo mismo puede decirse del vestuario oriental creado por Adriana Olivera. Bien resuelto y realizado que da imagen a los personajes y ofrece visualmente la categoria de los personajes. Inspirado en vestuario japones es realmente adecuado y atractivo.
Psalmon inicia supuesta con un prologo apocaliptico en Danza Butoh detras de una pantalla translucida donde se proyectan perturbadoras imagenes de la bomba atomica y nubes atormentadas. Un poco largo de acuerdo a mi apreciacion pero llevado dentro del estilo atormentado de la Danza Butoh.
La velocidad de la obra y los efectos de alejamiento, como el baile jubiloso para mudar la escena, hasta la confrontacion climatica con el publico asistente, nos permiten apreciar un montaje muy bien realizado dentro de los canones del teatro epico brechtiano, gran trabajo de David Psalmon.
La historia de “El que dijo si, El que dijo no” es sencilla. Una aldea sufre el ataque de una temible plaga viral. Un grupo de hombres saldra a buscar una cura posible en una aldea lejana detras de las peligrosas montañas. Un niño se ofrece a acompañarlos pues busca encontrar medicinas para su madre enferma. El virus es letal si no se consiguen medicinas y existe la esperanza de que se haya conseguido una cura en esa lejana aldea. El niño se ofrece a acompañarlos. Durante el viaje el niño enfermara del virus y se plantea la pregunta. ¿Que hacer?. Y el publico participara de la decision entablandose un debate y una votacion para decidir si se aplica o no la eutanasia. Que ha sido solicitada por el niño que quiere ser lanzado al acantiladao hacia el valle a ser unicamente abandonado a su suerte.
Brecht era un extraordinario poeta escenico y este musical. Si, un musical como los de Broadway pero en otro estilo. Lo demuestra con creces. La musica original de Kurt Weill ha sido reinterpretada en un trabajo notable por el musico Daniel Hidalgo. Esta es basicamente un coral grave que mantiene un leit motiv constante durante su ejecucion. Y si, aunque se sorprendan es un musical, esta clase de obras nos enseña que el genero del musical esmas grande e importante de lo que muchos pudieran suponer.
La compañia Teatro Sin Paredes, exhibe un muy buen nivel actoral y un buen desarrollo tecnico, confirmandose como uno de los grupos escenicos mas solidos de nuestro pais.
Esta obra que se estrena proximamente en un teatro del DF, es, sin duda, una de esas que debe anotarse y acudir sin falta. No es facil ver en escena montados de manera bella y correcta textos de Brecht. Asi que, hagame caso, lo va a pasar muy bien y podra expresar su sentir respecto a la eutanasia que es el gran tema del texto.
Me atrevo a decir queniños a partir de unos 8 años son perfectamente capaces de entenderlo, asi que es un montaje para toda la familia. Brecht tenia razon de que el teatro es un buen medio para despertar la conciencia del publico, no se pierda esta experiencia, por lo menos podra distinguir entre una obra que si lleva consigo un mensaje trascendente y las basuras que luego obligan a ver a los estudiantes de secundaria y prepa, hagale un bien a sus hijos llevandolos.
De nuevo Brecht es tan actual.
Por TESPIS
En el Teatro de la Ciudad se estreno en la 6a muestra de artes escenicas, esta nueva produccion de una de las clasicas de Berthold Brecht, fruto de una coproduccion entre el sistema de teatros del DF, la camara de la industria alemana y la compañia Teatro Sin Paredes.
Berthold Brecht es uno de los dramaturgos clasicos qe nos regalo el siglo XX, ademas de ser el creador de una teoria escenica y ademas conformar un genero teatral, el genero Didactico creado desde su teatro epico.
Aunque artista unido ideologicamente a la izquierda socialista, Brecht supo ser mas artista que politico y por eso su trabajo sigue siendo valido y no uno de esos eructos que surgieron de los artistas socialistas oficiales.
Su desarrollo como poeta y dramaturgo, su indudable sensibilidad para crear ficciones teatrales que conmovieran mas alla de su frontera y su tiempo lo ha hecho un clasico. Su arte escenico y dramaturgico representa no solo un tiempo historico social dejando constancia de el, sino que sus formas novedosas y contenidos, estan llamados a ser vigentes mucho mas alla de su epoca.
En Mexico, Brecht no es muy representado, su tecnico escenica y actoral se conoce y estudia poco. Solamente se exponen sus principios de el teatro como medio de educacion y concientizacion de las masas populares para elaborar verdaderos abortos escenicos con “mensaje” u obrillas con moralejas ridiculas. Brecht no es eso.
Brecht es Teatro Didactico, si, pero a traves de un didactica dramatica activa en escena, o sea, enseñar a traves de la presentacion de un conflicto vivo en escena, manejando una tautologia, tesis, antitesis y sintesis. Y Brecht lo invento y lo puso en practica, por eso es genio y clasico.
Ahora el genero didactico funciona para plantear grandes preguntas, las moralejas faciles se quedan para la tele.
Que agradable y que gusto ver esta nueva lectura de Brecht obra de David Psalmon y su gran equipo de actores.
Acorde a la anecdota ubicada en un oriente mitico, la produccion esta diseñada de manera minimalista con un estilo visual basado en la pureza de linea y color del arte pictorico asiatico. Una pantalla como fondo, nos ofrece un back colorido que va mutando de acuerdo a horas y lugares. Mas detalles sobrios que nos ofrecen los dos ambientes basicos, una casa y la cumbre de una cadena montañosa. Con un area luminosa para determinar el area del coro. Este adecuado y bello ambito escenico es obra de Aura Gomez.
Lo mismo puede decirse del vestuario oriental creado por Adriana Olivera. Bien resuelto y realizado que da imagen a los personajes y ofrece visualmente la categoria de los personajes. Inspirado en vestuario japones es realmente adecuado y atractivo.
Psalmon inicia supuesta con un prologo apocaliptico en Danza Butoh detras de una pantalla translucida donde se proyectan perturbadoras imagenes de la bomba atomica y nubes atormentadas. Un poco largo de acuerdo a mi apreciacion pero llevado dentro del estilo atormentado de la Danza Butoh.
La velocidad de la obra y los efectos de alejamiento, como el baile jubiloso para mudar la escena, hasta la confrontacion climatica con el publico asistente, nos permiten apreciar un montaje muy bien realizado dentro de los canones del teatro epico brechtiano, gran trabajo de David Psalmon.
La historia de “El que dijo si, El que dijo no” es sencilla. Una aldea sufre el ataque de una temible plaga viral. Un grupo de hombres saldra a buscar una cura posible en una aldea lejana detras de las peligrosas montañas. Un niño se ofrece a acompañarlos pues busca encontrar medicinas para su madre enferma. El virus es letal si no se consiguen medicinas y existe la esperanza de que se haya conseguido una cura en esa lejana aldea. El niño se ofrece a acompañarlos. Durante el viaje el niño enfermara del virus y se plantea la pregunta. ¿Que hacer?. Y el publico participara de la decision entablandose un debate y una votacion para decidir si se aplica o no la eutanasia. Que ha sido solicitada por el niño que quiere ser lanzado al acantiladao hacia el valle a ser unicamente abandonado a su suerte.
Brecht era un extraordinario poeta escenico y este musical. Si, un musical como los de Broadway pero en otro estilo. Lo demuestra con creces. La musica original de Kurt Weill ha sido reinterpretada en un trabajo notable por el musico Daniel Hidalgo. Esta es basicamente un coral grave que mantiene un leit motiv constante durante su ejecucion. Y si, aunque se sorprendan es un musical, esta clase de obras nos enseña que el genero del musical esmas grande e importante de lo que muchos pudieran suponer.
La compañia Teatro Sin Paredes, exhibe un muy buen nivel actoral y un buen desarrollo tecnico, confirmandose como uno de los grupos escenicos mas solidos de nuestro pais.
Esta obra que se estrena proximamente en un teatro del DF, es, sin duda, una de esas que debe anotarse y acudir sin falta. No es facil ver en escena montados de manera bella y correcta textos de Brecht. Asi que, hagame caso, lo va a pasar muy bien y podra expresar su sentir respecto a la eutanasia que es el gran tema del texto.
Me atrevo a decir queniños a partir de unos 8 años son perfectamente capaces de entenderlo, asi que es un montaje para toda la familia. Brecht tenia razon de que el teatro es un buen medio para despertar la conciencia del publico, no se pierda esta experiencia, por lo menos podra distinguir entre una obra que si lleva consigo un mensaje trascendente y las basuras que luego obligan a ver a los estudiantes de secundaria y prepa, hagale un bien a sus hijos llevandolos.
jueves, 10 de noviembre de 2011
CELSO PIÑA INAUGURACION 6a Muestra de Artes Escenicas
Celso Piña
Inauguración de la 6a muestra de Artes Escénicas
Por TESPIS
Con un retraso insólitamente breve para estos eventos, apenas 10 minutos, se inauguro la 6a Muestra de Artes Escénicas de la ciudad de México. Tal vez el proyecto mas interesante y consolidado de la Secretaria de Cultura del DF. Claro, cuando intervino la Secretaria de Cultura, Elena Cepeda, no falto el reventador que gritara desde gayola, “Siempre haciendo Campaña”, a lo que la secretaria le respondió con soltura. “Claro, siempre haciendo campaña por la cultura”, en medio de los aplausos que recibieron su respuesta que ademas estaba apoyada en el hecho presente de inaugurar esta muestra.
Dejando afuera lo anecdótico comento que tiene un buen tiempo de que no veo prendido el plafon del Teatro Esperanza Iris, el ultimo chisme hace ya bastante tiempo es de que se había quemado la instalación, pues meses van y vienen y aquello no se corrige, esperamos que no se comience a deteriorar el segundo teatro mas antiguo y tal vez el mas bello del DF.
En fin. Lo tropical nunca ha sido mi genero. Todos lo conocemos pues estamos expuesto a el en cualquier medio de transporte publico, restaurancito, torteria etc. Pero a mi, no me va. Bueno, después de este enorme concierto con Celso Piña y su ronda Bogota, al menos su música ya entro a las preferidas.
Celso Piña, el rebelde del acordeón, se presenta llevando la música colombiana, cumbia específicamente, por una larga fila de países que han bailado sus ritmos, vale decirlo, irresistibles.
El escenario solamente a cámara negra, en el, distribuidos de manera equilibrada, los 7 miembros de la Ronda Bogota con jeans y camisas negras donde se lee grande al frente, Celso Piña, en blanco.
Comienza la música y dan la bienvenida a Celso Piña con su camisa Hawaiana en tonos azules y también jeans.
El Teatro tenia una muy buena entrada pero admito que me dio mucho gusto haber participado en esta lúdica desmitificación del espacio al transformarse el Esperanza Iris en el salón de baile mas grande de la ciudad .
Con el primer numero una parejita por ahí se paro y se fue a la orilla para menearse a gusto pero con penita; con la tercera rola, el mejor lugar en el teatro era pasillo. Toda la luneta estaba en pie, lo mismo que el mezanine y el primer piso y todos le entramos al zangoloteo.
El teatro se hizo un jubiloso salón de baile y cada rola era recibida con gritos y era cantada en varias ocasiones por el publico.
No conozco bien el repertorio de Celso Piña, pero su versión de Macondo me pareció gloriosa, lo mismo que la versión cumbia de “Comandante Che Guevara”, toco, claro, todos sus hits. El básico de un arpegio muy particular en acordeón que casi puedo asegurar todos conocemos, encendió aun mas al respetable. Lo mismo que una balada cumbia , muy buena letra por cierto, que el publico canto feliz.
Total, aquello parecía mas el Foro Sol que el Teatro de la Ciudad, aunque le trajo al clásico recinto, el ambiente de fiesta y gozo comunitario que debe tener toda sala de teatro.
En términos de show, Celso Piña sabe entretener a su publico. No habla mucho entre rolas, lo necesario para retomar el resuello, pero el y su cantante de apoyo, muy bueno también para animar, hacían comentarios breves, algunos chistosos, Celso con un gran desparpajo se dirige al publico. El espectáculo es especial, no es para verse, no hay mucho que ver. Celso durante el show se mueve para acá y para allá con su acordeón, al que maneja de manera impresionante, sacándole los matices que necesita y aprovechando las cualidades sonoras al máximo. Corretea haciéndole de avioncito con los brazos abiertos y baila de caderita haciendo que el publico se divierta y aúlle. Lo mas importante es su actitud ligera. No es un show para verse insisto, hay muy poco en ese sentido. No es tampoco para experimentarse como los del Buenavista Social Club, donde estas ahí por estar con las leyendas. El show de Celso es para bailarse. Así se expresa este tipo de show, bailalo y entablaras el dialogo con el artista. Celso y su grupo, muy experimentados en esto y se les nota, están ahí para hacernos bailar y lo consiguen.
De hecho todo el tempo del show me remitió directamente al ambiente de los “sonideros”, si, esos de barriada “La Changa “ y anexas. Porque en diversas ocasiones se dedicaron a mandar saludos desde el escenario y esa es una característica muy de esos bailes sonideros. Lo máximo es ser saludado por el artista o el DJ. Y el dialogo es informal, estamos acá para bailar, no para ver o analizar sesudamente. Celso Piña es un show muy divertido, pero no se quede sentado, levántese y muévase.
Destaco del show, las fusiones de cumbia con reggaeton, con hip hop y rap que hace Celso Piña, todo el tiempo checando el sonido y dando indicaciones, aclaro que el sonido estaba muy bien.
En un momento Celso invita a dos miembros del grupo de Hip Hop Poder del Barrio, directos de Iztapalapa y que son unos esplendidos raperos y ejecutantes de beat vox, a cantar una cumbia con ele improvisar raps, los chicos lo hicieron y muy bien. Este grupo de nueve jóvenes, aunque ahora solo subieron dos, han sido un real hallazgo artístico del sistema cultural de FAROS del DF , ¡World! Que buenos son. Numerazo que prendió y aplaudió el publico.
De remate Celso invito a una bailarina que también se subió de espontanea y a mover cadera en medio de aplausos. Creo que muy pocas veces he experimentado un ambiente tan de fiesta. Pienso que esa es la mejor definición del show, un ambiente de pachanga neta. Solo nos faltaba un “drink” en la mano.
Por lo que, si algún día ve usted anunciado a Celso Piña y quiere echarse un buen rato de baile con buena música, córrale y a mover calcetín. Lleve zapatos cómodos y olvídese de la pose. Muy, muy divertido y recomendable.
Inauguración de la 6a muestra de Artes Escénicas
Por TESPIS
Con un retraso insólitamente breve para estos eventos, apenas 10 minutos, se inauguro la 6a Muestra de Artes Escénicas de la ciudad de México. Tal vez el proyecto mas interesante y consolidado de la Secretaria de Cultura del DF. Claro, cuando intervino la Secretaria de Cultura, Elena Cepeda, no falto el reventador que gritara desde gayola, “Siempre haciendo Campaña”, a lo que la secretaria le respondió con soltura. “Claro, siempre haciendo campaña por la cultura”, en medio de los aplausos que recibieron su respuesta que ademas estaba apoyada en el hecho presente de inaugurar esta muestra.
Dejando afuera lo anecdótico comento que tiene un buen tiempo de que no veo prendido el plafon del Teatro Esperanza Iris, el ultimo chisme hace ya bastante tiempo es de que se había quemado la instalación, pues meses van y vienen y aquello no se corrige, esperamos que no se comience a deteriorar el segundo teatro mas antiguo y tal vez el mas bello del DF.
En fin. Lo tropical nunca ha sido mi genero. Todos lo conocemos pues estamos expuesto a el en cualquier medio de transporte publico, restaurancito, torteria etc. Pero a mi, no me va. Bueno, después de este enorme concierto con Celso Piña y su ronda Bogota, al menos su música ya entro a las preferidas.
Celso Piña, el rebelde del acordeón, se presenta llevando la música colombiana, cumbia específicamente, por una larga fila de países que han bailado sus ritmos, vale decirlo, irresistibles.
El escenario solamente a cámara negra, en el, distribuidos de manera equilibrada, los 7 miembros de la Ronda Bogota con jeans y camisas negras donde se lee grande al frente, Celso Piña, en blanco.
Comienza la música y dan la bienvenida a Celso Piña con su camisa Hawaiana en tonos azules y también jeans.
El Teatro tenia una muy buena entrada pero admito que me dio mucho gusto haber participado en esta lúdica desmitificación del espacio al transformarse el Esperanza Iris en el salón de baile mas grande de la ciudad .
Con el primer numero una parejita por ahí se paro y se fue a la orilla para menearse a gusto pero con penita; con la tercera rola, el mejor lugar en el teatro era pasillo. Toda la luneta estaba en pie, lo mismo que el mezanine y el primer piso y todos le entramos al zangoloteo.
El teatro se hizo un jubiloso salón de baile y cada rola era recibida con gritos y era cantada en varias ocasiones por el publico.
No conozco bien el repertorio de Celso Piña, pero su versión de Macondo me pareció gloriosa, lo mismo que la versión cumbia de “Comandante Che Guevara”, toco, claro, todos sus hits. El básico de un arpegio muy particular en acordeón que casi puedo asegurar todos conocemos, encendió aun mas al respetable. Lo mismo que una balada cumbia , muy buena letra por cierto, que el publico canto feliz.
Total, aquello parecía mas el Foro Sol que el Teatro de la Ciudad, aunque le trajo al clásico recinto, el ambiente de fiesta y gozo comunitario que debe tener toda sala de teatro.
En términos de show, Celso Piña sabe entretener a su publico. No habla mucho entre rolas, lo necesario para retomar el resuello, pero el y su cantante de apoyo, muy bueno también para animar, hacían comentarios breves, algunos chistosos, Celso con un gran desparpajo se dirige al publico. El espectáculo es especial, no es para verse, no hay mucho que ver. Celso durante el show se mueve para acá y para allá con su acordeón, al que maneja de manera impresionante, sacándole los matices que necesita y aprovechando las cualidades sonoras al máximo. Corretea haciéndole de avioncito con los brazos abiertos y baila de caderita haciendo que el publico se divierta y aúlle. Lo mas importante es su actitud ligera. No es un show para verse insisto, hay muy poco en ese sentido. No es tampoco para experimentarse como los del Buenavista Social Club, donde estas ahí por estar con las leyendas. El show de Celso es para bailarse. Así se expresa este tipo de show, bailalo y entablaras el dialogo con el artista. Celso y su grupo, muy experimentados en esto y se les nota, están ahí para hacernos bailar y lo consiguen.
De hecho todo el tempo del show me remitió directamente al ambiente de los “sonideros”, si, esos de barriada “La Changa “ y anexas. Porque en diversas ocasiones se dedicaron a mandar saludos desde el escenario y esa es una característica muy de esos bailes sonideros. Lo máximo es ser saludado por el artista o el DJ. Y el dialogo es informal, estamos acá para bailar, no para ver o analizar sesudamente. Celso Piña es un show muy divertido, pero no se quede sentado, levántese y muévase.
Destaco del show, las fusiones de cumbia con reggaeton, con hip hop y rap que hace Celso Piña, todo el tiempo checando el sonido y dando indicaciones, aclaro que el sonido estaba muy bien.
En un momento Celso invita a dos miembros del grupo de Hip Hop Poder del Barrio, directos de Iztapalapa y que son unos esplendidos raperos y ejecutantes de beat vox, a cantar una cumbia con ele improvisar raps, los chicos lo hicieron y muy bien. Este grupo de nueve jóvenes, aunque ahora solo subieron dos, han sido un real hallazgo artístico del sistema cultural de FAROS del DF , ¡World! Que buenos son. Numerazo que prendió y aplaudió el publico.
De remate Celso invito a una bailarina que también se subió de espontanea y a mover cadera en medio de aplausos. Creo que muy pocas veces he experimentado un ambiente tan de fiesta. Pienso que esa es la mejor definición del show, un ambiente de pachanga neta. Solo nos faltaba un “drink” en la mano.
Por lo que, si algún día ve usted anunciado a Celso Piña y quiere echarse un buen rato de baile con buena música, córrale y a mover calcetín. Lleve zapatos cómodos y olvídese de la pose. Muy, muy divertido y recomendable.
miércoles, 19 de octubre de 2011
KNOCK,KNOCK....BRAINS
“Knock...Knock...Brains”
Ay mamá, los zombis.
Por Tespis
Cada vez que se inicia una nueva empresa teatral debiéramos los amantes del arte escénico, regocijarnos y ofrecer los mejores parabienes. Se inicio en el Teatro Ramiro Jiménez, la temporada teatral de “Knock, Knock..Brains” un espectáculo teatral con tema zombi. Zambomba, me dije. Zombis, zumbale.
El genero de muertos vivientes que buscan comerle el cerebro al vecino, se ha hecho extrañamente popular pese a que repite una y otra vez sus clichés de miedo. Y siempre es una bacteria que crea algún científico lo que desencadena el apocalipsis zombi. Acá es igual en esta... no puedo catalogarla farsa aunque debió haberse ido para allá, en fin, un melodrama como todo el genero de terror de los noveles autores y productores Mauricio Martiarena y Víctor Kawas.
Meter un tema de terror a teatro es muy difícil, dificilisimo. Porque en teatro no hay ayuda de la edición ni apoyo de la cámara y efectos especiales. Por eso la dificultad de asustar al publico, y cuando se consigue ahí esta “La Dama de Negro” con casi 20 años en escena y que terminara pronto su temporada pues ya viene la película con Daniel Radcliffe y se ve muy buena. Volviendo a los zombis. La dramaturgia es un negocio difícil, hacer algo ciertamente novedosos y atrevido requiere de bastantes conocimientos o si no, de un buen asesor detrás que te revise lo escrito. O de un varote que disfraze lo malo en regular como en OCESA muchas veces.
Por ejemplo: No es buena idea ubicar la obra en Guanajuato, creo que era Guanajuato, y que los personajes se llamen Jeff, Tom, Karen, Johny. No es buena idea ubicarla en un espacio cerrado adonde se accede solamente por una puerta colocada en tercer termino izquierda, lo que entorpece el trazo. No es buena idea hacernos pensar que esa es una habitación de una casa en Guanajuato de ladrillos enormes y amarillos con aspecto, quiero suponer de una ¿Bodega?, ¿Sótano? No se todavía que se supone lo que era ese cuarto antes del apocalipsis zombie. No es buena idea contar la historia del grupo que se va acabando, mientras uno a uno van siendo masacrados por los muertos vivientes de maneras francamente muy tontas y fuera de la vista del público y con un final que ademas de absurdo es predecible. Pero un dramaturgo novel puede ser rescatado por un director de escena eficiente.
El problema es que el Señor Bruno Boludo, el dirigidor de esta obra, carece en absoluto del mas mínimo conocimiento teatral, y si lo tiene se ocupo en disfrazarlo eficazmente. Llena el escenario con cosas tomadas de las casas de los primos, pues se nota que el dinero empezó a faltar, las que, aunque son muchas, por su absurda distribución denuncian aun mas lo patético y escaso de la producción. La iluminación es una serie de oscuros infinitos e iluminación total en azulito y amarillito, no solo escasa sino bien pobre y fea. La idea de una obra , novela, película o serie de TV de terror, es la de hacernos pensar que lo que vemos es cierto. Aun en las parodias, se debe mantener un mínimo de coherencia y veracidad si queremos que la gente se crea lo del monstruito. La dirección hizo todos los esfuerzos posibles para que si un actor o actriz daba un tono medianamente veraz, estuviera en un área absurda o fuera de tono en ese instante. El trazo es una serie de caminar pa'lla y pa'ca en lineas paralelas a proscenio, donde acude cada personaje al centro para decir sus frases. Total, una cátedra de así NO se dirige.
En el rango actoral existen dos actores que conservan increíblemente su dignidad profesional, Oscar Olivares, primer mexicano nominado a un Emmy por Capadocia, que se llevo el mejor aplauso de la noche y sin porra, lucha con uñas y dientes para dar cierta veracidad a sus textos carentes de energía y a su personaje, supuesto villanito de cartón imposible de rescatar. Harry Rivas un actor de color, colombiano, que disfraza muy bien su acento y que tiene una singularmente poderosa presencia escénica, lo que hace agradable su participación en un rol que tampoco tiene pies ni cabeza. Christian Chavez, pese a que ya ha actuado, no es actor, y le dieron ademas, el hueso de la obra, si es que alguno de estos engendritos puede ser considerado papel, pero si, es el papel mas difícil porque es de una estupidez absoluta, el bueno, bueno de buenolandia que se quiere sacrificar. Christian Chavez literalmente le hecha muchas ganas, pero de ganas no se construye un personaje.
El resto del elenco es simplemente amateur, terrible a niveles increibles el cientifico, usando unas pistolas “ultramodernas” modelo pelicula del Santo en drogas.
Al principio parecía que se iban a ir por el lado de la comedia, pero si así era la intención, pues la comedia se les cayo a medio primer acto y solo hubo algunas risas aisladas cuando el buenis buenis termina matando inocentes. Si la intención era asustar o estremecer al publico... pues tampoco por ahí, porque no existe, ni en el texto, producción y mucho menos dirección algo que logre capturar la atención del publico, no hablemos de interés y mucho menos sentimiento.
¿Se podría hacer algo por una cosa así? Pues si... hacerla musical, tirarla a la farsa absoluta y replantear la producción y la puesta, o sea todo de nuevo. Pero esto no va a suceder. Ignoro los costos, pero cualquiera que este sea, no lo vale. Evitelo por sanidad mental.
Ay mamá, los zombis.
Por Tespis
Cada vez que se inicia una nueva empresa teatral debiéramos los amantes del arte escénico, regocijarnos y ofrecer los mejores parabienes. Se inicio en el Teatro Ramiro Jiménez, la temporada teatral de “Knock, Knock..Brains” un espectáculo teatral con tema zombi. Zambomba, me dije. Zombis, zumbale.
El genero de muertos vivientes que buscan comerle el cerebro al vecino, se ha hecho extrañamente popular pese a que repite una y otra vez sus clichés de miedo. Y siempre es una bacteria que crea algún científico lo que desencadena el apocalipsis zombi. Acá es igual en esta... no puedo catalogarla farsa aunque debió haberse ido para allá, en fin, un melodrama como todo el genero de terror de los noveles autores y productores Mauricio Martiarena y Víctor Kawas.
Meter un tema de terror a teatro es muy difícil, dificilisimo. Porque en teatro no hay ayuda de la edición ni apoyo de la cámara y efectos especiales. Por eso la dificultad de asustar al publico, y cuando se consigue ahí esta “La Dama de Negro” con casi 20 años en escena y que terminara pronto su temporada pues ya viene la película con Daniel Radcliffe y se ve muy buena. Volviendo a los zombis. La dramaturgia es un negocio difícil, hacer algo ciertamente novedosos y atrevido requiere de bastantes conocimientos o si no, de un buen asesor detrás que te revise lo escrito. O de un varote que disfraze lo malo en regular como en OCESA muchas veces.
Por ejemplo: No es buena idea ubicar la obra en Guanajuato, creo que era Guanajuato, y que los personajes se llamen Jeff, Tom, Karen, Johny. No es buena idea ubicarla en un espacio cerrado adonde se accede solamente por una puerta colocada en tercer termino izquierda, lo que entorpece el trazo. No es buena idea hacernos pensar que esa es una habitación de una casa en Guanajuato de ladrillos enormes y amarillos con aspecto, quiero suponer de una ¿Bodega?, ¿Sótano? No se todavía que se supone lo que era ese cuarto antes del apocalipsis zombie. No es buena idea contar la historia del grupo que se va acabando, mientras uno a uno van siendo masacrados por los muertos vivientes de maneras francamente muy tontas y fuera de la vista del público y con un final que ademas de absurdo es predecible. Pero un dramaturgo novel puede ser rescatado por un director de escena eficiente.
El problema es que el Señor Bruno Boludo, el dirigidor de esta obra, carece en absoluto del mas mínimo conocimiento teatral, y si lo tiene se ocupo en disfrazarlo eficazmente. Llena el escenario con cosas tomadas de las casas de los primos, pues se nota que el dinero empezó a faltar, las que, aunque son muchas, por su absurda distribución denuncian aun mas lo patético y escaso de la producción. La iluminación es una serie de oscuros infinitos e iluminación total en azulito y amarillito, no solo escasa sino bien pobre y fea. La idea de una obra , novela, película o serie de TV de terror, es la de hacernos pensar que lo que vemos es cierto. Aun en las parodias, se debe mantener un mínimo de coherencia y veracidad si queremos que la gente se crea lo del monstruito. La dirección hizo todos los esfuerzos posibles para que si un actor o actriz daba un tono medianamente veraz, estuviera en un área absurda o fuera de tono en ese instante. El trazo es una serie de caminar pa'lla y pa'ca en lineas paralelas a proscenio, donde acude cada personaje al centro para decir sus frases. Total, una cátedra de así NO se dirige.
En el rango actoral existen dos actores que conservan increíblemente su dignidad profesional, Oscar Olivares, primer mexicano nominado a un Emmy por Capadocia, que se llevo el mejor aplauso de la noche y sin porra, lucha con uñas y dientes para dar cierta veracidad a sus textos carentes de energía y a su personaje, supuesto villanito de cartón imposible de rescatar. Harry Rivas un actor de color, colombiano, que disfraza muy bien su acento y que tiene una singularmente poderosa presencia escénica, lo que hace agradable su participación en un rol que tampoco tiene pies ni cabeza. Christian Chavez, pese a que ya ha actuado, no es actor, y le dieron ademas, el hueso de la obra, si es que alguno de estos engendritos puede ser considerado papel, pero si, es el papel mas difícil porque es de una estupidez absoluta, el bueno, bueno de buenolandia que se quiere sacrificar. Christian Chavez literalmente le hecha muchas ganas, pero de ganas no se construye un personaje.
El resto del elenco es simplemente amateur, terrible a niveles increibles el cientifico, usando unas pistolas “ultramodernas” modelo pelicula del Santo en drogas.
Al principio parecía que se iban a ir por el lado de la comedia, pero si así era la intención, pues la comedia se les cayo a medio primer acto y solo hubo algunas risas aisladas cuando el buenis buenis termina matando inocentes. Si la intención era asustar o estremecer al publico... pues tampoco por ahí, porque no existe, ni en el texto, producción y mucho menos dirección algo que logre capturar la atención del publico, no hablemos de interés y mucho menos sentimiento.
¿Se podría hacer algo por una cosa así? Pues si... hacerla musical, tirarla a la farsa absoluta y replantear la producción y la puesta, o sea todo de nuevo. Pero esto no va a suceder. Ignoro los costos, pero cualquiera que este sea, no lo vale. Evitelo por sanidad mental.
AULAS EN GUERRA
Aulas en Guerra
Por TESPIS
El teatro en las escuelas es una materia fundamental. El problema es también, la marejada de oportunistas que montan obritas de medio pelo supuestamente con temas actuales, que convencen unicamente a profesores ignorantes.
A veces, se ven cosas regulares y pocas veces se ven cosas buenas, siendo por lo general montajes profesionales de cartelera teatral comercial en funciones especiales.
Ahora me toco ser invitado al Teatro Tepeyac a una función de “Aulas en Guerra”, una obra que pretendida mente habla sobre el bullying, en castellano acoso escolar y que en nuestro país por carencia de un poder legislativo funcional, no tiene ni para cuando terminar.
La obra, Escrita, dirigida y producida por Miguel Ángel Pelcastre Goyo relata una historia, muy improbable de una, supongo preparatoria aunque las chicas salen vestidas como de secundaria de paga, pues empieza con un monologo de un maestro que dice estar preocupado por el bullying pero que la cosa no esta para decir que hay aulas en guerra. Suena un balazo, el maestro sale. Entran uno a uno diferentes personajes, empieza un emo luego entra el malo, tortura al emo, entra una darketa, tortura al emo, entra una chica buenona y un chavo galanzon. Se molestan entre ellos, tratan de averiguar que paso, un par de ellos salen, a una compañera, Clara, le dispararon en el baño. El maestro entra y dice lo mismo y que ellos son sospechosos. De ahí la historia se convierte en averiguar quien fue quien lo hizo. Finalmente resulta que fue un suicidio o eso entendí, y el que estuvo cerca fue el emo, si el emo fue pues no lo entendí. Y termina con el maestro rogando hablando al publico que hay que parar la violencia y el bullying, al final la chica buenona saca una pistola de su mochila. What'a fuck?, si igual me quede.
Es obvio que el problema aquí es que esta obra no habla del bullying sino es un thriller con una construcción dramática mediocre. La dirección es menearse de acá para allá y los actores hacen un uso anárquico de una supuesta libertad creativa.
Si una obra no tiene un buen libreto, no tiene una buena dirección, pues todo queda en los actores.
Pues queda muy poco. Ya que la mayoría hace un uso descarado de invocar los peores aspectos de los púberes espectadores fomentandoles el chiflido, la pataneria y la vulgaridad con tal de sacar un par de risas idiotas. Para colmo no parecen darse cuenta de que muchas son risas de burla. O por humorismo involuntario, lo que convierte al teatro en un verdadero burdel del arte escénico y las musas son llevadas, claro, al extremo de ser putas y de las baratas.
Alejandro Najera hace un emo con epilepsia, porque toda la función esta temblando y agachado solo le vi el rostro hasta el final donde volvió a agacharse. Y hablaba tan bajito para demostrar su depresión que ni con micro se oía.
Mirsha Carrillo hace a la darketa, raro porque los darketos no son agresivos, pero como se ven raro pues la hicieron una especie de pandillera. Pese a todo ella no esta del todo mal y hace lo que le pidieron hasta eso con bastante solvencia.
Ytzel Carrillo es la chica guapa y tiene buena presencia, también trabaja contra un texto que no tiene de donde asirse pero su trabajo la hace hasta medianamente aceptable. En general las dos chicas cumplen.
Jonathan Bigurra hace al galán Erick, el hueso de la obra si es que se puede calificar así a un papel en este sinsentido dramático. Trabado y a contracorriente, tenso.
Jorge Garibay es el malo de Malolandia, un supuesto golpeador escolar falso y totalmente improbable, con tatuajes en los brazos y gritando todo el tiempo. Pero eso si, haciéndose el simpático para al final demostrar que no importa ser golpeador si eres chistoso, o sea, la obra esta en contra del bullying y lo promueve celebrando al supuesto malo, no entendí. Ademas aprovechar las patanerias del publico para hacerse el gracioso es inaguantable.
El Profesor que hace José Luis Luna si esta para llorar, carece de autoridad escénica de tal manera que uno justifica que los alumnos se comporten así con un maestro tan endeble.
Una sensación de que están improvisando se percibe a lo largo de la obra, pero miento, el termino no es improvisar es chacotear en escena. ¿Como es posible desear que se desarrolle en los alumnos el gusto por el teatro si se les manda a ver estos bodrios?. Estas son las obras que yo denomino matateatros porque verlas, es desear no volver nunca a ningún teatro. Y por increíble que parezca, los chavos si son capaces de recibir algo mejor y mas profundo, pero la basura engendra basura. Ni modo. Si sus hijos tienen que asistir, si tu maestro te mando, quejate y di lo malo que fue.
Por TESPIS
El teatro en las escuelas es una materia fundamental. El problema es también, la marejada de oportunistas que montan obritas de medio pelo supuestamente con temas actuales, que convencen unicamente a profesores ignorantes.
A veces, se ven cosas regulares y pocas veces se ven cosas buenas, siendo por lo general montajes profesionales de cartelera teatral comercial en funciones especiales.
Ahora me toco ser invitado al Teatro Tepeyac a una función de “Aulas en Guerra”, una obra que pretendida mente habla sobre el bullying, en castellano acoso escolar y que en nuestro país por carencia de un poder legislativo funcional, no tiene ni para cuando terminar.
La obra, Escrita, dirigida y producida por Miguel Ángel Pelcastre Goyo relata una historia, muy improbable de una, supongo preparatoria aunque las chicas salen vestidas como de secundaria de paga, pues empieza con un monologo de un maestro que dice estar preocupado por el bullying pero que la cosa no esta para decir que hay aulas en guerra. Suena un balazo, el maestro sale. Entran uno a uno diferentes personajes, empieza un emo luego entra el malo, tortura al emo, entra una darketa, tortura al emo, entra una chica buenona y un chavo galanzon. Se molestan entre ellos, tratan de averiguar que paso, un par de ellos salen, a una compañera, Clara, le dispararon en el baño. El maestro entra y dice lo mismo y que ellos son sospechosos. De ahí la historia se convierte en averiguar quien fue quien lo hizo. Finalmente resulta que fue un suicidio o eso entendí, y el que estuvo cerca fue el emo, si el emo fue pues no lo entendí. Y termina con el maestro rogando hablando al publico que hay que parar la violencia y el bullying, al final la chica buenona saca una pistola de su mochila. What'a fuck?, si igual me quede.
Es obvio que el problema aquí es que esta obra no habla del bullying sino es un thriller con una construcción dramática mediocre. La dirección es menearse de acá para allá y los actores hacen un uso anárquico de una supuesta libertad creativa.
Si una obra no tiene un buen libreto, no tiene una buena dirección, pues todo queda en los actores.
Pues queda muy poco. Ya que la mayoría hace un uso descarado de invocar los peores aspectos de los púberes espectadores fomentandoles el chiflido, la pataneria y la vulgaridad con tal de sacar un par de risas idiotas. Para colmo no parecen darse cuenta de que muchas son risas de burla. O por humorismo involuntario, lo que convierte al teatro en un verdadero burdel del arte escénico y las musas son llevadas, claro, al extremo de ser putas y de las baratas.
Alejandro Najera hace un emo con epilepsia, porque toda la función esta temblando y agachado solo le vi el rostro hasta el final donde volvió a agacharse. Y hablaba tan bajito para demostrar su depresión que ni con micro se oía.
Mirsha Carrillo hace a la darketa, raro porque los darketos no son agresivos, pero como se ven raro pues la hicieron una especie de pandillera. Pese a todo ella no esta del todo mal y hace lo que le pidieron hasta eso con bastante solvencia.
Ytzel Carrillo es la chica guapa y tiene buena presencia, también trabaja contra un texto que no tiene de donde asirse pero su trabajo la hace hasta medianamente aceptable. En general las dos chicas cumplen.
Jonathan Bigurra hace al galán Erick, el hueso de la obra si es que se puede calificar así a un papel en este sinsentido dramático. Trabado y a contracorriente, tenso.
Jorge Garibay es el malo de Malolandia, un supuesto golpeador escolar falso y totalmente improbable, con tatuajes en los brazos y gritando todo el tiempo. Pero eso si, haciéndose el simpático para al final demostrar que no importa ser golpeador si eres chistoso, o sea, la obra esta en contra del bullying y lo promueve celebrando al supuesto malo, no entendí. Ademas aprovechar las patanerias del publico para hacerse el gracioso es inaguantable.
El Profesor que hace José Luis Luna si esta para llorar, carece de autoridad escénica de tal manera que uno justifica que los alumnos se comporten así con un maestro tan endeble.
Una sensación de que están improvisando se percibe a lo largo de la obra, pero miento, el termino no es improvisar es chacotear en escena. ¿Como es posible desear que se desarrolle en los alumnos el gusto por el teatro si se les manda a ver estos bodrios?. Estas son las obras que yo denomino matateatros porque verlas, es desear no volver nunca a ningún teatro. Y por increíble que parezca, los chavos si son capaces de recibir algo mejor y mas profundo, pero la basura engendra basura. Ni modo. Si sus hijos tienen que asistir, si tu maestro te mando, quejate y di lo malo que fue.
ASESINOS
Asesinos
Por TESPIS
En el recién renovado y cómodo Foro del Centro Cultural de la Diversidad, se presenta ASESINOS, un thriller escrito y dirigido por Carlos Armando.
Debo decir que a mi las obras que se anuncian con uno o varios chicos en ropa interior o desnudos me inspiran gran desconfianza. Cuando a mediados y finales de los años ochentas, comenzaron a proliferar los foros independientes, se hizo una “abundancia” de obras gay, en la que siempre se encueraban a la menor provocación y siempre, los personajes eran prostitutos, infieles o enamorados de un heterosexual, un bisexual u otro gay, mas promiscuo que ellos. El otro modelo de Teatro Gay era el tema manoseadisimo de la aceptación. Desfilaron por la escena, curas, “chichifos” o prostitutos masculinos y toda la fauna imaginable de machitos mexicanos viendo destruida su virilidad por ser homosexuales, que siempre tenían, ademas, que ser promiscuos o mínimo infieles.
El discursito de la eterna infelicidad y soledad gay, ademas de la eterna cantaleta de la promiscuidad, ademas de los desnudos mas o menos buenones a la menor provocación, solo consiguió hartar a un publico que emigro de nuevo a teatro convencional, al no encontrar en el Teatro Gay “algo” que les significara “algo”.
Hablo de Teatro Gay, porque, pese a la eterna cantaleta de que solo hay buen teatro o mal teatro, si se puede hablar de que hay hechos escénicos creados por artistas gay, dirigidos a la comunidad gay. Algunos son buenos ejercicios que comunican y divierten, recordaría ahora “La Fiesta” o podemos hablar de los Shows de Las Hermanas Vampiro o de Carlos Bieletto. En estos últimos casos, pueden ser tan divertidos a veces que rompen la barrera del ser para publico gay y divierten a propios y extraños como la ultima época de “Desde Gayola”.
Pero no podemos negar que tienen un “calo” y una serie de guiños que son incomprensibles al publico si este no tiene, al menos, contacto frecuente con personas gay. Algunos espectáculos son tan crípticos que ni siquiera los entiende toda la comunidad gay sino solo un sector. Algo así como el teatro regional de Merida que solo es para yucatecos.
ASESINOS, la obra que nos ocupa, aunque usa la estructura del Thriller, en genero seria un melodrama pese a que su autor la confunde con pieza, lo que no es ni de lejisimos. Decíamos, aunque usa una estructura policíaca con relato fragmentario, es un relato anticuado de la historia de un grupo de personajes gay, un chichifo, un gogo dancer, otro gogo dancer que es ademas dueño del antro y otro chichifo, que ademas es gogo dancer... ah caray, como que todos son el mismo personaje, en fin. Todos unidos en torno a su relación con un personaje que no aparece, un tal Hugo que les pone el cuerno a todos o bien los engaña, o bien los roba. Repite Carlos Armando, el ochentero esquema de que la comunidad gay esta compuesta exclusivamente de rateros, ladrones, prostitutos o curas que compran favores de chichifos.
¿Otra vez?, caray, hasta cuando van a repetir lo mismo. Ademas parece que estamos viendo una tercera o cuarta copia de “Los Chicos de la Banda” región 4. Si en Estados Unidos nadie volverá a poner esa obra porque, aunque en su época exponía la realidad de la existencia de una sociedad gay que no solo se divertía, su mensaje hoy resulta retrogrado y homofóbico. Pues acá seguimos en la misma idea, ser gay es ser escoria.
La dirección emplea solamente una indicación de lugares con cambio de sillones en una segunda área oculta por una cortina al fondo y un par de cubos practicables para indicar los separos de la policía. Caramba, hasta el judicial “mata putos” es ochentero en discurso y movimientos.
Intencionalmente lenta para “dar intensidad”, se presenta sin intermedio pero con unos oscuros inmensos entre cada escena.
El elenco esta integrado por cuatro actores mas bien atractivos y algunos muy atractivos, mas el judicial, necesariamente un actor corpulento.
Humberto Carlos, con seguridad el mejor cuerpo, lucha para darle intensidad a su papel, pero solo crea una imagen confusa, no sabemos al final si compadecerle por ser engañado o darle un zape por su comportamiento sangrón y soberbio, incluso chantajista con sus clientes. Sin embargo se queda en la superficie, varios matices se le escapan totalmente lánguidos y sin chiste. León Pablo, emplea tics y recursos muy del Método, pero aun así su actuación de “soy gay pero no lo admito” ,otra vez el tema del closet del que no salimos los mexicanos, resulta hasta ingenua. Si a eso le sumamos ser el dueño de un antro al que un gogo, o sea su empleado, lo pone como chancla, pues ya no entendí. Esto es un error de dramaturgia pero también hay que ponerle técnica actoral. Cesar Herrera se va al cliché del gay que es gogo y es un amargado por su terrible antecedente familiar. Obvio es una especie de versión rosa de Teresa pero en región 27. También externo y sobre simplificado. Alvaro Ros Tor hace al chichifo de experiencia que ademas enseña maldades al tremendito Hugo que nunca vemos. Y el también da la idea criminal. Aunque lo intenta con toda honestidad, su villano se queda en Malo de Malolandia, con sus movimientos lentos y sus miradas oblicuas. Como sucede con el judicial de Emilio Hernández, solo apoyado en su tipo físico pero sin entrañas.
Debo decir en descargo de los jóvenes actores, que se percibe un compromiso autentico. Realmente están comprometidos y dan lo mejor de si, aunque adolecen de deficiencias técnicas que no les permiten cubrir un discurso escénico, dramático y de puesta, muy anticuado. Ademas de que tienen unas agradables presencias físicas para aquellos que solo buscan un taco de ojo, para estos espectadores si hay que ver.
En resumen, si quiere pasar un ratito aceptable en un teatro, insisto, viendo un espectaculo gay, puede darse una vuelta, no dudo que habra a quien le agrade.
Nuestro, de verdad, afectuoso consejo, es que hay que actualizarse en técnicas actorales y sobre todo dramáticas y de puesta. Es un heroísmo hacer teatro y mas teatro gay. Adelante, pero deben revisar el discurso.
Por TESPIS
En el recién renovado y cómodo Foro del Centro Cultural de la Diversidad, se presenta ASESINOS, un thriller escrito y dirigido por Carlos Armando.
Debo decir que a mi las obras que se anuncian con uno o varios chicos en ropa interior o desnudos me inspiran gran desconfianza. Cuando a mediados y finales de los años ochentas, comenzaron a proliferar los foros independientes, se hizo una “abundancia” de obras gay, en la que siempre se encueraban a la menor provocación y siempre, los personajes eran prostitutos, infieles o enamorados de un heterosexual, un bisexual u otro gay, mas promiscuo que ellos. El otro modelo de Teatro Gay era el tema manoseadisimo de la aceptación. Desfilaron por la escena, curas, “chichifos” o prostitutos masculinos y toda la fauna imaginable de machitos mexicanos viendo destruida su virilidad por ser homosexuales, que siempre tenían, ademas, que ser promiscuos o mínimo infieles.
El discursito de la eterna infelicidad y soledad gay, ademas de la eterna cantaleta de la promiscuidad, ademas de los desnudos mas o menos buenones a la menor provocación, solo consiguió hartar a un publico que emigro de nuevo a teatro convencional, al no encontrar en el Teatro Gay “algo” que les significara “algo”.
Hablo de Teatro Gay, porque, pese a la eterna cantaleta de que solo hay buen teatro o mal teatro, si se puede hablar de que hay hechos escénicos creados por artistas gay, dirigidos a la comunidad gay. Algunos son buenos ejercicios que comunican y divierten, recordaría ahora “La Fiesta” o podemos hablar de los Shows de Las Hermanas Vampiro o de Carlos Bieletto. En estos últimos casos, pueden ser tan divertidos a veces que rompen la barrera del ser para publico gay y divierten a propios y extraños como la ultima época de “Desde Gayola”.
Pero no podemos negar que tienen un “calo” y una serie de guiños que son incomprensibles al publico si este no tiene, al menos, contacto frecuente con personas gay. Algunos espectáculos son tan crípticos que ni siquiera los entiende toda la comunidad gay sino solo un sector. Algo así como el teatro regional de Merida que solo es para yucatecos.
ASESINOS, la obra que nos ocupa, aunque usa la estructura del Thriller, en genero seria un melodrama pese a que su autor la confunde con pieza, lo que no es ni de lejisimos. Decíamos, aunque usa una estructura policíaca con relato fragmentario, es un relato anticuado de la historia de un grupo de personajes gay, un chichifo, un gogo dancer, otro gogo dancer que es ademas dueño del antro y otro chichifo, que ademas es gogo dancer... ah caray, como que todos son el mismo personaje, en fin. Todos unidos en torno a su relación con un personaje que no aparece, un tal Hugo que les pone el cuerno a todos o bien los engaña, o bien los roba. Repite Carlos Armando, el ochentero esquema de que la comunidad gay esta compuesta exclusivamente de rateros, ladrones, prostitutos o curas que compran favores de chichifos.
¿Otra vez?, caray, hasta cuando van a repetir lo mismo. Ademas parece que estamos viendo una tercera o cuarta copia de “Los Chicos de la Banda” región 4. Si en Estados Unidos nadie volverá a poner esa obra porque, aunque en su época exponía la realidad de la existencia de una sociedad gay que no solo se divertía, su mensaje hoy resulta retrogrado y homofóbico. Pues acá seguimos en la misma idea, ser gay es ser escoria.
La dirección emplea solamente una indicación de lugares con cambio de sillones en una segunda área oculta por una cortina al fondo y un par de cubos practicables para indicar los separos de la policía. Caramba, hasta el judicial “mata putos” es ochentero en discurso y movimientos.
Intencionalmente lenta para “dar intensidad”, se presenta sin intermedio pero con unos oscuros inmensos entre cada escena.
El elenco esta integrado por cuatro actores mas bien atractivos y algunos muy atractivos, mas el judicial, necesariamente un actor corpulento.
Humberto Carlos, con seguridad el mejor cuerpo, lucha para darle intensidad a su papel, pero solo crea una imagen confusa, no sabemos al final si compadecerle por ser engañado o darle un zape por su comportamiento sangrón y soberbio, incluso chantajista con sus clientes. Sin embargo se queda en la superficie, varios matices se le escapan totalmente lánguidos y sin chiste. León Pablo, emplea tics y recursos muy del Método, pero aun así su actuación de “soy gay pero no lo admito” ,otra vez el tema del closet del que no salimos los mexicanos, resulta hasta ingenua. Si a eso le sumamos ser el dueño de un antro al que un gogo, o sea su empleado, lo pone como chancla, pues ya no entendí. Esto es un error de dramaturgia pero también hay que ponerle técnica actoral. Cesar Herrera se va al cliché del gay que es gogo y es un amargado por su terrible antecedente familiar. Obvio es una especie de versión rosa de Teresa pero en región 27. También externo y sobre simplificado. Alvaro Ros Tor hace al chichifo de experiencia que ademas enseña maldades al tremendito Hugo que nunca vemos. Y el también da la idea criminal. Aunque lo intenta con toda honestidad, su villano se queda en Malo de Malolandia, con sus movimientos lentos y sus miradas oblicuas. Como sucede con el judicial de Emilio Hernández, solo apoyado en su tipo físico pero sin entrañas.
Debo decir en descargo de los jóvenes actores, que se percibe un compromiso autentico. Realmente están comprometidos y dan lo mejor de si, aunque adolecen de deficiencias técnicas que no les permiten cubrir un discurso escénico, dramático y de puesta, muy anticuado. Ademas de que tienen unas agradables presencias físicas para aquellos que solo buscan un taco de ojo, para estos espectadores si hay que ver.
En resumen, si quiere pasar un ratito aceptable en un teatro, insisto, viendo un espectaculo gay, puede darse una vuelta, no dudo que habra a quien le agrade.
Nuestro, de verdad, afectuoso consejo, es que hay que actualizarse en técnicas actorales y sobre todo dramáticas y de puesta. Es un heroísmo hacer teatro y mas teatro gay. Adelante, pero deben revisar el discurso.
viernes, 23 de septiembre de 2011
Lados los del actor. ¿Y esto que es?
Lados los del actor, ¿Y esto que es?
Por
TESPIS
Si hay algo cierto en mi gusto personal es mi predilección por la vanguardia y el avance escénico. Claro que esto contiene el riesgo de ver de vez en cuando verdaderas mafufadas, entendiéndose por esto espectáculos que no aportan nada pero que son motivo de estudio y justificación de becas y presupuestos.
La función de la CNT es también tomar riesgos creativos, algunos salen, otros no. El resultado final de “Lados los del actor” no puedo negar decir que es de una factura profesional y bien realizado, pero, de que hubo pifias que bien pueden darle en la torre al concepto, eso también.
Este espectáculo de Alberto García, con Carmen Mastache, Emma Dibb, Erika de Llave, Luis Rabago y Marcela Aguilar es uno de esos semi- happenings teatrales, enclavados en la moda de dramaturgia de lo real. Vamos a decirlo en palabras simples.
De manera evidente, el día de hoy tenemos dos tipos de espectáculos teatrales, los que llevan una Dramaturgia de Historia que es la que cuenta una historia de alguna manera y que es el teatro que ha visto y disfrutado la mayoría de nosotros y la Dramaturgia de Acciones, que podemos decir se inicio con el teatro del absurdo y se extrema después de la evolución propuesta por Grotowsky y Barba entre otros. Este segundo tipo es un espectáculo que hilvana acciones escénicas, con o sin texto, con relación temática o sin ella y que pretenden encontrar nuevas lineas de comunicación con el publico, nuevas formas de narrativa escénica y nuevas rutas para explorar en términos de el quehacer actoral o de dirección. Un espectáculo de dramaturgia de acciones bien logrado despierta un estado emocional en el publico y un interés absoluto. Hoy muchos dicen hacer dramaturgia de acciones.
En este espectáculo, hubo la buena idea de tratar de establecer comunicación con el publico vía celular por mensajes de texto. De hecho solicitan revises que este encendido y con señal. Hasta ahí todo bien e interesante. Luego dan la tercera llamada en francés, ingles y español. ¿Sera que se la llevaran a Europa? Que miedo la verdad.
A partir de ahí, el actor y las actrices, que comienzan sentados entre el publico vestidos de negro y con una nariz de payaso inician con monólogos una serie de reflexiones mas o menos hilvanadas sobre un director que quiere hacer un homenaje a varios dramaturgos mexicanos, cada una de las actrices habla de lo que le representa su personaje. Se reflexiona sobre la violencia y empiezan a llegar los mensajes. Comprobé ya en casa que el staff considero que todo el publico tiene un celular mínimo Blackberry con acceso a Internet. Mi cel solo es teléfono y no me interesa el acceso a web pues estoy conectado todo el tiempo vía laptop, por lo que me mandaron varios que leí hasta llegar a casa. Algunos de estos mensaje te dicen “Pregúntale a la actriz como esta su familia”. Actoralmente el espectáculo es notable pues la actuación a corta distancia, prácticamente pegados cachete con cachete al publico, es muy difícil, y lograr ahí emociones intensas veraces es en términos de actuación aterrador para actrices y actor. Digno de3 elogio que lo logran y muy requetebién.
Interesante que la obra carece de personal técnico, la compañía maneja a vista del publico, el equipo de audio y video computarizado, ignoro si era la intención pero, ver desplegados los fragmentos de video con los que interactuan de manera obvia, haciendo que supiéramos que pedacito venia después se puede resolver de otra manera técnica mas practica, en términos de video. No entendí el porque de usar así los clips video grabados.
Se canta bastante. Podríamos definir que es un Musical con Forma de Revista pues es música no escrita para este espectáculo, profundamente vanguardista.
Pero pese al trazo que sube y baja a los actores escenario, envuelve las piernas de una actriz con diurex “de a devis”, mensajes telefónicos que te dicen, este espectáculo ha sido secuestrado, usted esta en una butaca segura no se levante, etc. El elenco deslomándose en intensidad y emociones. El resultado es muy superficial.
Esto es un show mafufo. Se percibe que debe tener una de esas justificaciones que logro que parte del presupuesto dela CNT se le destinara, pero francamente no pasa nada. Son dos horas de cosas absurdas y el teatro del absurdo lleva décadas superado. Hay momentos de comedia. Al final te piden no aplaudir y no moverte hasta que te indiquen y claro que el respetable aplaudió y se salio.
Como investigación del uso escénico de los mensajes de email y celular me parece valido, pero, no se puede pensar unificando la tecnología de todo el publico a Blackberry conectado a web. O a semi inventar una, semi historieta sobre un teatrista mediocre con dos alumnas, que se va a España y sus alumnas también y una termina de puta, pensando que nos vamos a identificar o a cuestionar algo de nada.
Una chambonada útil solo para que el director obtenga una beca el año que viene o que sea miembro del grupo de creadores escénicos de Conaculta donde al parecer la idea sigue siendo hacer espectáculos obtusos y aburridos y que sobre todo deben ser incapaces de recuperar su inversión.
Si le gusta mucho la vanguardia, vaya con reservas y un Blackberry. Si le gusta que le cuenten una historia y emocionarse y divertirse. No tiene nada que hacer ahí
Se presenta en el Foro de las Artes en el CENART los fines de semana.
Por
TESPIS
Si hay algo cierto en mi gusto personal es mi predilección por la vanguardia y el avance escénico. Claro que esto contiene el riesgo de ver de vez en cuando verdaderas mafufadas, entendiéndose por esto espectáculos que no aportan nada pero que son motivo de estudio y justificación de becas y presupuestos.
La función de la CNT es también tomar riesgos creativos, algunos salen, otros no. El resultado final de “Lados los del actor” no puedo negar decir que es de una factura profesional y bien realizado, pero, de que hubo pifias que bien pueden darle en la torre al concepto, eso también.
Este espectáculo de Alberto García, con Carmen Mastache, Emma Dibb, Erika de Llave, Luis Rabago y Marcela Aguilar es uno de esos semi- happenings teatrales, enclavados en la moda de dramaturgia de lo real. Vamos a decirlo en palabras simples.
De manera evidente, el día de hoy tenemos dos tipos de espectáculos teatrales, los que llevan una Dramaturgia de Historia que es la que cuenta una historia de alguna manera y que es el teatro que ha visto y disfrutado la mayoría de nosotros y la Dramaturgia de Acciones, que podemos decir se inicio con el teatro del absurdo y se extrema después de la evolución propuesta por Grotowsky y Barba entre otros. Este segundo tipo es un espectáculo que hilvana acciones escénicas, con o sin texto, con relación temática o sin ella y que pretenden encontrar nuevas lineas de comunicación con el publico, nuevas formas de narrativa escénica y nuevas rutas para explorar en términos de el quehacer actoral o de dirección. Un espectáculo de dramaturgia de acciones bien logrado despierta un estado emocional en el publico y un interés absoluto. Hoy muchos dicen hacer dramaturgia de acciones.
En este espectáculo, hubo la buena idea de tratar de establecer comunicación con el publico vía celular por mensajes de texto. De hecho solicitan revises que este encendido y con señal. Hasta ahí todo bien e interesante. Luego dan la tercera llamada en francés, ingles y español. ¿Sera que se la llevaran a Europa? Que miedo la verdad.
A partir de ahí, el actor y las actrices, que comienzan sentados entre el publico vestidos de negro y con una nariz de payaso inician con monólogos una serie de reflexiones mas o menos hilvanadas sobre un director que quiere hacer un homenaje a varios dramaturgos mexicanos, cada una de las actrices habla de lo que le representa su personaje. Se reflexiona sobre la violencia y empiezan a llegar los mensajes. Comprobé ya en casa que el staff considero que todo el publico tiene un celular mínimo Blackberry con acceso a Internet. Mi cel solo es teléfono y no me interesa el acceso a web pues estoy conectado todo el tiempo vía laptop, por lo que me mandaron varios que leí hasta llegar a casa. Algunos de estos mensaje te dicen “Pregúntale a la actriz como esta su familia”. Actoralmente el espectáculo es notable pues la actuación a corta distancia, prácticamente pegados cachete con cachete al publico, es muy difícil, y lograr ahí emociones intensas veraces es en términos de actuación aterrador para actrices y actor. Digno de3 elogio que lo logran y muy requetebién.
Interesante que la obra carece de personal técnico, la compañía maneja a vista del publico, el equipo de audio y video computarizado, ignoro si era la intención pero, ver desplegados los fragmentos de video con los que interactuan de manera obvia, haciendo que supiéramos que pedacito venia después se puede resolver de otra manera técnica mas practica, en términos de video. No entendí el porque de usar así los clips video grabados.
Se canta bastante. Podríamos definir que es un Musical con Forma de Revista pues es música no escrita para este espectáculo, profundamente vanguardista.
Pero pese al trazo que sube y baja a los actores escenario, envuelve las piernas de una actriz con diurex “de a devis”, mensajes telefónicos que te dicen, este espectáculo ha sido secuestrado, usted esta en una butaca segura no se levante, etc. El elenco deslomándose en intensidad y emociones. El resultado es muy superficial.
Esto es un show mafufo. Se percibe que debe tener una de esas justificaciones que logro que parte del presupuesto dela CNT se le destinara, pero francamente no pasa nada. Son dos horas de cosas absurdas y el teatro del absurdo lleva décadas superado. Hay momentos de comedia. Al final te piden no aplaudir y no moverte hasta que te indiquen y claro que el respetable aplaudió y se salio.
Como investigación del uso escénico de los mensajes de email y celular me parece valido, pero, no se puede pensar unificando la tecnología de todo el publico a Blackberry conectado a web. O a semi inventar una, semi historieta sobre un teatrista mediocre con dos alumnas, que se va a España y sus alumnas también y una termina de puta, pensando que nos vamos a identificar o a cuestionar algo de nada.
Una chambonada útil solo para que el director obtenga una beca el año que viene o que sea miembro del grupo de creadores escénicos de Conaculta donde al parecer la idea sigue siendo hacer espectáculos obtusos y aburridos y que sobre todo deben ser incapaces de recuperar su inversión.
Si le gusta mucho la vanguardia, vaya con reservas y un Blackberry. Si le gusta que le cuenten una historia y emocionarse y divertirse. No tiene nada que hacer ahí
Se presenta en el Foro de las Artes en el CENART los fines de semana.
domingo, 30 de mayo de 2010
Las Sim ples Cosas
Las Simples Cosas
Cia. La Cebra Danza Gay
¨Por Tespis
Ni duda cabe que la Cebra es un grupo profesional de danza que ha encontrado su propio lenguaje a través de lo que podríamos llamar, con todas las reservas del caso, creación a partir de una orientación sexual. Han funcionado ya varios años y han llevado sus espectáculos a muy diversos foros. En esta ocasión su coreografo y director Jose Rivera formado en la danza moderna es un creativo acucioso y original.
El actual espectáculo “Las Simples Cosas” ofrece varias propuestas a través de una “historia” muy simple, un coreografo que interpreta el mismo Rivera, se enfrenta a diferentes bailarines y compañeros para al final reunir recuerdos y pasado, intentos y experiencias para quemar las naves y buscar rutas nuevas.
Lo que a simple vista sugiere un intento serio de renovar el propio lenguaje creativo. En este espectáculo se mezcla el dialogo, que es sabroso y picante. Un poco dentro del ya agotado “bitchy-talk” o sea charla entre perras, o sea platica jotita, que el mal teatro con temática gay se ha encargado de saturar, pero aun así sigue siendo efectivo en ocasiones. Es una corriente ya aceptada el no mantener un espectáculo dentro de los cánones de costumbre, ahora la danza se hace un poco teatro, el teatro un poco danza. Ya no hay rigidez en las fronteras.
De este modo en el pequeño foro “A Poco no” detrás del Teatro de la ciudad y frente a uno delos grandes crímenes del sexenio en materia cultural, la intentada desaparición del teatro Lírico el mas antiguo de nuestra ciudad, esta este foro intimo y un poco sobre las rodillas.
Pensado como un espectáculo para cabaret, Las Simples cosas esta fundado sobre canciones interpretadas por Chavela Vargas.
La ejecución es pulcra en todos los integrantes. El primer solo es bueno sobre variaciones diseñadas sobre una sola diagonal aunque no pasa de ser un buen ejercicio de solo contemporáneo. Lo siguiente que son una serie de duetos diagnósticos con rebozos semejando cabelleras son mas divertidos y originales. Pareciera que Rivera busco en este espectáculo hacer un poco el recuento de lo llevado a escena por su compañía. Una especie de revisión emocional de lo vivido a través de los años vuelto a expresar en arte. Pone así en su propia picota dancistica su gusto por Frida por ejemplo y su urgencia por dar un viso dancistico gay a elementos irónicos de la cultura nacional, por ejemplo su “versión” de la danza del venado.
Todo integra un espectáculo entretenido de poco mas de una hora de duración y que se puede ver con facilidad y agrado.
El espectáculo aunque abierto al publico adulto en general si esta un poco sectorizado. No es un espectáculo gay para gays, tampoco uno para publico en general, digamos que es adecuado para un publico con apertura mental gay o no.
Si usted quiere conocer un espacio alternativo y ver un show entretenido, vistoso y bien realizado acuda a verlo. Es una opción interesante.
Cia. La Cebra Danza Gay
¨Por Tespis
Ni duda cabe que la Cebra es un grupo profesional de danza que ha encontrado su propio lenguaje a través de lo que podríamos llamar, con todas las reservas del caso, creación a partir de una orientación sexual. Han funcionado ya varios años y han llevado sus espectáculos a muy diversos foros. En esta ocasión su coreografo y director Jose Rivera formado en la danza moderna es un creativo acucioso y original.
El actual espectáculo “Las Simples Cosas” ofrece varias propuestas a través de una “historia” muy simple, un coreografo que interpreta el mismo Rivera, se enfrenta a diferentes bailarines y compañeros para al final reunir recuerdos y pasado, intentos y experiencias para quemar las naves y buscar rutas nuevas.
Lo que a simple vista sugiere un intento serio de renovar el propio lenguaje creativo. En este espectáculo se mezcla el dialogo, que es sabroso y picante. Un poco dentro del ya agotado “bitchy-talk” o sea charla entre perras, o sea platica jotita, que el mal teatro con temática gay se ha encargado de saturar, pero aun así sigue siendo efectivo en ocasiones. Es una corriente ya aceptada el no mantener un espectáculo dentro de los cánones de costumbre, ahora la danza se hace un poco teatro, el teatro un poco danza. Ya no hay rigidez en las fronteras.
De este modo en el pequeño foro “A Poco no” detrás del Teatro de la ciudad y frente a uno delos grandes crímenes del sexenio en materia cultural, la intentada desaparición del teatro Lírico el mas antiguo de nuestra ciudad, esta este foro intimo y un poco sobre las rodillas.
Pensado como un espectáculo para cabaret, Las Simples cosas esta fundado sobre canciones interpretadas por Chavela Vargas.
La ejecución es pulcra en todos los integrantes. El primer solo es bueno sobre variaciones diseñadas sobre una sola diagonal aunque no pasa de ser un buen ejercicio de solo contemporáneo. Lo siguiente que son una serie de duetos diagnósticos con rebozos semejando cabelleras son mas divertidos y originales. Pareciera que Rivera busco en este espectáculo hacer un poco el recuento de lo llevado a escena por su compañía. Una especie de revisión emocional de lo vivido a través de los años vuelto a expresar en arte. Pone así en su propia picota dancistica su gusto por Frida por ejemplo y su urgencia por dar un viso dancistico gay a elementos irónicos de la cultura nacional, por ejemplo su “versión” de la danza del venado.
Todo integra un espectáculo entretenido de poco mas de una hora de duración y que se puede ver con facilidad y agrado.
El espectáculo aunque abierto al publico adulto en general si esta un poco sectorizado. No es un espectáculo gay para gays, tampoco uno para publico en general, digamos que es adecuado para un publico con apertura mental gay o no.
Si usted quiere conocer un espacio alternativo y ver un show entretenido, vistoso y bien realizado acuda a verlo. Es una opción interesante.
HAIRSPRAY 100 Funciones
Hairspray
Un musical no es fácil
Por Tespis
Después de chismes, desinformación y otras cosas, por fin pudimos ver en su función de 100 el Musical “Hairspray” en el siempre cómodo y bello teatro Manolo Fabregas.
Este musical triunfador en Broadway y sin duda uno de los mas exitosos de este nuevo siglo está inscrito dentro de la corriente del musical divertido y sin ninguna intención de trascendencia o profundidad. La historia de la gordita Tracy, que busca ser la estrella de su natal Baltimore, a través de un programa local de Tv. Donde conocerá al amor en Link y luchara por la integración racial en tele, todo esto salpicado con canciones estilo sesentas.
El éxito del musical en diferentes países ha sido definitivo. Hay buenas razones para ello.
Lo primero de un musical es el libreto y el de Hairspray recibió su Tony de Mejor libreto pues ademas de ser una historia divertida con un humor desbordante, se permite hablar de la integración racial y hace una critica directa al racismo, por lo que sorpresivamente hasta resulta actual. Utiliza la estructura clásica del musical, escena y después canción sobre el tema de la escena y números fuertes de presentación de cada personaje. Su escore es uno de los mas notables pues retoma el rock de los sesentas y lo reactiva con una serie de canciones que dicen mas en las letras de lo que uno mismo pueda suponer a la primera. También fue premiado en Broadway. Los personajes son entrañables, una gordita y su madre aun mas gorda, en un ambiente exótico ya por el tiempo pasado pero, aun entrañable y con mucho de memoria colectiva adentro. En fin, un producto que ciertamente es visible en cualquier país.
Ahora bien, una cosa es querer montar un éxito y otra lograrlo. Hay que decir que en términos de producción la versión de Hairspary México es prácticamente igual a la de Broadway, con algunas diferencias, cierto, pero eso ha ocurrido aquí con TODOS los montajes de reproducción que se hacen. Desde “Víctor, Victoria” a “Los Miserables”. La escenografía reproducida aquí por Salvador Nuñez hace un buen trabajo. Lo mismo puede decirse del vestuario realizado en México por Angelica García. Basado en el también premiado creado en Broadway por William Ivey Long. Algunas variaciones de menor importancia pero cumple en todos sentidos con efectividad. En ese mismo rubro se puede incluir el excelente trabajo de Jose Posada en el remontaje coreográfico, cuidadoso y efectivo lo que le da al musical el soporte vistoso que requiere. También se debe señalar la dirección musical de David Tort, precisa en su trabajo y sin error, lo que se extiende a su divertida direccion orquestal.
O sea que “Hairspray” pasa el examen de producción Aquí las pelucas son mas pequeñas y discretas que las enormes y explosivas del montaje original. Salvo esto cualquiera que quiera irla a ver y temía ver una producción distinta, pues no debe preocuparse, cuenta incluso con la pantalla de leds que ilumina el fondo del teatro.
Sin embargo la historia escénica reciente nos ha enseñado que una maquila por perfecta que esta sea, resulta una versión región 4 si no cuenta con una dirección eficiente. Aunque se intente la reproducción fiel esta resulta muerta si no hay dirección Ya paso con “Los Miserables”, con “El Fantasma de la Opera”, en “Hairspray” por desgracia la falta de dirección es mas que notable, llega incluso a lo ridículo. Para poder pasar a lo destacado paso a detallar lo que resulta el elemento mas disonante de la puesta, su propio creador y responsable. Miguel Angel Valles no peca solo de inconsciencia sino de absoluto descaro al asumir roles que no fue capaz de cubrir con solvencia o mínimo profesionalismo. La traducción y adaptación son terribles, capaces de transformar un texto divertido y libertario, en confuso, insípido, con localismos chilangos que contrastan con un intento de respetar la ubicación en Baltimore, (ciudad gringa donde comen “Puerco en Adobo” y otras botanas chilangas, de acuerdo a la adaptación) donde un espiritual cantado que habla de los recuerdos de una mujer que ha sufrido la discriminación racial se muda en una canción religiosa dirigida a Dios. (Por el mismo Dios Santísimo, no se vale tratar de hacer feliz a una actriz con determinadas creencias religiosas traicionando el sentido total de una obra) Con chistes contra gordas dichos por una gorda, Edna diciéndole a su propia hija “Mija...mona”. Chiste que no existe ni insinuado en el libreto en ingles. Resumen traducción y adaptación tache. Como ha sido también un problema endémico pues tampoco hay que azotarse contra la pared.
En dirección el resultado no es catastrófico por el espíritu del elenco y la estructura misma de la obra que se defienden de un trabajo inexistente y donde resulta obvia y desagradable la obsesiva compulsión del señor Valles por tratar de hacerse notar el mismo. Los actores fueron dejados al garete y cada uno trata de la mejor manera posible de salir adelante de acuerdo a sus capacidades y formación. Algunos lo logran, otros no. La disparidad en tonos dramáticos, donde solo dos están en el correcto, farsa, es total a lo largo y ancho de la puesta. Esta ausencia de dirección se nota en la ridícula intención de jugar al Ocesita manejando mas de un elenco lo que no asegura de ninguna manera, ni en OCESA ni aquí, la calidad de lo que va a ver el publico y los lamentables errores de casting.
Resumen, en dirección.. bueno, en eso que hizo ahí, tache absoluto e insalvable.
En el elenco como en todo, luces y sombras, en toda obra al menos una obra de estructura tradicional y ¡Oh cielos! Esta lo es, hay siempre un o una protagonista como es el caso. En esta obra la protagonista es Tracy, caramba hasta es la imagen del póster original, por eso solo sale parte de su rostro para disfrazar un poco pero evidenciar quien es la estrella del show. En este caso particular un personaje se resalta y es la interpretación por parte de un hombre del papel de la mama Edna pero, ya llegare a ello. Seguimos con Tracy, sin embargo aquí es tratado como un secundario que gira en torno a la mama y las otras estrellas, siendo que se trata al revés, la estelar es Tracy y al gravitar en torno al personaje correcto el resto se destaca, no como aquí que resulta en un batidillo confuso. Me toco ver a Denisha, chaparrita y simpática, con una gran voz y muchas ganas, pero muchas ganas no suplen técnica y preparación, aunque canta muy bien de verdad y baila con gracia, esto no basta. Denisha se esfuerza mucho y logra algo regular, careció de soporte para un papel tan fuerte e importante. El rol de Link, el galán del cuento me toco verlo con Hugo Serrano que de acuerdo al programa alterna funciones con Jose Joel en este caso esta correcto pues son actores con el mismo rango de edad y tipo pero, existen personajes que requieren de características especificas y en este caso Link necesita de un físico muy atractivo y un angelote para resultar agradables como la estrella Zach Efron que marca este rol a futuro, aunque Hugo Serrano canta bien y baila bien, su actuación también descuidada y el no estar en el rol por edad, ya es mayor para el papel, y tipo físico, no tiene ni mucho menos la galanura de un Zach Efron ni su carisma, pues le toca hacerla de galán con un resultado que no se cree nadie suponemos que el si. De nuevo tocamos el Tema Miguel Ángel Valles, si, en México tuvimos a alguien capaz de traducir, dirigir y actuar y se llamo Manolo Fabregas, pero el señor Valles no lo es ni estando en drogas. Lamentable resultado por la misma razón, primero no estar en cast, el rol de Edna lo han hecho actores de comedia no solo destacados sino muy conocidos para que funcione, Harvey Fierstein quien lo estreno es uno de los consentidos de Broadway donde incluso se da el lujo de presumir su orientación sexual, es gay, lo hizo Michael Ball en Londres el comparativo en México seria un, por la fama, un Mijares, lo vimos con Travolta. Todos al menos tienen 50 años. Valles esta lejos de esa edad y se nota, no tiene ni la carrera y calidad actoral de un Fierstein o la capacidad en canto de un Ball o la gracia bailando de un Travolta. Entonces... de nuevo el fantasma de una egomania que lo hace terminar de naufragar en lo que pudo ser y no fue el papel de su vida. Mas que lamentable. Patricio Castillo se ha caracterizado por la solidez y simpatía en sus trabajos y no es la excepción el esta en casting, simpático, apoyador. Su colmillo lo salva y se agradece su participación. En la villana Velma me toco ver a la experimentada y guapa Garda Santini, arrebata en sus números cantados, aunque esta seria y fuera de tono, un poco desigual pero cumple y bien, su presencia sin dudarlo se destaca. María del Sol como siempre una extraordinaria cantante aunque su actuación es mas que perezosa, por ahí uno o dos gestitos pero en cuanto habla se acabo la estrella, lastima tener que decir que esta gris. Jose Joel esta muy en cast y soporta el papel con solvencia, parejo, pues discute con Velma igual a como felicita a Tracy, pero estar en casting lo ayuda mucho. Un par de sorpresas; Hiromi, en una excelente Penny se robo por las buenas la función junto con Seaweed interpretado por un descollante Dante Hernandez. Ambos hicieron suyo el papel pese a no estar en cast, Hiromi no es gringa y Dante no es negro, pero aquí ambos entendieron, no se si por instinto, por suerte o el duende del teatro dijo estos dos si le van a atinar y los bendijo. Ambos están ideales, se les cree todo, se ven muy bien, sus chistes pegan, en resumen, por ellos basta pagar el boleto. Bravo, bravo, bravo. En la malvada zorrita Amber me toco ver a Carolina Laris, guapa, canta bien, pero no actúa ni en defensa propia, hace todo lo que se le indica pero es mecánica, fría y se ve solamente como una empeñosa estudiante de actuación que pese a todo no alcanza a aprobar, su personaje simplemente desaparece. Destacan por su estupenda voz y presencia el trió de las Dinamitas hecho por Ana Regina Cuaron, Marysol y Maria Chacon, aquí si no hay pero que valga, esplendidas. Gris, gris, gris, gris la participación de Alberto Isaac en dos papelitos chicos pero importantes que están ahí sin existir. Nelly Martinez en la Mama de Hiromi parecía su hermana, fuera de cast ni modo.
Como tache especial la iluminación que es particularmente pobre y fea. El audio muy bien en términos de orquesta pero el elenco no se entiende, de la mitad hacia arriba del teatro podrían decir la obra en zuahili o en kurdo que se entendería igual, la mezcla de audio esta empastelada, revuelta, no se distingue a los personajes.
Cada vez que se critica un musical hecho por alguien fuera del monopolio trato de ser benévolo pues no todo mundo cuenta con presupuestos casi ilimitados para poner lo que se quiera. Aquí también se intento pero no podemos tampoco mentir. Hairspary es una producción muy buena en el sentido de diseño, realización física y musical, reproducción de números Bien se puede decir que pasa con creces el examen a un análisis superficial. Sin duda otro hubiera sido el cuento si un Víctor Trujillo en su Beba Galvan Hace la mama de Tracy, o bien hasta un Coque Muñiz, con eso y un par de semanas de reensayo un trabajo que resulta aceptable, esto significa que lo puede pasar bien, se convertiría en un trallazo. Véalo pero con reservas.
Un musical no es fácil
Por Tespis
Después de chismes, desinformación y otras cosas, por fin pudimos ver en su función de 100 el Musical “Hairspray” en el siempre cómodo y bello teatro Manolo Fabregas.
Este musical triunfador en Broadway y sin duda uno de los mas exitosos de este nuevo siglo está inscrito dentro de la corriente del musical divertido y sin ninguna intención de trascendencia o profundidad. La historia de la gordita Tracy, que busca ser la estrella de su natal Baltimore, a través de un programa local de Tv. Donde conocerá al amor en Link y luchara por la integración racial en tele, todo esto salpicado con canciones estilo sesentas.
El éxito del musical en diferentes países ha sido definitivo. Hay buenas razones para ello.
Lo primero de un musical es el libreto y el de Hairspray recibió su Tony de Mejor libreto pues ademas de ser una historia divertida con un humor desbordante, se permite hablar de la integración racial y hace una critica directa al racismo, por lo que sorpresivamente hasta resulta actual. Utiliza la estructura clásica del musical, escena y después canción sobre el tema de la escena y números fuertes de presentación de cada personaje. Su escore es uno de los mas notables pues retoma el rock de los sesentas y lo reactiva con una serie de canciones que dicen mas en las letras de lo que uno mismo pueda suponer a la primera. También fue premiado en Broadway. Los personajes son entrañables, una gordita y su madre aun mas gorda, en un ambiente exótico ya por el tiempo pasado pero, aun entrañable y con mucho de memoria colectiva adentro. En fin, un producto que ciertamente es visible en cualquier país.
Ahora bien, una cosa es querer montar un éxito y otra lograrlo. Hay que decir que en términos de producción la versión de Hairspary México es prácticamente igual a la de Broadway, con algunas diferencias, cierto, pero eso ha ocurrido aquí con TODOS los montajes de reproducción que se hacen. Desde “Víctor, Victoria” a “Los Miserables”. La escenografía reproducida aquí por Salvador Nuñez hace un buen trabajo. Lo mismo puede decirse del vestuario realizado en México por Angelica García. Basado en el también premiado creado en Broadway por William Ivey Long. Algunas variaciones de menor importancia pero cumple en todos sentidos con efectividad. En ese mismo rubro se puede incluir el excelente trabajo de Jose Posada en el remontaje coreográfico, cuidadoso y efectivo lo que le da al musical el soporte vistoso que requiere. También se debe señalar la dirección musical de David Tort, precisa en su trabajo y sin error, lo que se extiende a su divertida direccion orquestal.
O sea que “Hairspray” pasa el examen de producción Aquí las pelucas son mas pequeñas y discretas que las enormes y explosivas del montaje original. Salvo esto cualquiera que quiera irla a ver y temía ver una producción distinta, pues no debe preocuparse, cuenta incluso con la pantalla de leds que ilumina el fondo del teatro.
Sin embargo la historia escénica reciente nos ha enseñado que una maquila por perfecta que esta sea, resulta una versión región 4 si no cuenta con una dirección eficiente. Aunque se intente la reproducción fiel esta resulta muerta si no hay dirección Ya paso con “Los Miserables”, con “El Fantasma de la Opera”, en “Hairspray” por desgracia la falta de dirección es mas que notable, llega incluso a lo ridículo. Para poder pasar a lo destacado paso a detallar lo que resulta el elemento mas disonante de la puesta, su propio creador y responsable. Miguel Angel Valles no peca solo de inconsciencia sino de absoluto descaro al asumir roles que no fue capaz de cubrir con solvencia o mínimo profesionalismo. La traducción y adaptación son terribles, capaces de transformar un texto divertido y libertario, en confuso, insípido, con localismos chilangos que contrastan con un intento de respetar la ubicación en Baltimore, (ciudad gringa donde comen “Puerco en Adobo” y otras botanas chilangas, de acuerdo a la adaptación) donde un espiritual cantado que habla de los recuerdos de una mujer que ha sufrido la discriminación racial se muda en una canción religiosa dirigida a Dios. (Por el mismo Dios Santísimo, no se vale tratar de hacer feliz a una actriz con determinadas creencias religiosas traicionando el sentido total de una obra) Con chistes contra gordas dichos por una gorda, Edna diciéndole a su propia hija “Mija...mona”. Chiste que no existe ni insinuado en el libreto en ingles. Resumen traducción y adaptación tache. Como ha sido también un problema endémico pues tampoco hay que azotarse contra la pared.
En dirección el resultado no es catastrófico por el espíritu del elenco y la estructura misma de la obra que se defienden de un trabajo inexistente y donde resulta obvia y desagradable la obsesiva compulsión del señor Valles por tratar de hacerse notar el mismo. Los actores fueron dejados al garete y cada uno trata de la mejor manera posible de salir adelante de acuerdo a sus capacidades y formación. Algunos lo logran, otros no. La disparidad en tonos dramáticos, donde solo dos están en el correcto, farsa, es total a lo largo y ancho de la puesta. Esta ausencia de dirección se nota en la ridícula intención de jugar al Ocesita manejando mas de un elenco lo que no asegura de ninguna manera, ni en OCESA ni aquí, la calidad de lo que va a ver el publico y los lamentables errores de casting.
Resumen, en dirección.. bueno, en eso que hizo ahí, tache absoluto e insalvable.
En el elenco como en todo, luces y sombras, en toda obra al menos una obra de estructura tradicional y ¡Oh cielos! Esta lo es, hay siempre un o una protagonista como es el caso. En esta obra la protagonista es Tracy, caramba hasta es la imagen del póster original, por eso solo sale parte de su rostro para disfrazar un poco pero evidenciar quien es la estrella del show. En este caso particular un personaje se resalta y es la interpretación por parte de un hombre del papel de la mama Edna pero, ya llegare a ello. Seguimos con Tracy, sin embargo aquí es tratado como un secundario que gira en torno a la mama y las otras estrellas, siendo que se trata al revés, la estelar es Tracy y al gravitar en torno al personaje correcto el resto se destaca, no como aquí que resulta en un batidillo confuso. Me toco ver a Denisha, chaparrita y simpática, con una gran voz y muchas ganas, pero muchas ganas no suplen técnica y preparación, aunque canta muy bien de verdad y baila con gracia, esto no basta. Denisha se esfuerza mucho y logra algo regular, careció de soporte para un papel tan fuerte e importante. El rol de Link, el galán del cuento me toco verlo con Hugo Serrano que de acuerdo al programa alterna funciones con Jose Joel en este caso esta correcto pues son actores con el mismo rango de edad y tipo pero, existen personajes que requieren de características especificas y en este caso Link necesita de un físico muy atractivo y un angelote para resultar agradables como la estrella Zach Efron que marca este rol a futuro, aunque Hugo Serrano canta bien y baila bien, su actuación también descuidada y el no estar en el rol por edad, ya es mayor para el papel, y tipo físico, no tiene ni mucho menos la galanura de un Zach Efron ni su carisma, pues le toca hacerla de galán con un resultado que no se cree nadie suponemos que el si. De nuevo tocamos el Tema Miguel Ángel Valles, si, en México tuvimos a alguien capaz de traducir, dirigir y actuar y se llamo Manolo Fabregas, pero el señor Valles no lo es ni estando en drogas. Lamentable resultado por la misma razón, primero no estar en cast, el rol de Edna lo han hecho actores de comedia no solo destacados sino muy conocidos para que funcione, Harvey Fierstein quien lo estreno es uno de los consentidos de Broadway donde incluso se da el lujo de presumir su orientación sexual, es gay, lo hizo Michael Ball en Londres el comparativo en México seria un, por la fama, un Mijares, lo vimos con Travolta. Todos al menos tienen 50 años. Valles esta lejos de esa edad y se nota, no tiene ni la carrera y calidad actoral de un Fierstein o la capacidad en canto de un Ball o la gracia bailando de un Travolta. Entonces... de nuevo el fantasma de una egomania que lo hace terminar de naufragar en lo que pudo ser y no fue el papel de su vida. Mas que lamentable. Patricio Castillo se ha caracterizado por la solidez y simpatía en sus trabajos y no es la excepción el esta en casting, simpático, apoyador. Su colmillo lo salva y se agradece su participación. En la villana Velma me toco ver a la experimentada y guapa Garda Santini, arrebata en sus números cantados, aunque esta seria y fuera de tono, un poco desigual pero cumple y bien, su presencia sin dudarlo se destaca. María del Sol como siempre una extraordinaria cantante aunque su actuación es mas que perezosa, por ahí uno o dos gestitos pero en cuanto habla se acabo la estrella, lastima tener que decir que esta gris. Jose Joel esta muy en cast y soporta el papel con solvencia, parejo, pues discute con Velma igual a como felicita a Tracy, pero estar en casting lo ayuda mucho. Un par de sorpresas; Hiromi, en una excelente Penny se robo por las buenas la función junto con Seaweed interpretado por un descollante Dante Hernandez. Ambos hicieron suyo el papel pese a no estar en cast, Hiromi no es gringa y Dante no es negro, pero aquí ambos entendieron, no se si por instinto, por suerte o el duende del teatro dijo estos dos si le van a atinar y los bendijo. Ambos están ideales, se les cree todo, se ven muy bien, sus chistes pegan, en resumen, por ellos basta pagar el boleto. Bravo, bravo, bravo. En la malvada zorrita Amber me toco ver a Carolina Laris, guapa, canta bien, pero no actúa ni en defensa propia, hace todo lo que se le indica pero es mecánica, fría y se ve solamente como una empeñosa estudiante de actuación que pese a todo no alcanza a aprobar, su personaje simplemente desaparece. Destacan por su estupenda voz y presencia el trió de las Dinamitas hecho por Ana Regina Cuaron, Marysol y Maria Chacon, aquí si no hay pero que valga, esplendidas. Gris, gris, gris, gris la participación de Alberto Isaac en dos papelitos chicos pero importantes que están ahí sin existir. Nelly Martinez en la Mama de Hiromi parecía su hermana, fuera de cast ni modo.
Como tache especial la iluminación que es particularmente pobre y fea. El audio muy bien en términos de orquesta pero el elenco no se entiende, de la mitad hacia arriba del teatro podrían decir la obra en zuahili o en kurdo que se entendería igual, la mezcla de audio esta empastelada, revuelta, no se distingue a los personajes.
Cada vez que se critica un musical hecho por alguien fuera del monopolio trato de ser benévolo pues no todo mundo cuenta con presupuestos casi ilimitados para poner lo que se quiera. Aquí también se intento pero no podemos tampoco mentir. Hairspary es una producción muy buena en el sentido de diseño, realización física y musical, reproducción de números Bien se puede decir que pasa con creces el examen a un análisis superficial. Sin duda otro hubiera sido el cuento si un Víctor Trujillo en su Beba Galvan Hace la mama de Tracy, o bien hasta un Coque Muñiz, con eso y un par de semanas de reensayo un trabajo que resulta aceptable, esto significa que lo puede pasar bien, se convertiría en un trallazo. Véalo pero con reservas.
domingo, 20 de septiembre de 2009
Por favor, no mande riñones por correspondencia
Por favor, no mande riñones por correspondencia
Por
Tespis
En el Foro Sor Juana Inés de la Cruz allá en CU, se presenta de jueves a domingos este espectáculo sorprendente, físico y divertido de Richard Viqueira, José Alberto Gallardo y Antonio Zúñiga.
El titulo nos dice muy poco, el saber que trata sobre los textos reales de 3 asesinos seriales, Jack el destripador, El caníbal de la Guerrero, y el asesino de Virginia Tech el joven coreano que mato a 32 personas en su universidad para quien no se acuerde, aunque nos despierta un morbo natural, no nos prepara para lo que vamos a encontrar.
Cuando uno ve una obra de vanguardia de verdad, como esta, es parte del trabajo del crítico buscar una clasificación, al menos proponerla para que quede en la memoria escrita un análisis del trabajo realizado.
Hoy podemos decir que si existen de forma separada 2 corrientes en dramaturgia. La que podemos denominar como dramaturgia de historia, que es la común, la que puede tener variaciones en su forma y genero pero que finalmente cuentan un cuento de cualquier manera. Y, por otro lado, la dramaturgia que me atrevo a denominar como Dramaturgia de acciones escénicas que englobaría a las dramaturgias de vanguardia. La denomino así porque son obras que no relatan una historia, pueden comentarla a través de sus acciones, pero no usan una estructura discernible, encadenan de manera novedosa una serie de hechos escénicos que buscan provocar una reacción emotiva, intelectual o de asombro en el espectador respecto al tema sobre el cual verse la obra.
Suena atractivo para aquellos que no son capaces de escribir una historia coherente, pero, lograr un espectáculo interesante inventando un corpus dramático especifico para una propuesta no es nada fácil y muchos, por no decir casi todos, fracasan en el intento.
En este caso si estamos ante una dramaturgia de acciones, pero, que resultado tan interesante, entretenido y divertido hasta niveles que no podía anticipar. Cuando se abre, antes de la entrada al foro, la puerta de actores y asistimos al divertido e irreverente dialogo entre dos policías vestidos de putas que buscan atrapar a Jack el destripador, me dije, esto pinta para ponerse muy bien.
Acto seguido entramos al metamórfico espacio del Sor Juana para encontrarlo lleno de bruma y con maniquíes blancos colgados a diferentes alturas y con distintas posiciones, así como escaleras de mano que hacen practicable el foro hasta su tercer piso. Por ahí pende una silla de barbero antigua, de madera. Y en las paredes recargados, los tres autores actores, vestidos un poco a la usanza inglesa de la época de nuestro Jack The Ripper.
Y a partir de ahí, una divertida y a veces acida progresión de acciones, muchas veces violentas e intensas, para hablar en teatro sobre la violencia que nos ahoga el día de hoy. Pasa de todo, grafiti, colgar a una espectadora como piñata en la silla de barbero, un salto real desde el tercer piso hacia un colchón, golpizas de verdad y otras sorpresas que no comento para que se atreva a ir a disfrutarlas o a asustarse con ellas como si paso en la función en la que estuve.
Para lograr esto hace falta una dirección muy cuidadosa que la lleva de forma magistral el siempre original Richard Viqueira. Lo mismo que un elenco de actores que se conozca y se lleve muy bien entre si, como este caso en el que son amigos de años, de otro modo resultaría imposible trabajar algo como esto.
Actuaciones comprometidas y brillantes con un desgaste físico al borde del infarto, no hay un momento de descanso para los actores. Suben y bajan escaleras, corren, se cuelgan, gritan, bailan rap, se rasuran. No es un trabajo para tibios. O posees una técnica actoral solida o puedes lastimarte físicamente de manera grave.
Para dar una aproximación del sabor estético de esta obra, quizá lo más próximo seria la estética “grunge” tan actual hoy con sus manchones y trazos en apariencia accidentales. Si, podría decir que es una obra “grunge”.
Así que está dedicada mas para un público joven y atrevido aunque haya visto poco teatro, que a un público adulto convencional que seguro tratara de salir corriendo con el primer susto o se refugiara en su butaca rezando porque se acabe pronto. Pero si usted es atrevido, vaya, lo va a pasar muy bien porque además toda la obra tiene un gran sentido del humor, que va desde la escatología a la sonrisa intelectual más lograda.
Bravísimo a sus creadores interpretes aparte de Richard, José Alberto Gallardo y Toño Zúñiga por ofrecernos un concepto, novedoso, actual y divertido. Hasta para reflexionar sobre la violencia hace falta humor y ellos lo tienen y aquí nos lo comparten. Corra a verla.
Por
Tespis
En el Foro Sor Juana Inés de la Cruz allá en CU, se presenta de jueves a domingos este espectáculo sorprendente, físico y divertido de Richard Viqueira, José Alberto Gallardo y Antonio Zúñiga.
El titulo nos dice muy poco, el saber que trata sobre los textos reales de 3 asesinos seriales, Jack el destripador, El caníbal de la Guerrero, y el asesino de Virginia Tech el joven coreano que mato a 32 personas en su universidad para quien no se acuerde, aunque nos despierta un morbo natural, no nos prepara para lo que vamos a encontrar.
Cuando uno ve una obra de vanguardia de verdad, como esta, es parte del trabajo del crítico buscar una clasificación, al menos proponerla para que quede en la memoria escrita un análisis del trabajo realizado.
Hoy podemos decir que si existen de forma separada 2 corrientes en dramaturgia. La que podemos denominar como dramaturgia de historia, que es la común, la que puede tener variaciones en su forma y genero pero que finalmente cuentan un cuento de cualquier manera. Y, por otro lado, la dramaturgia que me atrevo a denominar como Dramaturgia de acciones escénicas que englobaría a las dramaturgias de vanguardia. La denomino así porque son obras que no relatan una historia, pueden comentarla a través de sus acciones, pero no usan una estructura discernible, encadenan de manera novedosa una serie de hechos escénicos que buscan provocar una reacción emotiva, intelectual o de asombro en el espectador respecto al tema sobre el cual verse la obra.
Suena atractivo para aquellos que no son capaces de escribir una historia coherente, pero, lograr un espectáculo interesante inventando un corpus dramático especifico para una propuesta no es nada fácil y muchos, por no decir casi todos, fracasan en el intento.
En este caso si estamos ante una dramaturgia de acciones, pero, que resultado tan interesante, entretenido y divertido hasta niveles que no podía anticipar. Cuando se abre, antes de la entrada al foro, la puerta de actores y asistimos al divertido e irreverente dialogo entre dos policías vestidos de putas que buscan atrapar a Jack el destripador, me dije, esto pinta para ponerse muy bien.
Acto seguido entramos al metamórfico espacio del Sor Juana para encontrarlo lleno de bruma y con maniquíes blancos colgados a diferentes alturas y con distintas posiciones, así como escaleras de mano que hacen practicable el foro hasta su tercer piso. Por ahí pende una silla de barbero antigua, de madera. Y en las paredes recargados, los tres autores actores, vestidos un poco a la usanza inglesa de la época de nuestro Jack The Ripper.
Y a partir de ahí, una divertida y a veces acida progresión de acciones, muchas veces violentas e intensas, para hablar en teatro sobre la violencia que nos ahoga el día de hoy. Pasa de todo, grafiti, colgar a una espectadora como piñata en la silla de barbero, un salto real desde el tercer piso hacia un colchón, golpizas de verdad y otras sorpresas que no comento para que se atreva a ir a disfrutarlas o a asustarse con ellas como si paso en la función en la que estuve.
Para lograr esto hace falta una dirección muy cuidadosa que la lleva de forma magistral el siempre original Richard Viqueira. Lo mismo que un elenco de actores que se conozca y se lleve muy bien entre si, como este caso en el que son amigos de años, de otro modo resultaría imposible trabajar algo como esto.
Actuaciones comprometidas y brillantes con un desgaste físico al borde del infarto, no hay un momento de descanso para los actores. Suben y bajan escaleras, corren, se cuelgan, gritan, bailan rap, se rasuran. No es un trabajo para tibios. O posees una técnica actoral solida o puedes lastimarte físicamente de manera grave.
Para dar una aproximación del sabor estético de esta obra, quizá lo más próximo seria la estética “grunge” tan actual hoy con sus manchones y trazos en apariencia accidentales. Si, podría decir que es una obra “grunge”.
Así que está dedicada mas para un público joven y atrevido aunque haya visto poco teatro, que a un público adulto convencional que seguro tratara de salir corriendo con el primer susto o se refugiara en su butaca rezando porque se acabe pronto. Pero si usted es atrevido, vaya, lo va a pasar muy bien porque además toda la obra tiene un gran sentido del humor, que va desde la escatología a la sonrisa intelectual más lograda.
Bravísimo a sus creadores interpretes aparte de Richard, José Alberto Gallardo y Toño Zúñiga por ofrecernos un concepto, novedoso, actual y divertido. Hasta para reflexionar sobre la violencia hace falta humor y ellos lo tienen y aquí nos lo comparten. Corra a verla.
sábado, 19 de septiembre de 2009
La Lengua de los Muertos
La Lengua de los muertos.
Por:
Tespis.
En el pequeño teatro El Milagro, David Olguin, estrena esta pieza muy ad-hoc con nuestros centenarios en horarios normales de jueves a domingo.
El teatro sobre temas históricos nacionales había estado huérfano de textos mucho tiempo hasta las dos piezas de Flavio Gonzalez Mello; “Lascurain” y “1822”, curiosamente ambas de gran éxito el cual deseamos se haga extensivo a esta nueva propuesta que abre de nuevo la visión dramatúrgica sobre nuestra historia.
La Lengua de los muertos, versa sobre la noche en que fue asesinado brutalmente Belisario Dominguez, es el enfrentamiento entre el ex - secretario de gobernación de Victoriano Huerta, el original “medico asesino” Dr. Aureliano Urrutia y el icono de la retorica política. De la leyenda oficialista de la mutilación de lengua que, se dijo durante años, sufrió Belisario Dominguez a manos de el mejor medico cirujano de su tiempo. Con la participación entusiasta y siniestra de un policía de la “reservada” de Huerta, lease un judicial de hoy. Es la revisión del mito que llego al exceso de plantear que a Dominguez le cortaron una mano y fue capaz de arrojársela a la cara al perverso galeno, o de que le cortaron un índice con el que había señalado a Huerta con su celebre “Yo acuso”.
Pero esta obra es mucho mas que una crónica histórica, es una reflexión sobre la corrupción que nace del poder total y de la imposibilidad de ser ético siendo político. Pero no asustarse, la obra es muy divertida, muy entretenida y emocionante. Claro que el tema y la situación son duros y son expuestos de manera dura pero Olguin logra una obra casi thriller por su capacidad de seducción escénica.
La dirección del mismo dramaturgo es sobria y efectiva, logra dar el tono exacto a su tragedia manteniendo a los actores en un diapasón emotivo alto e intenso con logrados rompimientos que sirven de estimulos para no dejarnos escapar de la tensión. Todo esto en un espacio escénico muy minimalista pero profundamente estético de Gabriel Pascal que además hace una de sus acostumbradas iluminaciones esplendidas, subrayadas por una muy buena proyección de video y un diseño de audio destacados obra de Rodrigo Espinoza.
Bravo para un gran elenco. Rodolfo Guerrero crea un Dr. Urrutia esplendido, poderoso y desaforado, un gran villano escénico como se ven muy pocos y menos aun como , protagonistas. Un trabajo digno de premio. Lo mismo puede decirse del logradísimo Belisario Dominguez de Humberto Solorzano que sobrepasa las dificultades que trae siempre el representar a un personaje histórico en otro trabajo también digno de premio. Entre ambos logran un duelo actoral de esos que da gusto contemplar.
Al lado de ellos el intencionalmente farsico “Matarratas” de Gerardo Taracena, cuya farsa solo exalta lo perverso del personaje, en un trabajo que desespera por lo que nos recuerda de nuestras policías actuales. Felicidades.
Es impactante la actualidad de esta obra que nos hace pensar en política por medio de un muy buen texto perfectamente estructurado. Recibimos una gran cantidad de información histórica, de reflexión ética, de pensamiento político sin sufrir nunca de didactismo. Pienso que la mejor virtud de La Lengua de los muertos como obra teatral es que toma muy en cuenta el aspecto de diversión que debe tener el teatro. Si, una tragedia, aun tocando un tema morboso como la tortura, además de divertir debe capturar la atención del publico y aquí se logran ambas cosas, incluso sin intermedio , el tiempo se pasa volando.
La lengua de los muertos es un espectáculo que debe verse, no solo por su evidente actualidad conmemorativa, sino porque es acudir a gozar de una puesta muy bien lograda en todos los aspectos y de unas actuaciones intensas como ya se disfrutan pocas.
No se quede con las ganas de acudir, vaya a verla a este amable espacio escénico. Vale mucho la pena y tendrá usted mas de un buen tema para discutir. No falte.
Por:
Tespis.
En el pequeño teatro El Milagro, David Olguin, estrena esta pieza muy ad-hoc con nuestros centenarios en horarios normales de jueves a domingo.
El teatro sobre temas históricos nacionales había estado huérfano de textos mucho tiempo hasta las dos piezas de Flavio Gonzalez Mello; “Lascurain” y “1822”, curiosamente ambas de gran éxito el cual deseamos se haga extensivo a esta nueva propuesta que abre de nuevo la visión dramatúrgica sobre nuestra historia.
La Lengua de los muertos, versa sobre la noche en que fue asesinado brutalmente Belisario Dominguez, es el enfrentamiento entre el ex - secretario de gobernación de Victoriano Huerta, el original “medico asesino” Dr. Aureliano Urrutia y el icono de la retorica política. De la leyenda oficialista de la mutilación de lengua que, se dijo durante años, sufrió Belisario Dominguez a manos de el mejor medico cirujano de su tiempo. Con la participación entusiasta y siniestra de un policía de la “reservada” de Huerta, lease un judicial de hoy. Es la revisión del mito que llego al exceso de plantear que a Dominguez le cortaron una mano y fue capaz de arrojársela a la cara al perverso galeno, o de que le cortaron un índice con el que había señalado a Huerta con su celebre “Yo acuso”.
Pero esta obra es mucho mas que una crónica histórica, es una reflexión sobre la corrupción que nace del poder total y de la imposibilidad de ser ético siendo político. Pero no asustarse, la obra es muy divertida, muy entretenida y emocionante. Claro que el tema y la situación son duros y son expuestos de manera dura pero Olguin logra una obra casi thriller por su capacidad de seducción escénica.
La dirección del mismo dramaturgo es sobria y efectiva, logra dar el tono exacto a su tragedia manteniendo a los actores en un diapasón emotivo alto e intenso con logrados rompimientos que sirven de estimulos para no dejarnos escapar de la tensión. Todo esto en un espacio escénico muy minimalista pero profundamente estético de Gabriel Pascal que además hace una de sus acostumbradas iluminaciones esplendidas, subrayadas por una muy buena proyección de video y un diseño de audio destacados obra de Rodrigo Espinoza.
Bravo para un gran elenco. Rodolfo Guerrero crea un Dr. Urrutia esplendido, poderoso y desaforado, un gran villano escénico como se ven muy pocos y menos aun como , protagonistas. Un trabajo digno de premio. Lo mismo puede decirse del logradísimo Belisario Dominguez de Humberto Solorzano que sobrepasa las dificultades que trae siempre el representar a un personaje histórico en otro trabajo también digno de premio. Entre ambos logran un duelo actoral de esos que da gusto contemplar.
Al lado de ellos el intencionalmente farsico “Matarratas” de Gerardo Taracena, cuya farsa solo exalta lo perverso del personaje, en un trabajo que desespera por lo que nos recuerda de nuestras policías actuales. Felicidades.
Es impactante la actualidad de esta obra que nos hace pensar en política por medio de un muy buen texto perfectamente estructurado. Recibimos una gran cantidad de información histórica, de reflexión ética, de pensamiento político sin sufrir nunca de didactismo. Pienso que la mejor virtud de La Lengua de los muertos como obra teatral es que toma muy en cuenta el aspecto de diversión que debe tener el teatro. Si, una tragedia, aun tocando un tema morboso como la tortura, además de divertir debe capturar la atención del publico y aquí se logran ambas cosas, incluso sin intermedio , el tiempo se pasa volando.
La lengua de los muertos es un espectáculo que debe verse, no solo por su evidente actualidad conmemorativa, sino porque es acudir a gozar de una puesta muy bien lograda en todos los aspectos y de unas actuaciones intensas como ya se disfrutan pocas.
No se quede con las ganas de acudir, vaya a verla a este amable espacio escénico. Vale mucho la pena y tendrá usted mas de un buen tema para discutir. No falte.
martes, 15 de septiembre de 2009
Jugar a Morir.
Jugar a morir
Palabras en imagen
Por
Tespis
Dentro del programa Teatro para todos 2009, una de las mejores y más atrevidas iniciativas del IMSS en muchos años, se presenta en el Teatro Julio Prieto (Xola) la obra “Jugar a morir, Pizarnik en el país de las maravillas” todos los Lunes y Martes a partir de hoy y hasta Noviembre.
Confieso que llegue al teatro sin ninguna actitud, ni buena, ni mala. Y al iniciarse la obra que abre con el personaje de Ostrov sentado en un sillón mientras entra el público, al abrirse el telón, ¡Oh, sorpresa! Se ha iniciado el espectáculo de multimedia escénica y espacios manejados a través de imágenes lanzadas por tres video proyectores, más impresionante y perfecto en ejecución y desarrollo que se ha visto por acá en mucho tiempo. Vamos por partes.
Alejandra Pizarnik como nos informa correctamente el programa (indispensable leerlo por cierto para poder entender) fue una poetisa argentina de los 50’s suicida a los treinta y varios. Con una obra dolorosa y potente, centrada en sí misma y su angustia existencial. Suena denso, lo es, pero, que gran poetisa a la que confieso no conocía en absoluto y que merced a esta obra ahora he comenzado a leer con gran placer.
La obra, original de Zaria Abreu, maneja; a través de diálogos entre la Pizarnik y su sicoanalista Ostrov y consigo misma y sus angustiosas personalidades; el proceso de destrucción mental y emocional que viviera la poetisa, encuadrándolo simbólicamente en el cuento de Alicia en el país de las maravillas. Desde el principio sabemos que estamos navegando en la locura lucida de esta escritora y que finalmente morirá, pero con una dramaturgia novedosa, plena de momentos llenos de teatralidad pura Zaria Abreu nos lleva a conocer y claro, admirar y entender un poco a esta artista, que se une a poetisas dolientes como lo fuera, en otra medida y sentido, Enriqueta Ochoa que no se suicido pero también escribió poesía personalísima a partir de sí misma.
Debo destacar que Zaria es becaria FONCA y por este trabajo más que merecidamente. Pocas veces se ven en escena textos de autentica vanguardia escénica y este es uno de esos.
La puesta en escena, esplendida y reitero de autentica vanguardia, de Gabriel Figueroa Pacheco, nos introduce con un director imaginativo y acucioso, obviamente obsesionado con el detalle. La Puesta y producción física manejan una complejidad y una riqueza visual apabullantes. El escenario estalla visual y emotivamente. Que agradable sorpresa conocer el trabajo de Gabriel.
Aquí su labor como generador y coordinador del gran grupo de colaboradores rinde fruto por el excelente resultado. Disfrutamos un autentico show multimedia con espacios creados a partir de proyecciones fijas o en movimiento. Escuche que se llevaron 4 meses para lograr esa perfección visual. No exagero, la obra en términos de producción no tiene nada que pedir y si mucho que mostrar a OCESA y CNT e incluso a muchos teatristas extranjeros. Por establecer un nexo respecto a la novedad escénica que se ve aquí solo podría comparar con algunas propuestas de Fura del Baus o Els Comediens. El producto final es impecable. De hecho leemos parte de los versos de Pizarnik en las muy bellas imágenes en cambio constante desde el inicio hasta el final de la obra. Destaco los trabajos para lograrlo de Alain Kerriou en escenografía y videoarte, las iluminación de Hugo Heredia, La coreografía de Ramón Solano, el diseño sonoro de Ricardo Cortes, que al lado de sus equipos logran una puesta de avanzada que justifica becas y apoyos.
El elenco es muy bueno, ¡Bravo! Micaela Gramajo en su “Alejandra”, intensa y profunda. Con el compromiso de las buenas actrices, a su lado Tony Marcin en la “Sasha” con una fuerza escénica que no es común. Arnoldo Picazzo en el Ostrov lucha y vence en un rol difícil como interlocutor masculino en un universo mental femenino. Frida Islas y Florencia Sandoval también logran con creces sus respectivos roles con esa frescura que da la experiencia actoral de jóvenes preparadas.
Ahora bien, también los espectadores de teatro tienen edad, me refiero a que existen espectadores adultos con gran experiencia en ver teatro, así como adolescentes e infantes, según la cantidad y calidad de las puestas que hayan visto. Explico esto porque esta es una obra definitivamente hecha y concebida para espectadores adultos o… adolescentes atrevidos, teatralmente hablando por supuesto. Es una obra que si lo modifica a uno como espectador pero que no es fácil ni fácil de digerir. Está en un acto y al final si resulta a mi percepción 20 minutos larga. Por lo mismo y por lo denso del tema y tono puede resultar un poco pesada para algunos. Si, debo decirlo, no es una obra digestiva para ver y olvidar, es un espectáculo que requiere de un público atrevido e inteligente.
En resumen, Jugar a morir, es una esplendida opción para hacer y ver algo interesante los lunes y martes, además a un precio risible de $50.00 pesos solamente y aplican descuentos, francamente no hay pretexto para no acudir. Eso si, repito, es intensa, es densa, un poco larga, maravillosa visualmente y nos permite acercarnos al interior del alma de una intensa y bastante loca artista, pero no es fácil. Así que ya lo sabe, aviéntese una vuelta por el Teatro Julio Prieto para darse el placer de crecer como espectador teatral.
Palabras en imagen
Por
Tespis
Dentro del programa Teatro para todos 2009, una de las mejores y más atrevidas iniciativas del IMSS en muchos años, se presenta en el Teatro Julio Prieto (Xola) la obra “Jugar a morir, Pizarnik en el país de las maravillas” todos los Lunes y Martes a partir de hoy y hasta Noviembre.
Confieso que llegue al teatro sin ninguna actitud, ni buena, ni mala. Y al iniciarse la obra que abre con el personaje de Ostrov sentado en un sillón mientras entra el público, al abrirse el telón, ¡Oh, sorpresa! Se ha iniciado el espectáculo de multimedia escénica y espacios manejados a través de imágenes lanzadas por tres video proyectores, más impresionante y perfecto en ejecución y desarrollo que se ha visto por acá en mucho tiempo. Vamos por partes.
Alejandra Pizarnik como nos informa correctamente el programa (indispensable leerlo por cierto para poder entender) fue una poetisa argentina de los 50’s suicida a los treinta y varios. Con una obra dolorosa y potente, centrada en sí misma y su angustia existencial. Suena denso, lo es, pero, que gran poetisa a la que confieso no conocía en absoluto y que merced a esta obra ahora he comenzado a leer con gran placer.
La obra, original de Zaria Abreu, maneja; a través de diálogos entre la Pizarnik y su sicoanalista Ostrov y consigo misma y sus angustiosas personalidades; el proceso de destrucción mental y emocional que viviera la poetisa, encuadrándolo simbólicamente en el cuento de Alicia en el país de las maravillas. Desde el principio sabemos que estamos navegando en la locura lucida de esta escritora y que finalmente morirá, pero con una dramaturgia novedosa, plena de momentos llenos de teatralidad pura Zaria Abreu nos lleva a conocer y claro, admirar y entender un poco a esta artista, que se une a poetisas dolientes como lo fuera, en otra medida y sentido, Enriqueta Ochoa que no se suicido pero también escribió poesía personalísima a partir de sí misma.
Debo destacar que Zaria es becaria FONCA y por este trabajo más que merecidamente. Pocas veces se ven en escena textos de autentica vanguardia escénica y este es uno de esos.
La puesta en escena, esplendida y reitero de autentica vanguardia, de Gabriel Figueroa Pacheco, nos introduce con un director imaginativo y acucioso, obviamente obsesionado con el detalle. La Puesta y producción física manejan una complejidad y una riqueza visual apabullantes. El escenario estalla visual y emotivamente. Que agradable sorpresa conocer el trabajo de Gabriel.
Aquí su labor como generador y coordinador del gran grupo de colaboradores rinde fruto por el excelente resultado. Disfrutamos un autentico show multimedia con espacios creados a partir de proyecciones fijas o en movimiento. Escuche que se llevaron 4 meses para lograr esa perfección visual. No exagero, la obra en términos de producción no tiene nada que pedir y si mucho que mostrar a OCESA y CNT e incluso a muchos teatristas extranjeros. Por establecer un nexo respecto a la novedad escénica que se ve aquí solo podría comparar con algunas propuestas de Fura del Baus o Els Comediens. El producto final es impecable. De hecho leemos parte de los versos de Pizarnik en las muy bellas imágenes en cambio constante desde el inicio hasta el final de la obra. Destaco los trabajos para lograrlo de Alain Kerriou en escenografía y videoarte, las iluminación de Hugo Heredia, La coreografía de Ramón Solano, el diseño sonoro de Ricardo Cortes, que al lado de sus equipos logran una puesta de avanzada que justifica becas y apoyos.
El elenco es muy bueno, ¡Bravo! Micaela Gramajo en su “Alejandra”, intensa y profunda. Con el compromiso de las buenas actrices, a su lado Tony Marcin en la “Sasha” con una fuerza escénica que no es común. Arnoldo Picazzo en el Ostrov lucha y vence en un rol difícil como interlocutor masculino en un universo mental femenino. Frida Islas y Florencia Sandoval también logran con creces sus respectivos roles con esa frescura que da la experiencia actoral de jóvenes preparadas.
Ahora bien, también los espectadores de teatro tienen edad, me refiero a que existen espectadores adultos con gran experiencia en ver teatro, así como adolescentes e infantes, según la cantidad y calidad de las puestas que hayan visto. Explico esto porque esta es una obra definitivamente hecha y concebida para espectadores adultos o… adolescentes atrevidos, teatralmente hablando por supuesto. Es una obra que si lo modifica a uno como espectador pero que no es fácil ni fácil de digerir. Está en un acto y al final si resulta a mi percepción 20 minutos larga. Por lo mismo y por lo denso del tema y tono puede resultar un poco pesada para algunos. Si, debo decirlo, no es una obra digestiva para ver y olvidar, es un espectáculo que requiere de un público atrevido e inteligente.
En resumen, Jugar a morir, es una esplendida opción para hacer y ver algo interesante los lunes y martes, además a un precio risible de $50.00 pesos solamente y aplican descuentos, francamente no hay pretexto para no acudir. Eso si, repito, es intensa, es densa, un poco larga, maravillosa visualmente y nos permite acercarnos al interior del alma de una intensa y bastante loca artista, pero no es fácil. Así que ya lo sabe, aviéntese una vuelta por el Teatro Julio Prieto para darse el placer de crecer como espectador teatral.
martes, 4 de agosto de 2009
Las Alas del Pez. Lo bonito de lo anticuado.
Por TESPIS
No cabe duda, aunque un mensaje moral cambia su valor con el tiempo, convirtiéndose inclusive en anacrónico, si esta envuelto en una forma artística, no solo es aceptable sino hasta disfrutable.
Es el caso de este montaje del INBA de la obra emblemática de Fernando Sanchez Mayans "Las Alas del Pez", montaje que estará en el bonito Teatro Villaurrutia de Jueves a Domingos hasta septiembre.
Esta obra cuenta la historia de Daniel, un joven nadador proletario que sale con su domingo siete de embarazar a su novia. Y entra el tema del aborto, la sociedad, lo que dirá la familia, hasta un final necesariamente trágico. Sanchez Mayans estructuro su obra como melodrama, el genero nacional por excelencia. Esta obra fue muy premiada en su estreno allá en 1960 y de seguro habrá levantado ámpula entre la aun mas conservadora sociedad mexicana de la época, al hablar abiertamente del aborto, claro, con eufemismos como "arreglar lo de ese hijo" o "dejar a la muchacha como antes".
Resulta mas que obvio darse cuenta de que el "mensaje" de la obra de "Castigo al pecador que se atrevió a sugerir tal barbaridad" esta mas que pasado de moda y de machismo, aunque me atrevo a suponer que la intención del autor estaba mas del lado femenino al hacer un retrato que hoy resulta risible, por lo indigno, del machismo. Machismo que aplica incluso la madre del protagonista con la terrible, por su significado, situación de "No te casaras con mi hijo pero, NO abortaras a mi nieto" que le suelta a la pobre novia embarazada con toda la seguridad de estar cumpliendo con la moral establecida.
Inteligente y muy, muy disfrutable la decisión del director Ginés Cruz de ubicar la obra en los sesenta. El delicioso aire "retro" de la puesta cuidado hasta el exceso con rebanadas de naturalismo escénico que ya no se ven, como la cena que la madre prepara de verdad, o también el planchado a la antigüita con trapito húmedo arriba de la prenda y todo que nos hace la puesta divertida y atractiva visualmente. Por supuesto Gines Cruz se fuga un poco de la imposición realista del texto aplicándolo a la escenografía, muy linda, de Luis Conde que se encuadra mas bien en un realismo estilizado en contraste con el vestuario y otilaría obra de Sergio Ruiz, donde hasta la botellita de Pepsi esta exacta. Anexando algunos trazos y acciones que nos permiten evadirnos de esa sofocante realidad, la historia se desliza suave e interesante de principio a fin.
Un solo comentario, la obra esta estructurada en tres actos, para adecuarse al gusto moderno solo hay un intermedio, pero resulta necesario un pequeño espacio entre segundo y tercero. Por lo menos para prender el aire acondicionado. Pero realmente necesario para establecer la separación de tiempos en la historia. Aparte de esto, la dirección es muy buena y limpia, fiel al estilo de la época en todo, incluso actoralmente, pues pone a su destacable elenco en tono con genero y estilo actoral.
El elenco es un encuentro agradable con actores y actrices no solo conocedores del oficio sino con labores que vale la pena destacar. Muy bien Rafael León en el estelar Daniel, sonsonete barriobajero al estilo del cine de la época de oro, manejo corporal directo, compromiso sin excesos. Bravo, Rafael. La Madre de Patricia Marrero es deliciosa, para aquellos que pensaban que ya nadie podía actuar como la Derbez o la Montejo de aquellos años Patricia Marrero hace alarde de buen desempeño al tocarle acciones naturalistas que parecen sencillas si no tienen que estar sujetas a una precisión de tiempo y parlamentos, además de alcanzar matices melodramáticos que es muy difícil ya poderlos ver, Bravisimo Patricia. Muy bien también José Carlos Rodríguez en el padre frió y desobligado, con el peso y la economía exactos. Xochitl Galindres que nos toco en suerte ese día; alterna con Monica Sanchez; también correcta en su papel de chica engañada, nos gusto mas en la segunda parte. El Ángel de Jonathan Persan es correcto y efectivo en la dramática escena final. Nos gusto menos la Soledad de Marta Papadimitrou, aunque no desentona en absoluto con los demás, quizá demasiado contenida, en momentos parecía un poco fría.
Resumiendo, "Las Alas del Pez" es una puesta que deben ver todos aquellos que gustan del buen teatro mexicano, aunque sea anticuadito jeje. Para los nuevos escritores y dramaturgos que quieran ver una obra bien estructurada y una historia bien contada. Y para todos aquellos que disfruten una actuación cuidadosa y correctisima en estilo lo que la hace un bocado delicioso. Incluso es buena para los abortistas y antiabortistas pues pone en escena muchos argumentos que pueden generar constructivas discusiones. No se la pierda.
No cabe duda, aunque un mensaje moral cambia su valor con el tiempo, convirtiéndose inclusive en anacrónico, si esta envuelto en una forma artística, no solo es aceptable sino hasta disfrutable.
Es el caso de este montaje del INBA de la obra emblemática de Fernando Sanchez Mayans "Las Alas del Pez", montaje que estará en el bonito Teatro Villaurrutia de Jueves a Domingos hasta septiembre.
Esta obra cuenta la historia de Daniel, un joven nadador proletario que sale con su domingo siete de embarazar a su novia. Y entra el tema del aborto, la sociedad, lo que dirá la familia, hasta un final necesariamente trágico. Sanchez Mayans estructuro su obra como melodrama, el genero nacional por excelencia. Esta obra fue muy premiada en su estreno allá en 1960 y de seguro habrá levantado ámpula entre la aun mas conservadora sociedad mexicana de la época, al hablar abiertamente del aborto, claro, con eufemismos como "arreglar lo de ese hijo" o "dejar a la muchacha como antes".
Resulta mas que obvio darse cuenta de que el "mensaje" de la obra de "Castigo al pecador que se atrevió a sugerir tal barbaridad" esta mas que pasado de moda y de machismo, aunque me atrevo a suponer que la intención del autor estaba mas del lado femenino al hacer un retrato que hoy resulta risible, por lo indigno, del machismo. Machismo que aplica incluso la madre del protagonista con la terrible, por su significado, situación de "No te casaras con mi hijo pero, NO abortaras a mi nieto" que le suelta a la pobre novia embarazada con toda la seguridad de estar cumpliendo con la moral establecida.
Inteligente y muy, muy disfrutable la decisión del director Ginés Cruz de ubicar la obra en los sesenta. El delicioso aire "retro" de la puesta cuidado hasta el exceso con rebanadas de naturalismo escénico que ya no se ven, como la cena que la madre prepara de verdad, o también el planchado a la antigüita con trapito húmedo arriba de la prenda y todo que nos hace la puesta divertida y atractiva visualmente. Por supuesto Gines Cruz se fuga un poco de la imposición realista del texto aplicándolo a la escenografía, muy linda, de Luis Conde que se encuadra mas bien en un realismo estilizado en contraste con el vestuario y otilaría obra de Sergio Ruiz, donde hasta la botellita de Pepsi esta exacta. Anexando algunos trazos y acciones que nos permiten evadirnos de esa sofocante realidad, la historia se desliza suave e interesante de principio a fin.
Un solo comentario, la obra esta estructurada en tres actos, para adecuarse al gusto moderno solo hay un intermedio, pero resulta necesario un pequeño espacio entre segundo y tercero. Por lo menos para prender el aire acondicionado. Pero realmente necesario para establecer la separación de tiempos en la historia. Aparte de esto, la dirección es muy buena y limpia, fiel al estilo de la época en todo, incluso actoralmente, pues pone a su destacable elenco en tono con genero y estilo actoral.
El elenco es un encuentro agradable con actores y actrices no solo conocedores del oficio sino con labores que vale la pena destacar. Muy bien Rafael León en el estelar Daniel, sonsonete barriobajero al estilo del cine de la época de oro, manejo corporal directo, compromiso sin excesos. Bravo, Rafael. La Madre de Patricia Marrero es deliciosa, para aquellos que pensaban que ya nadie podía actuar como la Derbez o la Montejo de aquellos años Patricia Marrero hace alarde de buen desempeño al tocarle acciones naturalistas que parecen sencillas si no tienen que estar sujetas a una precisión de tiempo y parlamentos, además de alcanzar matices melodramáticos que es muy difícil ya poderlos ver, Bravisimo Patricia. Muy bien también José Carlos Rodríguez en el padre frió y desobligado, con el peso y la economía exactos. Xochitl Galindres que nos toco en suerte ese día; alterna con Monica Sanchez; también correcta en su papel de chica engañada, nos gusto mas en la segunda parte. El Ángel de Jonathan Persan es correcto y efectivo en la dramática escena final. Nos gusto menos la Soledad de Marta Papadimitrou, aunque no desentona en absoluto con los demás, quizá demasiado contenida, en momentos parecía un poco fría.
Resumiendo, "Las Alas del Pez" es una puesta que deben ver todos aquellos que gustan del buen teatro mexicano, aunque sea anticuadito jeje. Para los nuevos escritores y dramaturgos que quieran ver una obra bien estructurada y una historia bien contada. Y para todos aquellos que disfruten una actuación cuidadosa y correctisima en estilo lo que la hace un bocado delicioso. Incluso es buena para los abortistas y antiabortistas pues pone en escena muchos argumentos que pueden generar constructivas discusiones. No se la pierda.
sábado, 11 de julio de 2009
REGLAS
Como todo ejercicio cultural, lo mejor sera establecer unas sencillas reglas que seran comunes y estrictas para todos los miembros:
- Solo publicaran criticas los integrantes de la ACPT registrados. El objetivo es establecer un dialogo entre la critica,los teatristas y el publico. Este no es un lugar de critica libre enese sentdo.
- No se aceptan insultos directos a nadie. Los comentarios ofensivos dirigidos a un artista escenico, miembros del medio, integrantes de la ACPT, no seran admitidos o seran retirados.
- Cualquier opinion es aceptada. No existe limite a la critica a comentario solo requerimos que estos se justifiquen.
- El objetivo del blog es tambien promover por lo que se aceptan invitaciones a cualquier espectaculo PROFESIONAL, las invitaciones a espectaculos amateur o estudiantiles deben ser especificadas en los comentarios como espectaculo estudiantil o amateur.
Pensamos que son reglas muy sencillas. Un saludo a todos
OBJETIVOS
Nuestra meta es ayudar y apoyar el desarrollo de las Artes Escénicas en nuestro país por medio de la difusión y el comentario critico fundamentado.
La principal función del critico es:
- LA DEFENSA DEL BOLSILLO DEL ESPECTADOR.
Esta es la herramienta con la que intentamos, en la medida de nuestras posibilidades, de defender las artes escénicas.
Los espectáculos en vivo como el teatro, la danza, la opera, son en general mas costosos que el cine o a tv, por lo mismo, la calidad de los trabajos que se presentan cobrando un boleto deben justificar con su calidad escénica el costo. Por esta razón en este blog no existirá censura ni compromisos.
Un espectador que asiste a un espectáculo decepcionante o que percibe como caro solo lograra que el publico se aleje de las taquillas.
La otra función importante del trabajo de un critico es:
- LA DEFENSA DEL PROFESIONALISMO EN LAS ARTES ESCÉNICAS
En estos tiempos, merced a la velocidad e inmediatez de los medios masivos de comunicación, el acceder a las artes espectaculares se ha degradado y llenado de aficionados que adquieren rápidamente calidad de estrellas, o bien, apoyados en un aparato estrictamente económico se realizan montajes maquilados que no solo no apoyan las artes escénicas nacionales, sino que laboran en pos de su aniquilación.
Señalar aquellos espectáculos que no realizan correctamente su trabajo es nuestra tarea.
- EL DESARROLLO DEL ARTE ESCÉNICO
Señalar y en su caso, comentar las rutas novedosas de nuestros creadores. Alentar las caras nuevas o que se están consolidando es también nuestra obligación.
Contrario a lo que se cree, un critico NO debe ser un adulador de actores o actrices canosos, sino un impulsor del futuro escénico que nunca olvida, por supuesto, a los grandes de nuestro pasado y presente, esto nos lleva a mencionar nuestro ultimo objetivo en este blog:
- PRESERVAR LA MEMORIA DE LO ESCÉNICO
Las artes escénicas tienen en desventaja que hasta hoy al menos, su verdad era efímera. Hoy solo tenemos pocas fuentes a las que acudir para tomar ejemplo de nuestro pasado común. En este Blog también publicaremos no solo criticas y crónicas antiguas sino que hablaremos sobre tal o cual artista que haya dejado su huella en nuestros escenarios.
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